Sankey的海洋咖啡馆

【视频】The Brian Setzer Orchestra - The House Is Rockin - [爵士派]

说实话，在先前我一直以为Brian Setzer仅仅玩Neo Swing而已，没想到他也会和吉他摆上一道。这支视频中，摇滚和爵士杂交的越来越有意思了。铜管乐队和一个吉他Leader？

Paul Hardcastle《Hardcastle》系列：城市的心跳 - [爵士派]

　　如果不是Paul Hardcastle的影响，恐怕我对Smooth Jazz的音乐水准的印象可能会和现在的大相径庭。但实际上，即使有了这个英国人的影响，也还是没有影响到我对Smooth Jazz总体的评判。这并不是说Paul Hardcastle是一个无足轻重的角色，相反，因为他的音乐实在是太无与伦比，反而失去了与其他的Smooth Jazz音乐的可比性。而Paul Hardcastle改变的，只是我对Smooth Jazz这个名词的好感度，他并没有改变我对Smooth Jazz音乐总体水准始终保持着的一贯认识和看法。

　　当然，说他无与伦比，可能夸张了些。但是如何换成独特这个词，或许还在一定程度上能够让人接受。如果和那些Smooth Jazz音乐人相比，他的确算是一个异类。作为一个以电子音乐作为出发起点的人，就这样扎在爵士音乐里，不算稀奇，如今Fusion风满世界吹，所以惠及一人也没有什么大不了。但问题是，在Smooth Jazz圈子里面玩儿电音融合的，却寥寥无几。因为和Paul Hardcastle这般，做这一块儿的，基本上都是混迹于诸多Chillout和Lounge合辑之中，根本不会想到跑来Smooth Jazz这块地里分一杯羹。

　　这样说来，Paul Hardcastle不算是Smooth Jazz了？那可不一定。从风格上来说，他确实有别于当下Smooth Jazz的主流，他的音乐更像是一个Lounge和Smooth Jazz的中和体，对R&B人声的运用也让他的音乐更加的多元化，但仍然无法否认其音乐中确确实实存在的Smooth Jazz成分，或许因为他只是一个Smooth Jazz的改革家而已。和那些追求在几个简单的旋律中不断的进行循环的Chillout和Lounge相比，Paul Hardcastle的旋律仍然显示出了太过的变化，还称不上是一个标准的Lounge/Chillout制作者，至少，在他的音乐中，并没有透露出这种倾向。相反的，在他的音乐里，你却能够听到迄今为止能够听到的最为Smooth的旋律。

　　在Smooth Jazz音乐中，油滑和甜腻是一把达摩克利斯之剑。他们是Smooth Jazz不可或缺的元素，但是对其运用时的份量和方式，就会像放糖一般，会将音乐引向两个极端：要么淡而无味，要么甜的发腻。前者大多是一些没有灵气的音乐，平淡无奇，不吸引人；后者则在媚俗的道路中越走越远，反而失去了对音乐的内容的把握和要求，音乐流于浮华而毫无内涵。可是在Paul Hardcastle的音乐之中，却看不到这些现象，相反，其带来的更多是一种惊异，很少有人能够将音乐做成彻彻底底的“大俗”的时候，却又不让音乐言之无物，毫无内容，Paul Hardcastle做到了，他将音乐主流化到了极致，魅力却并没有与其主流程度成反比。

　　而这种主流，则在英国人的Hardcastle系列中发挥到了极致。之所以选择他的Hardcastle系列而不是Jazzmasters系列，是因为如果说Jazzmasters系列在与其他乐手合作下还稍微带着一点儿爵士的清雅和更多音乐可能性的话，那么作为完全掌握在自己手里的Project的Hardcastle系列则是彻头彻尾的Smooth。前者若还稍微称得上是对音乐的奉献的话，那么后者则俨然是一派对城市的赞歌，将浮华糜烂的小资情结进行到底。

　　赞歌并非都指向Hardcastle这一整个系列。真正值得获得荣誉的，是其中的《Hardcastle 3》和《Hardcastle 4》。Hardcastle系列的前四张，代表了一个音乐家成长的过程。《Hardcastle 1》中，Paul Hardcastle还处在一个摸索的阶段，所以在这张专辑之中，你看不到后期的那种潇洒自如的音乐表现方式，大量的R&B人声充斥在音乐之中，而Synth-Pop化的手法也显得有点脱离时代。听上去更像是八九十年代George Benson在玩R&B，而不是Paul Hardcastle在玩Smooth Jazz。不过毕竟第一辑是90年代初的事儿了，倒也情有可原。在第二张专辑中，这种情况有所改观。R&B人声比重的下降和后期制作手法浮出水面，使《Hardcastle 2》成为了一座桥梁，将《Hardcastle 1》和《Hardcastle 3》衔接起来，同时带来了《Hardcastle 3》进化的可能性。

