Sankey的海洋咖啡馆

Taking Back Sunday——Emo变奏曲 - [地下三厘米]

文：上尺工凡四六

刊于《通俗歌曲》2009.9期，转载注明作者和出处。

作为一个当年从Hardcore Punk中独立出来的新品种，Emo已经越行越远。在Emo刚诞生的时候，还是被冠以Emocore的名号，这表明当时的Emo尚未脱离Hardcore的影响。如今，Emocore的称号已经被缩短了的Emo所取代。在这其中，Pop Punk和Indie Rock的影响功不可没。正是这两种音乐的影响，使得当年粗糙的Emocore得以转化为现今成形的Emo。这变化历程也解释了Emo的曲式结构的不常规，以及旋律的舒适。前者已经颠覆了人们脑中惯有的Punk一成不变的曲式印象，而再加上后者的旋律化特点，Emo已经表现出比Punk更加的有趣的特质。

作为Emo的佼佼者之一，Taking Back Sunday刚开始时走的路并不顺利。当乐队在录制自己的第一张录音室作品《Taking Back Sunday EP》时，他们却遇到了一些人事上的麻烦。时任乐队贝斯手的Jesse Lacey(现任Brand New主唱兼吉他)离开了乐队， Adam Lazzara被招来填补了这个空缺。同时，鼓手Steven DeJoseph也在录制了两首曲子后跑去重组他自己的老乐队Prescott C，乐队又找来Mark O'Connell填补了这个空白。这张EP最终于2001年2月完成，一张EP录下来，竟然用了两拨不同的阵容。作为一支成军两年的乐队，在录制第一张作品期间，乐队阵容突然面目全非，这让成员们多少有些不知所措。更糟糕的是，这张EP在推出后，并没有获得多少成功。这也为乐队的下一次人员变动埋下了伏笔：在乐队完成第二张EP《Lullaby》后，主唱Antonio Longo被迫离开了乐队。随后主唱的位置由贝斯手Adam Lazzara填上，同时Shaun Cooper则被作为贝斯手招进。算上原先阵容里的两位成员John Nolan和Eddie Reyes，这便是历经了一次大换血后的Taking Back Sunday 的阵容。

不过这新阵容为乐队的音乐带来了新的变化。2002年，乐队推出了自己的第三张EP《The Tell All Your Friends》，这张EP的效果明显比前两张要来的好，就是这张EP为乐队吸引了Victory Records的注意，并且最终将乐队收入旗下。随后乐队在位于新泽西的录音室里与制作人Sal Villanueva和Tim Gilles一起筹备制作乐队的第一张正式专辑，同年五月，乐队带来了自己的第一张正式专辑《The Tell All Your Friends》。专辑沿用了年初的EP的名字，并重新录制了原先EP中的单曲，与新录制的单曲一同发布。这张专辑中，主唱Adam Lazzara情绪化的声音加上John Nolan和Eddie Reyes猛烈的双吉他制造出的效果表现出了很好的层次化效果。他们用流行化的手法很好的将Hardcore音乐包裹起来，使其更加入耳。Eddie Reyes作为The Movielife前吉他手的身份并没有让《The Tell All Your Friends》带上过多先前乐队的影子，相比The Movielife来说，Taking Back Sunday在声音方面上和The Canterbury Effect更相似，而音乐方面Taking Back Sunday对Emo、Punk、Hardcore和Pop的融合似乎要胜过The Movielife。他们的Emo旋律的流行程度使得他们的音乐听上去不至于太“躁”，旋律化的处理适当了软化了硬核本身的坚硬感。虽然新专辑在排行榜上还没有达到十分抢眼的位置，但对新人而言，乐队所获得的这小小的成功也让乐队尝到了一点甜头。