　　但这并不是说作为这个系列的头两张专辑就一无是处。虽然不够成熟，但是在这两张专辑之中，已经能够看到Paul Hardcastle的灵感的苗头。《Hardcastle 1》中的《Driftin' Away》已经展现出Paul Hardcastle的后期风格，但这首曲子终究只是一个特例。虽然专辑中成熟的曲子不多，但是才华已经有了苗头，如《Forever Dreamin'》和《You May Be Gone》这般，稚嫩但是已经有了后期作品的一些神韵。而《Feel the Breeze》更是惊人，无论是在之前还是之后，这样的单曲都不会再出现。这首曲子太富有朝气和活力，并且做的太Chillout化，反而不符合后期Paul Hardcastle的风格。而在《Hardcastle 1》里面，也是一首鹤立鸡群的单曲。但是这不能改变《1》仍然是一张不成熟的唱片的状况。

　　《Hardcastle 2》作为系列的第二张，可以算是《Hardcastle 1》的进化版，如之前所述，2里面对1中R&B人声的比重做了适当的调整。后期的油滑风格进一步的成型，部分单曲的大师范儿已经让人看到了Paul Hardcastle在中间几年技术和手段上的成长。专辑中的经典单曲也比1来的更多了一些。更别说《Acoustic Dreams》这般优雅的曲子，在Hardcastle系列中可谓屈指可数。所以有时也可以说，Hardcastle是从第二张开始起色的。另外，第二张的一个嚎头，就是翻唱了Pink Floyd的《Money》，这回，曲如其名，《Money》可真变成了纸醉金迷的《Money》了，只是《Money》并没有显露出太多的奇妙之处。在Paul Hardcastle的众多销魂作品中，《Money》不过是一首无足轻重之作。

　　《Hardcastle 3》和《Hardcastle 4》的诞生宣告了Hardcastle系列黄金时代的来临。两张专辑都称得上是神作，虽然两张专辑仍然存在着一定的差异，但是这不影响它们在音乐地位上得以平起平坐。相比之下，《3》显得更像一个艺术品。宛若Ibiza般的电音化手法在此时仍然十分的活络熟练，但从封面就可以感受到那种Cafe Del Mar等Chillout音乐的风格。无怪乎《Rainforest》、《Sunshine》和《Runnin Back》的美妙旋律仍然没能够抹煞背景里的那小小的电音处理小细节所带来的趣味。《Zen Warrior》和《First Light》中对新世纪音乐的采样融合如今在Chillout音乐中也屡见不鲜。有时甚至会觉得，这是一张无论在舞池还是在酒吧都能够左右逢源的唱片。

　　《4》并没有带来太多的革新和变化。只是在路线和方向上，做了小小的调整。如果说《3》是一张富有创意和想法的唱片，仍然充满了无限的可能性的话，那么《4》则已经确定了自己的走向，沉静了下来。《3》中所代表的电音化所蕴含的空间延伸感和无限可能性在《4》中已经褪去。没有了海水的气息，没有了阳光的照耀，《4》从地中海重新回到了城市的腹地，将对俗世的礼赞继续保持发扬下去。就像是一曲都市生活的赞歌，《4》是都市景象的描绘者。在《4》的音乐中，你能够感觉到都市的心跳。是的，当合成器的和声开始带有颤动感的时候，当旋律变得更加的油滑的时候，当节奏和速度更加软化下来的时候，你又如何否认《4》作为一张俗世经典的地位。相比之下，《Eastern Winds》是如此的格格不入，这首带着新世纪味道的Chillout更像是《3》中剔出来的作品，它并不差，但放在《4》中却显得有点突兀，当《Midnight Moon》已经把你的心占据之时，谁还会去管《Eastern Winds》呢？

　　不要和我提《Hardcastle 5》，即使它存在我也会当它不存在。有了这张《5》，Hardcastle系列前进的动力仿佛一下子就中断了。其实《5》倒也不会太差，至少从表面上看，《5》是沿着《4》的路子发展下来的，因为《5》显得更加的舒适而无力。但是柔软化的发展，其实在《4》中就已经趋于完美，而不需要再去做什么调整。可是这次Paul Hardcastle却像是将音乐去骨了一般，将原先音乐中拥有的律动性进一步的抽离消减。最后终于使得音乐开始向鸡肋的方向发展，同时音乐的灵性也在渐渐的消失。看看《Closer》和《Blew My Mind》中那无力的旋律，以及淡而无味的女声旋律，就知道，《5》已经差《4》太多了。

　　但是《Hardcastle 3》和《Hardcastle 4》，已经奠定了其Smooth Jazz大师的地位。即使现在这位英国先生越来越没有灵感，但只要当《Midnight Moon》的音乐一响起时，你还是能够感觉到那城市的心跳声。那流畅顺滑的Smooth Jazz，终究还是超越了那些仍然徘徊在流行层面的Smooth Jazz音乐家们。也只有他，能够用电音给Smooth Jazz一点想象力，也带给我们一点飞翔的空间，来对这世间的浮华致敬。

专辑：《Hardcastle 1》(1994)
厂牌：JVC
评级：★★★
专辑试听

专辑：《Hardcastle 2》(1996)
厂牌：JVC
评级：★★★
专辑试听

专辑：《Hardcastle 3》(2002)
厂牌：V2
评级：★★★★
专辑试听

专辑：《Hardcastle 4》(2005)
厂牌：V2
评级：★★★★
专辑试听

专辑：《Hardcastle 5》(2008)
厂牌：Trippin N' Rhythm
评级：★★★
专辑试听

大野雄二Trio & Friends《Cool For Joy》：依葫芦画瓢，但画的还不差 - [爵士派]

艺人：大野雄二トリオ&フレンズ(Yuji Ohno Trio & Friends)
专辑：《Cool For Joy》(2005)
厂牌：Vap
评级：★★★★

专辑试听

　　虽然影视作品已经成为了过去，但是那些影视音乐却没有因为时间而消逝，鲁邦三世就是一个很好的例子。如今鲁邦三世的音乐就像一个尚未枯竭的金矿，仍然不停的被人们开采挖掘。以动画名义出品的专辑的数量就已经说明一切。鲁邦三世的系列专辑实在是太多，这种数量上的优势可能使得这张《Cool For Joy》并不会太抢眼。已经有那么多张系列唱片，又怎么会特别留意这众多之中的一个呢？但系列中的专辑毕竟各有特色，所谓萝卜青菜各有所爱，有人喜欢这种口味的，又有人喜欢那种口味的。在多元化的听者面前，《Cool For Joy》也总会找到属于自己的支持和喜爱的人士。

　　标题中的Cool For Joy已经充分的说明了这张专辑的音乐取向：一张以清凉风味为主的专辑。但是不要因为专辑标题而被迷惑，虽然专辑之中确实有一定的Cool Jazz的成分，但《Cool For Joy》并没有完全以Cool Jazz为主要核心，而是更为广泛化的引用了Cool的概念，以此来完善大野雄二赋予专辑身上的Cool的定义。《The Gift!》和《Cool For Joy》中的Bossa Nova和非洲节奏就是一个很好的例证。而不说风格，在整体氛围上，专辑也透出一股摄人心魄的凉感。虽然专辑不完全是Cool Jazz组成，但是本着清凉的方向，专辑的目的也算是达到了。

　　正如大野雄二(钢琴)、铃木良雄(bass)、村田宪一郎(鼓)组成的Yuji Ohno Trio & Friends拥有的正式的名号那般，这张专辑又成为了一张纯正的爵士唱片。说他纯正是因为专辑音乐完全是按照美国爵士的路数去做出来的。所以你在专辑之中，很难听到那种融合了日本风格或者说是带着日本标签的爵士气息。Yuji Ohno Trio将这张专辑做成了一张彻头彻尾的美国爵士唱片。本源化的做法或许会让一些希望能够听到一些独到的日本化声音的人们感到有些失望，但是以一张西式爵士风格专辑来说，《Cool For Joy》着实不赖。除了基本的几大样外，电颤琴，电钢琴等乐器的使用也让专辑在配器上显得丰富了不少，至少多元化了点，不至于过于简单。

　　唯一要提出的毛病，也是之前所到的，就是模仿。过多的模仿反而让专辑显不出自己的个性，虽然有风格，但是却是别人的风格。这点其实还不算是太糟，但是专辑中的一些曲子暴露出了大野雄二三重奏模仿过度(或许说可能是抄袭)的毛病：《Autumn In Praha》的主旋律听上去像是受到了《Autumn Leaves》的影响，而《Cool For Joy》中的某些旋律也与Donald Byrd & The Blackbyrds的《Ghana》有着部分相似点。《My Funny Valentine》则更加直截了当的表明了这首曲子在借鉴方面的做法。虽然不能说整张专辑都没有原创的东西在里头，但是从前面的现象来看，这张唱片还是过于着重模仿，而在创造力上，似乎还有些欠缺。不过抛却其他的因素，如果单纯就音乐层面上来说，《Cool For Joy》仍然是一张不赖的唱片。

【视频】Tokyo Ska Paradise Orchestra - Lupin The Third '78 - [爵士派]

看看，这他妈的才叫做摇滚。Ska Swing比起Ska Punk来的有趣多了。

【视频】小島麻由美 - ラストショット - [爵士派]

看了底下的介绍，日本独立爵士女王这个封号还真有意思。不过她确实够独立够爵士够复古够华丽。虽然这首并不是我最喜欢的曲子，不过目前也只找到这个视频(还是Couyi帮着找的)。将就着吧。

Ray Barretto《La Cuna》：一半拉丁，一半爵士 - [爵士派]

艺人：Ray Barretto
专辑：《La Cuna》(1979)
厂牌：CTI
风格：Latin Jazz
评级：★★★☆

专辑试听

　　随着Ray Barretto在2006年的病逝，这个拉丁爵士的标志符号之一也最终落下了帷幕，宣告了自己音乐生涯的终结。而留在身后的，则是那数目繁多的几十张冠以自己之名的录音作品。虽然身为一个鼓手，其在爵士乐的地位一般并不怎么高。面对诸多萨克斯、贝斯、钢琴和长笛演奏者们来说，鼓手的地位可谓低人一等，当然这里的低人一等指的是在录制唱片时，总是得屈居于其他人的名下，而鲜有以自己的名义制作唱片，更不提声名远扬了。可是Ray Barretto毕竟是个能够混出名堂的人，能够于50年代后期取代Mongo Santamaria在Tito Puente的名义下混了四个年头，就足以说明其绝非泛泛之辈。再加上其玩的并非是简单的爵士鼓，而是爵士鼓与非洲鼓兼而有之，这样也就和那些爵士鼓手区分了开来，毕竟，这一头是拉丁的地盘。