搞定了专辑之后，乐队把将近一年的时间花在了巡演上。不过就在这时乐队却又出了问题：吉他手John Nolan和贝斯手Shaun Cooper跑去组了自己的乐队Straylight Run。好不容易度过了上一次的人员大变动并且在《The Tell All Your Friends》中小获成功，如今不得不再次面对四分五裂的局面，Taking Back Sunday真可谓命运多舛。不过就在Taking Back Sunday前途未卜之际，吉他手Fred Mascherino(原Breaking Pangea乐队成员)和贝斯手Matt Rubano(原Schleigho乐队成员)的加入使得Taking Back Sunday再次成为了一个整体，并为乐队结束即将落下帷幕的巡演以及后来的唱片录制带来了可能。

一切似乎又开始朝着顺利的方向行进。2004年Taking Back Sunday为Blink-182开场以及参加Vans Warped巡演已然说明乐队的影响力正在与日俱增。同年，乐队推出了他们的第二张专辑《Where You Want To Be》。这张专辑为乐队带来了巨大的成功，它是乐队第一张挤进Billboard排行榜前三名的专辑，唱片本身的销量也达到了十六万三千张左右的好成绩。虽然和上张专辑《The Tell All Your Friends》有些许的不同，但是《Where You Want To Be》在商业化上无疑做得十分出色。在上一张专辑奠定了自己的风格走向后，Taking Back Sunday也像众多从角落走到聚光灯下的地下乐队一样，开始在音乐上寻求更适合大众人群接受的切入点。在专辑中，可以看到更多更丰富的材料和更成熟的技巧，在《A Decade Under the Influence》、《One-Eighty by Summer》和《Number Five With a Bullet》等歌曲中，就可以看到乐队比起之前确实有所成长。

除去专辑本身，乐队也在试图通过更多的主流渠道提升自身在大众面前的曝光度。在脱口秀节目“Jimmy Kimmel Live!”现身以及音乐在诸多原声中的频频亮相都在一定程度上提高了乐队的知名度。这些原声音乐阵容包括了《蜘蛛侠2》的电影原声带中的单曲《This Photograph Is Proof (I Know You Know)》，《黑天使》电影原声中的单曲《Your Own Disaster》选入以及《神奇四侠》和相应的游戏的原声音乐中的单曲《Error Operator》。在随后的2007年里，乐队也试图将《What's It Feel Like to Be a Ghost?》提供给了电影《变形金刚》作为其原声亮相，可惜最终并没有被采用，不过与此同时，他们翻唱Descendent的两首单曲《Suburban Home》和《I Like Food》的medley版本被视频游戏《托尼霍克：美国荒野》使用，倒也值得安慰。

2006年4月，Taking Back Sunday发行了他们的第三张专辑《Louder Now》。不过这回他们的新专辑不是在老东家Victory Records旗下发行，而是在华纳音乐的子公司WEA下发行。这是他们转投大公司后发行的第一张专辑。乐队对自己的评价反应出上一张专辑发行后的两年来所经历的戏剧性的变化。“以往人们感觉乐队的现场要比唱片来的更有力量”，Adam Lazzara说，“但是这回这种状态会被调转过来。”当然，《Louder Now》也确实做到了这一点，正如专辑标题所表达的意思那样。不过和Taking Back Sunday之前发行的那些正式专辑一样，这回专辑标题依然是从歌曲的歌词之中提取出来，而不是“原创”的。但这不妨碍他们变得“Louder Now”。或许是因为大公司的路线影响，也可能是为了博取更多的乐迷，这张专辑较之前两张要来的更加的主流成熟。如果说先前的音乐还算是带着棱角的独立之声的话，那么此时他们的音乐已经变得更加的舒坦平滑。乐队如今似乎越来越懂得如何去取悦大众了，这也很好的解释了这张专辑在Billboard上得到了No.2的名次，并创造了90万张的销售记录。

2006年12月，乐队发行了自己的首张CD/DVD纪录片，《Louder Now: Part One》，这套纪录片收录了乐队巡演幕后的片段以及四场现场演唱会。在为时数月为新专辑造势的巡演后，乐队于2007年7月出现在Live Earth的美国站演出中。同时他们也出现在Linkin Park的工程革命2007巡回演出中，和My Chemical Romance、HIM等乐队同台献艺。次年，乐队先前的公司Victory Records发行了一张精选集《Notes From The Past》，收录了乐队第一张专辑和第二张专辑里的十首曲子以及两首B-Side单曲《The Ballad of Sal Villanueva》和《Your Own Disaster》。与此同时乐队发行了《Louder Now: Part Two》，一张收录了他们在加州Long Beach一次演出中未发行的现场录像，以及其他一些在欧洲的MV等等诸如此类。