　　在斯人逝去后的日子，再回头翻出这张1979年的老唱片，难免会有些不合时宜的感觉。如今才想起去听Ray Barretto的音乐，未免来的有点晚。但晚归晚，其终究是来了。至于年代，在这众多的唱片中，挑选出哪一张唱片倒是无所谓，只要精良就好。Ray Barretto录制的众多唱片，其质量也是良莠不齐。所以能够挑选出一张比较有趣的唱片，就已经很不错了。拉丁爵士至今未能称霸一方的原因也是如此，虽然有着拉丁的招牌和标志来吸引听者，但是做出来的成品水准却并不是太高，可谓好货奇缺。但是若看看这张专辑的封面，就会稍微感到有些不同。除去Ray Barretto外，作为参与者的Tito Puente和Joe Farrell已经为外观增添了不少光彩。能够把Tito Puente等人聚合过来，的确需要不小的努力。

　　在没有听过别的同类型的拉丁爵士专辑的情况下，我也只能够说专辑中带来了拉丁音乐所具有的一贯的惊喜。《La Cuna》中那洒脱的长笛和钢琴带来了人们心目中的拉丁爵士的形象。在Salsa音乐中“大珠小珠落玉盘”的钢琴旋律在这曲子中才真正算是活过来了。有趣的是，这首同名曲并不是专辑中最好的曲子，相反的，专辑中最好的曲子确实两首翻作，《The Old Castle》和《Pastime Paradise》。前者作为俄罗斯作曲家穆索尔斯基的代表作《图片展览会》组曲的其中一段旋律，在这群人的即兴把玩下，也变得绚烂无比。原本深沉的旋律在电吉他和萨克斯的狂热演奏下也不免变得狂热起来。后者作为Steve Wonder的代表作之一，在这里却被翻录出了另一番风味。拉丁音乐的优雅和爵士音乐的随意交相辉映，却成就了专辑中最为有趣的曲子，钢琴，萨克斯，电吉他和鼓的Solo都值得称道，而歌者旋律也没有了那种浓重的忧郁，反而染上了狂欢的色彩。

　　或许是因为挂着爵士的名号的缘故，大多数情况下拉丁爵士仍然无法摆脱作为其根源的正统爵士的影响，这也使得这些音乐中不能时时都保持一贯的拉丁口味。这或许和乐手的水平有一定的关系，人们对拉丁旋律的渴求使得他们希望乐手们能够将这些拉丁元素玩的更有味道一些，而不仅仅是作为爵士构架的附庸和点缀。但大多数情况下，这种想法仍然不过是一种奢望。对这个Crossover的音乐风格来说，不可能总是两面都讨巧。所以专辑中，仍然不免有《Doloroso》和《Mambotango》这样带着较重的正统爵士味道的中规中矩的作品。拉丁活力的缺失使得曲子失去了本身应该拥有的耀眼光芒。

　　事实上，在Ray Barretto的其他一些曲子之中，也能够感觉到这种水准和灵性发挥的时好时坏。诸如Ray Barretto翻完的《Summertime》中，那种浓重的爵士成分还是让人感到有些不是很舒服。在爵士的拉丁化上，这些Latin Jazz音乐家们还需要更多的探索。而如何在拉丁化的爵士音乐中，凸显出拉丁元素的存在，就是一个更加值得探讨和研究的话题了。只是在一个仍然缺少天才的领域内，或许人们还需要更多的时间去等待一个天才的到来。毕竟，玩拉丁爵士的人相对来说仍然不够多。

【视频】Tokyo Ska Paradise Orchestra - Jungle Boogie - [爵士派]

尝试过Swing和Ska的结合吗？这种摇滚和爵士的气质齐头并进的感觉在这个乐队身上展现的淋漓尽致。前者的酷和后者的节奏动感相得益彰。
我他妈就是讨厌摇滚，要说酷的程度，爵士乐中的Swing和Jump Blues分支要厉害得多。摇滚乐的垃圾实在是太多了。

【视频】Michael Buble - It Had Better Be Tonight - [爵士派]

Swing Jazz和拉丁旋律的混合~愉悦

【视频】St Germain - Latin Note - [爵士派]

【视频】St Germain - Alabama Blues - [爵士派]

Crazy Ken Band《777》：西式复古与日式复古的杂合体 - [爵士派]

艺人：Crazy Ken Band(クレイジーケンバンド)
专辑：《777》(2003)
厂牌：Jvc
评级：★★★☆

专辑试听：Solue 或 9sky

　　如果把Crazy Ken Band(クレイジーケンバンド)说成是一个半吊子乐团的话，未免有些太过。虽然他们的乐队风格在摇滚乐和灵魂乐之间游走徘徊而未专门取其一而显得不够纯粹，但是若真正考究起来，“半吊子”这个词也只是针对他们对风格的不专一而言，而非他们的音乐。因为若非如此，他们也不会被HMV唱片日本分部评选进“日本最流行前100名音乐家”的第98名了。另外要指出，这个横山剑并非Hi-Standard的那个横山健。尽管他们的名字只有一字之差，但是念起来的读音却极其相似。幸好我们今天所谈论的那个横山剑用了Crazy Ken作为他的英文名，这样也借此和那个朋克摇滚的卫道士横山健区别开来。

　　在乐团的官网介绍中，横山剑将自己称为Crazy Ken，对于其自称为Crazy Ken，倒是挺符合他在这个乐团的情况的。一个打扮光鲜，却玩着温文尔雅的灵魂乐和早期摇滚，这在旁人看来，确实是够Crazy的。而从这个名字中，倒是可以看出这个乐队的名字的部分来源。而Band又作何解呢？去看看他们的乐队成员的名单就知道了，这个Project，包括横山健在内，成员竟然多大12人之多。虽然这在那些Funk和Soul组合之中也并非少见，只是在当下，仍然算得上是少见的豪华阵容。这恐怕也是为什么称其为Band的缘故。

　　作为这个Band的第五张专辑，《777》仍然秉承了Crazy Ken Band一贯的风格。在专辑之中，那让人愉悦的灵魂乐仍然显得十分的舒适，虽然一些歌曲如《7时77分》的旋律有时会让人想起昔日Marvin Gaye的那些作品，但是在整体的旋律和编曲上，Crazy Ken Band则会更趋向于当下的流行趋势。他们并没有选择那些经典纯粹的老的Soul，而是选择了更显得改进化的New Soul。这也是为什么《777》在编曲上和当下的时尚更为契合，而非如当年的Soul那般虽然优雅但是总是觉得缺少了一些调味料般，过于生鲜了，这点在《BRAND NEW HONDA》时髦的编曲和《I LIKE SUSHI》开头的Bossa Nova节奏中均有体现。而旋律上，在《パナールの岛》等曲目中，Crazy Ken Band也并非一味的朝着西化的路子走，而是在一定程度上适当的日本化了。

　　而专辑的另一个重头戏，则是摇滚，先前已经说过他们并非是一个纯粹的Soul乐队，在他们的音乐之中，老派摇滚的味道仍然十分的浓烈，《爆発!ナナハン娘》和《真夜中のストレンジャー》的Blues摇滚，《美人》的七八十年代风味，都为专辑增添了不少有趣而怀旧的元素。而除去老派摇滚的成分，《泪のイタリアン.ツイスト》的早期六七十年代的日本流行音乐的主导——昭和歌谣的风格和《あ、やるときゃやらなきゃダメな》的爵士味道仍然为这张专辑增添了不少新意。在这张专辑之中，你可以听到得音乐风格是在是太多了，有时真的会让人不由得觉得他们会不会只是一个玩票的半吊子乐队。

　　不过不能否认，专辑风格的杂乱在一定程度上影响了他们的专辑的吸引力，虽然他们的才华仍然耀眼，而别出心裁的多元化元素也显得十分的用心。不统一的专辑制作让人有时摸不着头脑，反而会感觉这张唱片更像是一张拼盘，而非专辑。但是尽管有着这样一个缺点，《777》却仍然显得十分的有趣。虽然《777》在风格上的纷乱和Dragon Ash的《Viva la Revolution》相比可谓有过之而无不及，但是在当下的日本乐坛中，Crazy Ken Band所表现出的优雅仍然显得十分的可口和诱人。只是在专辑的整体性上，还是希望看到Crazy Ken Band在下一张专辑里能够做出一些突破和改进。

クレイジーケンバンド(Crazy Ken Band) - てんやわんやですよ - [爵士派]

这几天打算写一篇这个乐队的碟评。

最令人惊讶的是这个主唱竟然玩的是朋克，可是在这个乐队里就和他的队友们玩起了布鲁斯摇滚和灵魂乐。

【转】Michael Buble《Call Me Irresponsible》：爱比时光更浪漫 - [爵士派]