由于在音乐理念和创作上的分歧，2008年10月，乐队的吉他手Fred Mascherino选择了单飞，开始将心思全部花在自己的第一张新专辑上，随后Matthew Fazzi顶替了Fred Mascherino的位置。而Mascherino在其后的一次采访中谈到他们之间的分歧导致他们的创作效率低下时表示说，乐队更像是在烹饪食品而不是创作音乐。这番宣言激起了乐队成员们的强烈反应，他们写下了《Capital M-E》并在其中回应了前吉他手的言论。不过幸而吉他手的离开并没有影响到乐队的新专辑的制作。就在吉他手宣布离开一个月后，乐队已经为自己未来的第四张专辑起好了名字，《New Again》。这个专辑名字的确很符合当时乐队面对的处境，又一次分离和填补，Taking Back Sunday又一次变成一个“新”乐队。2009年6月，乐队终于将自己的新专辑的面纱去掉，将其摆在众人面前。毫无疑问，这是一张“新”专辑，正如乐队之前所要表现的那般。Taking Back Sunday并没有停下改变的步伐，这张专辑也不例外。《New Again》较之之前的专辑，整体显得更加的明亮和成熟，先前的冲劲如今被规整到更加稳定自如的力量输出方式之中。褪去了先前的青涩和躁动，乐队如今显得更加的沉静。

虽然先前那股子冲劲的弱化会让许多人感到不适，但是这并不能够阻挡Taking Back Sunday变革和成熟的脚步。事实上，如今的Taking Back Sunday更像是一个历经了风雨的乐队，在情绪的沉淀之中，他们变得更加的富有魅力。

【视频】John Lee Hooker & Santana - The Healer - [地下三厘米]

没想到这首歌有视频呢。听的第一首John Lee Hooker的歌就是这首。。惬意的布鲁斯啊

【视频】George Thorogood & the Destroyers - Bad To The Bone - [地下三厘米]

还记得《终结者2》里面施瓦辛格抢了人家一身行头后走出门口时放的背景音乐吗？对的，就是这首曲子。

【视频】Scorpions - Loving You Sunday Morning - [地下三厘米]

和那张2001年的专辑一样，这次的Live版本是原声版的，习惯与否就看个人了。

【视频】Mr Big - Daddy brother lover little boy - [地下三厘米]

仍旧是Hard Rock

【视频】Cinderella - Somebody Save Me - [地下三厘米]

颓废多时。听了几首Salsa和Hard Rock。重新为之一振。
突然想起自己似乎没怎么发过Hard Rock的MV，实乃失误。

【视频】Maroon 5 - Sunday Morning - [地下三厘米]

【视频】ASIAN KUNG-FU GENERATION - 転がる岩、君に朝が降る - [地下三厘米]

他们的第四张专辑中抛却了上一张专辑的阴暗，重新回归了明快温暖的主题。
他们似乎离Emo越来越远了，Indie和Brit-Pop的明亮吉他音色表现的越来越多了。不过，这首是我最爱的一首AKG的曲子。

【视频】Asian Kung-Fu Generation - 或る街の群青 - [地下三厘米]

今儿开始写一个Emo乐队的稿子。找资料突然又想起了这支挚爱的日本Emo乐队。
虽然如今只保留了他们最为Punk力道的第一张专辑，但是后面的几张专辑中的一些单曲仍然存了下来。
其中就包括了这首曲子。
唉，Emo这玩意儿真他妈的好听，尤其是加上了日本风味以后。

PS:主唱还是那么可爱啊，哈哈

The Radio Dept :梦幻已远去，温暖渐回潮 - [地下三厘米]

(刊于《非音乐》第58期)