艺人：Michael Buble
专辑：《Call Me Irresponsible》(2007)
厂牌：143/Reprise
评级：★★★★

专辑试听

文：唐门小三

　　金棕色卷发、灵动而略带稚气的眼神、笑起来像个未经世事的大孩子，这是许多人对Michael Bublé的第一印象。他成熟迷人的中低嗓音不仅能将所有内敛深沉的老派作品演绎得丝丝入扣，当他在舞台上旋转的时候，全身更充满了如同Elvis Presley那样的魔力。也许并不是所有现代爵士歌手都让人疲惫不堪，至少Michael Bublé不是。
　　
　　他是后现代版的爵士之王Frank Sinatra。
　　
　　Michael Bublé1975年9月9日出生于加拿大温哥华，幼年时期的偶像不是Madonna而是Ella Fitzgerald和Sarah Vaughan。由于祖父的大力支持，Michael从小就在与镇上音乐家的同台演唱中积累了足够的歌唱经验，并在17岁时获得加拿大新秀选拔赛冠军。接 下来的两部音乐剧——《Red Rock Diner》和《Swing》中的优秀表现为他赢得了Warner著名制作人David Foster的一纸合约。
　　
　　同名专辑于2003年发行，虽然只是一张纯粹的翻唱专辑，然而十二首源自Tom Jones、Madonna、Frank Sinatra、Bee Gees等老牌巨星的经典名曲在Michael Bublé温淳浪漫的嗓音衬托之下，统统洗尽铅华，焕发出前所未有的优雅气质。电子合成爵士配器的大量使用赋予了专辑强烈的时代气息，并不花巧的演唱风格 丝毫也不阻碍情感的倾泻而出。
　　
　　这张专辑很快就让Michael Bublé声名鹊起，崛起为Jazz界的新宠。或许是在进入唱片的后工业时代以后，人们对听觉的要求越来越高，天赋过人且接受过系统训练的歌手却越来越 少，歌者稍不留神便会沦为节拍和伴奏的附属。作为跨界男声制作领域的金字招牌，David Foster显然深谙其理，他挖掘到了Michael Bublé最深层次的潜力，在完美听觉和音乐趣味的依托下，歌声中蕴涵的美好感情一览无余，新浪漫主义的理念贯穿始终。而在现场演出中，年轻的 Michael也已颇具巨星风范，他举手投足间的优雅风度及挥洒自如的独到魅力，总是能让台下歌迷如痴如醉。
　　
　　2005年的加拿大乐坛成为了Michael Bublé的独角戏，凭借专辑《It's Time》他囊获了“年度专辑”、“年度流行类专辑”、“年度歌曲”和“年度艺人”等重要奖项，虽然在之后的Grammy上惜败于老牌唱将Tony Bennett，但这丝毫不能阻止《It's Time》在商业上的成功以及如潮的好评。
　　
　　《Call Me Irresponsible》是Michael Bublé的最新专辑，或许也是最好的。巴西顶级制作人Ivan Lins的加入使专辑的音乐元素比之前更加丰富，不仅仅是爵士、流行，甚至还有拉丁，从而给予“跨界”二字更为精确的诠释。两首全新作品，《Lost》延 续了《Home》的深沉含蓄，而《Everything》则着力营造出活泼欢快、轻盈跃动的氛围；十二首全新改编的经典名曲似乎重现了那个人们用音乐讲述 爱与恩慈的年代，还是那个沉稳厚实感情充沛的嗓音，还是那样浪漫至死的编曲风格，优雅并且令人钦佩。
　　
　　同为最成功的跨界男歌手，又是同一个制作人的缘故，Michael Bublé的名字经常跟Josh Groban联系在一起。他们的声线里都有着某种令人动容的力量，只有当你仔细聆听，才会发现两者的不同。如果说Josh Groban展现给我们的是新世纪洗涤尘埃的温暖心灵之旅，那么听Michael Bublé的音乐，就像坐上了一趟开往未知之地的列车，里面承载了人类关于浪漫的一切理想，在穿越时空的漫长历程中，在反复的低吟浅唱中，你会发现，爱原 本就是超越一切的浪漫。

原文链接：http://www.douban.com/review/1236595/

慵懒而不失热情的拉丁爵士合辑 - [爵士派]

艺人：Various Artists
专辑：《Putumayo Presents: Latin Jazz》(2007)
厂牌：Putumayo
评级：★★★★

专辑试听

　　自1993年Putumayo World Music这个专门营办世界音乐及其周边音乐的厂牌诞生至今，虽然拉丁音乐并非他们的主要产品，但也可以算是其中的重要产品之一。但是这张拉丁爵士选辑却如此姗姗来迟，却让人不免有些苦等已久的感觉。因为算起来，Putumayo正式推出第一张带着拉丁标签的专辑，是在1997年。可是这张拉丁爵士的诞生，却已经是事隔十年之久后的事儿了。但不管怎么说，这张专辑终于被弄出来了。应当说这份迟来的产品出厂安排并不是说拉丁爵士的价值也因此是排在后面的。1995年，格莱美奖增设了拉丁爵士奖，将其作为一个单独的奖项包含其中。这项举动也间接地证明了拉丁爵士的影响力正在逐渐增强，不然格莱美也不会让拉丁爵士入住其中。而格莱美奖将拉丁爵士摆上台面，同时也进一步地推动了将拉丁爵士推向大众的步伐。而这一切自然也不会不引起Putumayo这个世界音乐厂牌的注意。看看每一年Putumayo的产品清单就可以看出，他们的产品出品安排已经被各类音乐充塞的犹如沙丁鱼罐头一般拥挤。而拉丁爵士被排在后面可能也存在这样的因素：那就是要安排的产品过多而使得其只能暂时搁浅。那这音乐的迟来的原因又有一大部分得归结于随机性，而不是人的主观因素。

　　而在1997年以来的产品清单中，可以发现几乎每年Putumayo都会出产一到两张拉丁风味的专辑。让我们看看他们的拉丁产品：1997年的《¡Latino! ¡Latino!》和《Caribbean Party》，1998年的《Afro ~ Latino》，1999年的《Cuba》和《Brasileiro》，2000年的《Puerto Rico》、《Chico César》、《Festa Brasil》、《Latinas》等，2001年的《Mexico》等，2002年的《Samba Bossa Nova》、《Latin Groove》、《Latin Playground》，2003年的《Salsa Around the World》和《Brazilian Groove》，2004年的《Nuevo Latino》和《Women of Latin America》，2005年的《Afro-Latin Party》和《Latin Lounge》。2006年的《The Caribbean》、《Brazilian Lounge》、《¡Baila!: A Latin Dance Party》和《Radio Latino》。由此一看，Putumayo对拉丁爵士安排的滞后也就不难理解了。毕竟拉丁爵士只是一个融合音乐的副产品，而主产品自然要率先推出。而在能够捞钱而又能被较早想出来的做完之后，那么剩下的也就被摆上议程了。

　　如果是听过2005年的《Afro-Latin Party》的人，想必会对他们做合辑的手法略知一二。整张合辑中，曲子的速度上基本是属于中速和慢速的，你不会听到太多那些有着过多热情洋溢的情绪渲染的曲子，相反，更多的都是一些沉稳而缓慢释放热情的旋律，这不知道是不是遵循着放松的路子以求在一定程度迎合大众的姿态。当然难免会让人感觉Putumayo在个性上仍然表现的不是很够。所以在这次的《Latin Jazz》中，这种选取和制作的手法仍然被沿袭了下来，也就不会让人感到太过意外了。在这张专辑之中，慢腾腾的拉丁爵士钢琴旋律已经将这张专辑的节奏决定了下来。这也让人感觉这更像是一张专辑，而不是合辑，因为整体的风格未免过于一致化了。不过为了向着放松的大众化路子奔去，在个性上有所牺牲对于决策者来说或许还是一个值得采取的折中手段。

　　不过虽然在个性上使得这张专辑更多的表现出一种慵懒而非激情的状态，这张专辑本身的音乐水准仍然值得称道。简而言之，慢是慢了点，但是并不失精彩之处。如果说《Congo Mulence》在Cannonball Adderley的旋律加入下，音乐仍然会显得比较接近美洲大陆的正统爵士风味的话，那么在接下来的曲子之中，爵士中透出的那股子拉丁风味就显得魅力无穷了。《El Sabroson》在长笛和钢琴的催化下，终于开始让拉丁风味攀上音乐，开始从第一首的正宗爵士风味向拉丁风味过渡。如果说接下来的《Rumdrum》带来了真正浓郁的拉丁风味但是又稍嫌偏短，而《Cha Cha Cha》则又过于偏向美洲大陆的爵士的话，那么《La Clave Maraca Y Guiro》则可以说是真正带来了专辑中的第一首让人兴奋起来的单曲，在不时闪现的拉美音乐常用的合声包围之下，电颤琴、长笛、萨克斯、弱音器小号依次现身。尤其是电颤琴的加入，使得音乐颇为清凉。各色乐器的拉丁风味也表现的十分的迷人，本身沉稳的节奏之下隐藏着的曼妙气质同样让人印象深刻。

　　Gershwin的旋律在《Summertime》中仍然带着浓郁的老派爵士风味，但是在Ray Barretto的改编之下，倒也加上了一些拉丁风味的点缀，尽管这仍然是以老派爵士作为主线。《Steppin With Tp》的加勒比风味让人想起1997年那张《Caribbean Party》，轻快的风格颇有热带的灿烂阳光和海风的质感。《Cuando Se Acabara》中那缓慢的人声吟唱又将人领向那Afro-Latino的加勒比风味，拉丁味的电吉他在其中表现尤为突出。但是专辑中最为抢眼的，仍然是最后压轴的两首曲子。在八九分钟的框架之中，《Trompeta En Montuno》和《Guajira Dubois》玩够了即兴，当然，这一回，如此Hard Bop式的疯玩仍然是建立在拉丁风格的基础之上。疯狂的结果就是这两首曲子成为了专辑中最为放纵的曲子，也使得和其他曲子之间的差异进一步拉大，颇有一种鹤立鸡群之感。前面的光辉都被后面的压轴曲子给掩盖了。

　　整张专辑之中不乏各色乐器，其中数手鼓的使用最为频繁。这个在古巴等拉美地区广泛运用的打击伴奏，如今运用在爵士音乐之中，难免会产生一种新鲜而奇异的风味。这也成为拉丁爵士得以脱颖而出的一个重要特征之一。在听惯了架子鼓的击打之后，突然转换成手鼓那种松散的打击节奏和褪去金属色彩的音色，难免就会有一种从现代形式急速转换之后的新鲜感。而专辑之中对长笛、小号和钢琴的重用也同样别具一格，不过这也无可厚非，毕竟这就是拉丁的Style。在拉丁音乐中小号的运用十分的广泛，反而萨克斯却并不显得十分的主要，这也是和正统爵士的一个重大的区别之处。而颇具魅力的拉丁钢琴旋律也是一些拉丁音乐形式的御用伴奏旋律。同样，拉美人声形式的嵌入也让音乐更加的本土化，也就是拉丁化，使得音乐得以自成一派。

终究还是过于表面化了 - [爵士派]

艺人：Robert Miles & Trilok Gurtu
专辑：《Miles_Gurtu》(2004)
厂牌：Narada
评级：★★

专辑试听

　　直到现在，Robert Miles留给人的印象仍然停留在1996年的《Dreamland》，那首无论是当年还是现在都显得无与伦比的《Children》依旧是他最为显著的音乐风格标签。即使是在2001年的《Organik》和2004年的《Miles_Gurtu》诞生之后的日子里，人们所记住的也仍然是那一首《Children》，而将后来的那两张专辑给直接的忽略掉了。其实也并不能说是忽略，但是自2001年后，Robert Miles在大众中的影响力确确实实处在一个不断下滑的过程中，逐渐的被人淡忘。那些作为后辈的Trance DJ们正在用如热浪般的舞曲在征服听众，他们或许早就记不起曾经让他们迷乱的那Dream House音乐，如今可能也只有一个叫做“Dream Dance”的合辑的名字能够让他们偶尔回忆起过去，但也仅此而已。