文：上尺工凡四六

时至今日，Labrador早已不是一个陌生的词汇。这个瑞典厂牌以其专事Indie Pop的清新风格而在众多唱片厂牌中脱颖而出，不过其成名还是更多的依赖于旗下所拥有的乐队的水准和名气，一个旗下拥有Acid House Kings、Club 8、Sambassadeur、Lasse Lindh等乐队的厂牌，即使不想成名也难。如果只是有个别乐队显得优秀倒也无妨，可是在如此强大的乐队阵容下，人们也难以不为其品味所吸引，进而记住这个有着独特口味和品味的厂牌名字。当然，这或许也和北欧的风土人情有一定的关系，不知道是不是因为寒冷的气候，如今的斯堪的纳维亚半岛似乎在清新温暖的小流行音乐的出产上颇有建树，且质量上也表现的十分不俗。以至于人们的印象中已经被植入了将小清新/独立流行和清冷的北欧挂钩的等式。而在原产地上占了地理优势的Labrador能够挖到这么多优质的乐队，在这样看来倒也并不显得十分的稀奇。

而当了解到了Labrador的与众不同之后，再回到当初这个厂牌将The Radio Dept.推向台前的时候，人们也就多少会放下怀疑的态度，而抱着更多的好奇和期待的心情去了解这支在刚开始时还显得多少有些陌生的瑞典乐队。不过事实上，The Radio Dept.的诞生时间要比他们印象中来的早的多。他们的诞生，从严格意义上来说，并不是乐队开始出唱片时的2002年，也不是乐队开始做音乐时的1998年，而是1995年。那时，作为校友的Elin Almered和Johan Duncanson两人呢将这个乐团的概念在脑海中构想了出来。当时乐队还并不叫做The Radio Dept.。最初乐队的名字是根据于瑞典Lund市一家加油站/收音机修理店起的。这家店的名字是Radioavdelningen(“The Radio Department” in Swedish)，这样一来，乐队的名字就有了着落。但是接下来的事情却有些出乎意料：在创建乐队不久后，乐队的两位创始人Elin Almered和Johan Duncanson就停止了两人的音乐合作。而其后的日子里，乐队的人员不停的在进行着变动，有些时候，甚至看上去乐队似乎根本就没有存在过一般。

待到The Radio Dept.重生之时，已经是三年之后的事情了。1998年，Johan Duncanson开始和Martin Larsson一起合作，在进行了许多演出和录音之后，两人决定将乐队名改为The Radio Dept.，那个在后来的日子里对人们来说更为熟悉的名字。其后，The Radio Dept.录制了四首曲子，而录制场地的分布也十分的广泛：乐队成员的家，朋友家的客厅，弥漫着难闻味道的仓库，学校，以及有着不断闪烁的日光灯的录音室，这些都成为了这支地下乐队的录音场地。在时聚时散，分分合合的日子中，乐队勉强度过了自己的又一个三年。2001年，乐队迎来了他们的第一个春天。这一年秋天，Lisa Carlberg和Per Blomgren分别作为贝斯和鼓手加入乐队，而其后Daniel Tjäder,的加入则使得乐队第一次得以实现了自己的完整阵容的集结。同时也是在这一年年末，乐队将自己的录音寄给了一家名叫Sonic的音乐杂志，得到了杂志积极的评价，并且将他们的录音放入杂志附赠的CD之中。2002年，乐队陆续在自己创立的厂牌Slottet下发行了几张EP单曲，其中就包括了《Against The Tide》。

在地方杂志的积极评价，以及自己录制的音乐作品的小获成功后，一些大厂牌开始对The Radio Dept.感兴趣了起来。而在拒绝了其中大多数厂牌的邀请后，他们最终与Labrador签约并成为旗下乐队。虽然乐队并不认为他们自己在理念和音乐上和Labrador以及Labrador下的其他乐队有什么联系，但是他们仍然对这个已经正式成为了乐队的“家”的厂牌保持着尊重的态度。乐队在那一年发行了自己签入Labrador后的第一张录音《Where Damage Isn't Already Done》EP。这张EP中，他们表现的要比之前获得成功的《Against The Tide》要更加出色。据他们自己说，这是“早期The Jesus and Mary和Saint Etienne之间的完美混合”。而Labrador也底气十足地将其评价为2002年“年度最佳瑞典流行乐队”，虽然听上去有些狂傲，但是The Radio Dept.还是有足够的底气来接受这些赞誉的。

2003年春天，The Radio Dept.发行了他们的第一张专辑《Lesser Matters》，虽然在专辑发布前，Per Blomgren离开了乐队，但是这似乎并没有过多的影响到他们的处女专辑的成功。无论是乐队还是唱片公司，两者都从这张专辑中得到了自己所想要的东西，对于两者来说，这都是一个巨大的成功。乐队的这张专辑在地下音乐范围内得到了国际性的成功，NME将其选入杂志的年度十佳专辑之一，而Labrador也凭借这张专辑第一次打入了瑞典的销售排行榜。在专辑中，The Radio Dept.带来了甜美而忧郁的Dream Pop旋律和歌词，梦幻的人声、吉他和噪声效果。虽然他们的旋律和歌词已经足够优美，但是必须承认如果没有那些噪音效果，The Radio Dept.的成功光环恐怕不会如此的闪亮。那些噪音虽说是噪音，但是在The Radio Dept.的音乐之中，却显得如此的和谐，以至于你并不会觉得它们是日常观念中的那种噪音。相反，这些噪音为他们的音乐更增添了几分迷幻效果。而这些元素更增添了这个乐队整体所散发出的Shoegaze气息。

在《Lesser Matters》获得了巨大的成功之后，人们的视线渐渐都开始聚焦在这个瑞典乐队身上。随之而来的则是那些其他地区的厂牌的代理发行。接下来的几年里，在Shelflife、XL等英美厂牌的代理发行下，《Lesser Matters》以及先前的《Where Damage Isn't Already Done》、《Why Won't You Talk About It?》、《Ewan》等EP得以出现在这两个主要的英语国家的唱片架上。毕竟在当初The Radio Dept.始终用英语演唱自己的歌曲，便是因为有着攻占更为广阔的英语地区的野心，如今他们的英语歌词总算得到了一定的收益。但是让The Radio Dept.获得更为广泛的认知的，还是2006年的电影《Marie Antoinette》。这部电影让人意外地启用了一些现代的摇滚和电子音乐作为其中的配乐。而其中就收录了The Radio Dept.的三首曲子，《Keen on Boys》、《I Don't Like It Like This》和《Pulling Our Weight》。而随着电影的播映，The Radio Dept.也随之从地下群体走向了更为广泛的大众群体——影迷，这一切都对他们名气的增长带来了不小的益处。

在接下来的两年里，The Radio Dept.又陆续发行了两张EP，《Pulling Our Weight》和《This Past Week》。两张EP同样也获得了不同程度的成功。只是在《This Past Week》发行后，Lisa Carlberg离开了乐队，这样一来再加上先前Per Blomgren的离开，则正式宣告了The Radio Dept.的乐队编制在鼓和贝斯上的缺席。不过这似乎并不影响乐队的继续前进，他们开始使用电子鼓来替代鼓的空缺，而对于贝斯，他们说乐队正在“走向一个新的方向，一个不需要演奏低音吉他成员的方向”。而在2006年他们所带来的第二张正式专辑《Pet Grief》中，人们也确实感觉到了一些新的变化。当然这些变化并不仅仅表现在和第一张专辑不同的电子鼓中。事实上，在此前较早的《Pulling Our Weight》和《This Past Week》，以及2006年的《The Worst Taste in Music》中，乐队就已经开始显露出这种变化的姿态了，只不过《Pet Grief》更像是一个集中的展示。在这次的作品中，当初作为他们音乐的标志特征之一的噪声却开始变得有些难寻踪迹，取而代之的是大量的合成器效果。他们在配器上变得更加的明亮清晰起来，不过当初那份阴郁和忧伤的梦幻气质却并没有消失。单纯的青春期忧郁已经过去，取而代之的是一个在温暖和阴暗氛围上更加深入The Radio Dept。《Pet Grief》和《Always A Relief》中直接明亮的忧郁，《Every Time》和《Sleeping in》的梦幻和温暖，《I Wanted You To Feel The Same》、《The Worst Taste In Music》的厚重而深沉的钢琴和弦以及《Gibraltar》、《It's Personal》和《South Side》的纯音乐氛围表达，都让这张专辑整体显得更为的大气而深刻。虽然诸多媒体杂志对他们这一次的表现的评价并没有上一次那么好，但是这并不影响乐队的事业继续保持着蒸蒸日上的态势。这张专辑仍然拿下了瑞典排行榜第11名的位置，而乐队的乐迷基础也进一步的扩大，并赢得了更多的世界范围内的支持者。