　　不过如果要说当时给我带来最大震撼的一张Robert Miles的专辑的话，反倒并不是那张充斥着梦幻钢琴旋律舞曲的《Dreamland》，而是他后期并不为人所注意的《Miles_Gurtu》。这张专辑很特别，这是和他之前的音乐相比之下得出的结论，而这个结论最终也导致了他的另一个结果：逐渐被淡忘。这个时候他已经不再是那个当年的让人喜闻乐见的Robert Miles了。如今的Robert Miles已经逐渐的远离主流范围，在录制完第二张专辑后的日子里，他选择了离开唱片公司，并开始着手玩弄起自己的新风格。这在他自己独立制作的新专辑《Organik》中可见一斑，在这张专辑中，他已经打破了人们对他的固有印象，开始试图超越自己。在这张专辑之中，氛围音乐以及世界音乐等风格的加入使得Robert Miles改变了太多，或者，这成为一次自我的超越也并不为过。

　　而在三年之后，这种变化有种愈演愈烈之势。2004年，作为Robert Miles的第二张独立制作的专辑的《Miles_Gurtu》正式诞生。这回的封面做的的确很独立，这或许是由简陋而粗糙的质感所得出的主观结论。这一次，专辑封面上不再是由Robert Miles一个人的名号占领，在《Organik》之中担任打击乐器演奏工作的Trilok Gurtu如今也从演奏层面中走出来，成为了和Robert Miles共同创作的合作伙伴，并得以将自己的大名和Robert Miles的共同放置于封面上，所以这一回Robert Miles想要独占鳌头恐怕是不可能了。从封面上那两只年龄不同的手掌的合拍动作也略微能够看出他们在专辑中的合作关系，右下边隐约露出的字样似乎也是“1+1”，如果是的话，倒也进一步的印证了这层关系。

　　Future Sound Of London的音乐给了Robert Miles相当大的影响，这在这张专辑之中可见一斑，诸多充满了神秘的氛围和阴暗的电子音效的段落已经多少暴露了这种取向，例如《Without A Doubt》。而Trilok Gurtu也为这张专辑中的爵士部分添砖加瓦，或许是由Trilok Gurtu被提上合作伙伴的缘故，专辑中的爵士元素较之上一张专辑要来的更加浓重起来。作为和一票北欧爵士乐手合作过的人物，在专辑中弄出许多配合Robert Miles神秘的电音和键盘氛围的玩乐手法也就不足为奇。这位印第安裔的爵士鼓手在爵士摇滚和世界音乐之间的Cross Over早已让自己声名在外，而与Jan Garbarek、John McLaughlin、Terje Rypdal等人合作的经历也同样让他成为一个不容小视的人物。不过这一次与他合作的并不是哪一个老字号的大牌爵士音乐人物，而是名气相对要来的小得多的Robert Miles，一位相比较下稍嫌年轻的小辈，那么这一次又能否擦出灵感的火花呢？

　　这又要看作曲家的功力如何了。如果把时间放在4年前自己刚听到这张专辑之时，自己绝对会给它打上满分。迷离而神秘的氛围营造，再加上先锋爵士制造出的怪异景象，总是有一种十分奇妙的感觉。而当时自己也仅仅是处在爵士音乐的入门阶梯上，在这音乐的冲击之下也立刻就被震撼到了，草草的就给这张专辑打分完毕。但是4年之后再重听这张专辑之时，脑海中却又是另外一番景象。在领教了一些疯狂的实验音乐、阴暗的氛围电子和最为先锋的爵士之后，再回头看这张专辑，会发现那音乐不再令人畏惧，而先前的神秘感和对其的敬畏感也荡然无存。

　　在这张专辑中无论是World Music宗教般的神秘感，还是Miles Davis的先锋味儿，抑或Future Sound Of London的Dub阴霾氛围，都无法在乐手们的合作之中起到一个良好的有机结合的作用。无论是那一种风格，都无法在专辑之中起到一个主要的风格引领作用。这就使得这张专辑的风格导向就变得不够明确。而在诸多风格的音乐上，每种音乐都只是做到了浅尝辄止，音乐底子的薄弱使得每种风格的音乐段落都过于平凡而没有太多亮点和引人之处，在听过几遍以后，整体显得空洞而无内容的毛病就会较为明显的凸现出来。在这里，可以看出Trilok Gurtu的这位合作伙伴的音乐功力的不足。在探索的想法上，Robert Miles已经较之以前要来的超前，但是在音乐上，却仍然没有达到一定的高度，尚未达到意识上的超前的程度。这也让他的音乐有些心有余而力不足，但是这个方向已经有些意思了，只是这位年仅35岁的年轻人可能仍然需要更多的学习和沉淀。人们自然也更多的希望这是经验的不足，而不是天赋的不足。而这到底是前者还是后者，还有待Robert Miles自己来证明。只是现在的他，仍然不能让人们感到满意。