同年末，The Radio Dept.在网络上发行自己的单曲《We Made the Team》，这首曲子所包含的特别的纪念意义似乎更多于其所包含的音乐的意义，这是因为《We Made the Team》是乐队所属的厂牌Labrador所发行的第100张唱片。而在随后Labrador为纪念其发行100张专辑而推出的Labrador 100中，《We Made the Team》也作为最后一首曲子收录于其中。

2007年是The Radio Dept.沉寂的一年，在这一年中乐队并没有为人们带来任何的专辑和EP，这为乐队之后所要带来的作品带来了更多的神秘感。以至于有人说乐队可能在同时制作两张专辑，而这两张专辑将会同时在2007年的五月份发行。当然，这消息最终被证实是谣传。2008年发行的EP《Freddie and the Trojan Horse》打破了这些或有或无的猜测和谣传，这张EP并没有和The Radio Dept的.别的什么唱片一同发行。不过EP确实带来了一些新鲜的变化。专辑中，在同名单曲中可以听到些许的Post-Punk影响。而在其他曲子中也不乏如Krautrock、Ambient Noise和重复的Motorik节拍的这样一些全新的声响。这些变化或许会让一些喜欢The Radio Dept先前风格的人们感到有些不好接受，如今的The Radio Dept.和他们当初的曲风的差距已经变得越来越大，但是必须承认他们在风格变化上越走越远，而没有止步不前。而每一次变化都显得如此的富有创造力和魅力。这也使得我们更加的期待接下来的那张将于2009年末发行的专辑《Clinging to a Scheme》。

【视频】Sting - Fragile - [地下三厘米]

偶然从Jesse Cook的专辑里听到了这首曲子的翻唱。不过相比之下，还是更喜欢原作。

Airbourne《Runnin' Wild》：硬派摇滚的酷劲回归 - [地下三厘米]

艺人：Airbourne
专辑：《Runnin' Wild》(2008)
厂牌：Roadrunner
风格：Hard Rock/Heavy Metal
评级：★★★☆

专辑试听

　　如今谈论七八十年代的Hard Rock和Heavy Metal似乎显得有些不合时宜。虽然在二十多年前，Hard Rock式的Heavy Metal也曾经风行一时，陪伴一代金属迷们的成长并且为其留下了永久的美好记忆。但是时代巨轮的前进总是那么冷峻坚定，随着金属音乐向着越来越直接凶猛的方向发展，无论是Heavy Metal自身的变化，还是那些后来的金属乐种的诞生，都无一例外的在渐渐的将这Hard Rock味儿的老派Heavy Metal排挤出人们的视野。这种新旧的交替被普遍的看作是时代的进步，但是这进步的代价却是以牺牲了听这一类乐种的人们的喜好为代价的。当人们还在陶醉于那些老音乐的时候，他们却无法回避这个事实：除了那些如今已经成为老一辈音乐家了的Hard Rock工作者们仍然在战斗之外，似乎已经鲜有年轻人去玩这种音乐了。如此一来，Hard Rock陷入了后继无人的尴尬，仿佛其即将和曾经风行的Rockability一样，将永远的停留在那个历史点上，最后永久停产。

　　正是在这种境况下，发现Airbourne这个澳洲乐队，其所带来的惊讶感和兴奋感也来的异乎寻常的强烈。能够在21世纪看到这样一个顽固不化的以八十年代Hard Rock味儿的Heavy Metal为主要风格的新乐队，是一件十分不可思议的事情。这里或许要感谢乐队的核心成员Joel O'Keeffe和Ryan O'Keeffe两兄弟的舅舅，要不是他那张澳大利亚经典摇滚唱片的合辑，O'Keeffe两兄弟也不会为此迷上这些老音乐。当周围的人都在听着当下的音乐时，他们却沉迷在七八十年代的老摇滚中不可自拔。并且将这种爱好带进了自己的音乐事业之中。他们的第一张专辑，《Runnin' Wild》，一张属于新时代的老式摇滚风味唱片就是在这样的境况下诞生的。

　　在这张专辑中，你可以清晰地感受到这股扑面而来的老式气息。专辑中那富有Blues味儿的八十年代金属吉他Riff已经彻底的暴露了他们的复古情怀。在专辑中，能够感觉到老牌乐队AC/DC对他们的影响。已经有不少人指出两者之间的相似。对于一个澳大利亚乐队来说，对AC/DC的膜拜无可厚非，更何况Airbourne这样继承AC/DC衣钵的乐队，要拿来前人的风格作为参照的话，至少从地理位置上AC/DC无疑是最接近他们的。作为澳洲乐队，其受到澳洲摇滚的影响会更多一些，和欧美摇滚的差别自然也会很明显的体现出来，这也让Airbourne音乐的味儿更加接近AC/DC，并且有意识的对AC/DC进行模仿和参照。

　　Airbourne的音乐中表现出过多的与AC/DC的相似使得他们也被人们看做是一个跟风模仿的乐队，这也使得人们更倾向于去听AC/DC的老专辑而不是Airbourne的这张AC/DC风味的专辑，大多数人认为既然有优质的原版，何必去听后来者的模仿风味。但作为一个后来的乐队，终究是有一些得天独厚的条件使得他们的音乐能够在某些地方胜过经典的老一辈。在《Runnin' Wild》中，可以发现从专辑整体的速度出发，在Hard Rock专辑里，可以算是中上的水平了。由于时代的变化，比起过去来说当下音乐的速度与力量的提升不可避免，而这一点变化在这张Hard Rock的新专辑中也可以瞥见一丝踪迹。没有过慢的曲目，整体飞扬的激情十分符合当下年轻人的口味，在《Runnin' Wild》中你不会见到在其他欧美Hard Rock乐队的专辑中会出现的过于拖沓不够劲儿的曲目。即使和AC/DC比起来，Airbourne也会显得更加的凶猛一点儿，当然这又和他们的编曲有关系。毕竟做这音乐的乐手已经不是40-60年代的人了，无论理念还是激情，相对都会新鲜一些。

　　但要搞清楚，这仍旧只是一个第一次出专辑的一个新乐队，并且还是一个乐手全部是新生代人类的乐队。这让他们的音乐多少也会有一些不足。在领教过专辑中的那股子猛劲儿后，你还是无法否认，他们的整张专辑还是缺了点味儿，在内容上，似乎东西还是太少，咀嚼过后发现内容并不是非常的足。专辑整体过于的雷同使得其曲目之间似乎没有太大的区别，而吉他的Solo段缺乏想象力，过于单薄，以及层次上还不够丰满，旋律上的魅力和魄力也尚不够成熟，这些都是在听者听后感觉内容上不足的原因。然而，这些不足却影响不了他们在这个Hard Rock缺席的时代大受欢迎。就像Swing音乐的复兴一般，我们也希望能够看到Hard Rock的重新崛起，而在Airbourne身上，我们似乎看到了希望。正是这些希望，让我们期待他们的下一张专辑能够做得更好。其实比起好些老乐队而言，他们的第一步已经跨的不错，只是他们还需要更多时间来成长。在等待下一张专辑的过程中，我们已经有充分的自信，把当下的金属音乐束之高阁，让这个所谓的AC/DC接班人来唤醒我们的激情。

【视频】Airbourne - Runnin' Wild - [地下三厘米]

2004年诞生的新乐队，玩儿的是八十年代的Hard Rock/Heavy Metal，当然比起前辈来说更有冲劲儿。挺对胃口。

The Sea And Cake《Car Alarm》：梦幻已远去，温暖渐回潮 - [地下三厘米]

艺人：The Sea And Cake
专辑：《Car Alarm》(2008)
厂牌：Thrill Jockey
评级：★★★★

专辑试听

　　尽管在一定程度上，The Sea And Cake会因为乐队中的成员John McEntire在另一后摇团体Tortoise的团员身份而吸引一部分的眼球。但事实上无论是Tortoise的名气，还是John McEntire身上或多或少的Tortoise气息，都没有对The Sea And Cake的名声日隆以及自身音乐风格的形成产生过多的影响。因为在风格上，The Sea And Cake早已自成一派。Sam Prekop轻柔慵懒而又略带古怪色彩的人声已经使得The Sea And Cake和其他后摇团体相比显得十分的与众不同，而Indie Rock、Experimental、Jazz元素的掺入也使得The Sea And Cake的音乐听上去并不像是一支通常意义上的后摇乐队的风格。不需要感到太过奇怪，他们不过是又一个音乐融合大潮下的富有魅力的混合体罢了。

　　不过时至今日，当初的那个The Sea And Cake也变得有些让人无法辨认开来。当然这样说多少有些夸张，但是在20世纪末的那些日子、同时也是The Sea And Cake刚刚起步的那段时间里，乐队的音乐一直处在一种朦胧的氛围感之中。弱化的吉他音色，并不激烈的旋律，整体气氛上的轻柔舒适感，配合上Sam Prekop慵懒随意的吟唱，使得The Sea And Cake带有一种怪异的惬意和迷幻的质感。这点在他们的那五张发行于20世纪的唱片中已经体现的淋漓尽致。这个芝加哥乐队一直在努力试图不停的颠覆和更新自己。《The Biz》的爵士气息，《The Fawn》的电音趋向，《Oui》的小巧流行，说明他们一直走在探索的路子上。虽然一直在变化，但是他们有一点却始终没变，那就是始终贯穿音乐的轻柔，慵懒和舒适的气流，这一点使得他们在这一系列的前进过程中，始终保持着大众所认为的The Sea And Cake的特色，他们仍然是那个The Sea And Cake。

　　不过The Sea And Cake的这些特质在《Everybody》中却变得有些面目全非。严格来说，在《Everybody》中并没有太多天翻地覆的大动作，他们顶多只是添加了一些更加坚硬化的摇滚元素而已。对于其他乐队来说，这种程度的变化还算不上是惊天动地。可是当这种变化发生在The Sea And Cake身上时，这种让人意外的效果就在无形中被放大了，因为The Sea And Cake在某种程度上开始变得“难听”起来了。事实上，这种摇滚化在上一张专辑《One Bedroom》就已经有了苗头，先前的氤氲气息如今已逐渐的被愈加明细的吉他和鼓驱散。但是当《Everybody》真正将这种硬度进一步扩大之时，还是让人有些不太习惯，虽然在专辑之中，他们也只是在部分曲目中进行了这种改动而已。但是当Sam Prekop用他那平素一贯慵懒随意的声音和变得犹如混凝土般硬度的吉他声响冲撞的时候，这种不协调的感觉显得尤为突出。

　　当《Car Alarm》最初展现在人们眼前时，人们很难不将其与《Everybody》归为一类。这种相似感在《Car Alarm》的封面流露出的与《Everybody》相似的坚硬冷酷的质感时就已经十分明显。不管如何，这张专辑无疑又要让那些希望The Sea And Cake回到早期风格的人们的希望再一次落空了。在专辑中，先前已经成为既定事实的摇滚化风格还是无可避免的被保留了下来。但是相比之前的阴暗感，这次的封面的粉红底色，却带来了一丝温暖和俏皮的感觉，看上去The Sea And Cake又逐渐向明亮的方向回归了。事实也是如此，在专辑之中，虽然仍然有着如《Aerial》这般具有Indie Rock能量的曲子，但是总的来说，在《Everybody》中出现过的那些怪异混沌而略显躁动的音响在这次并没有出现。即使在《Car Alarm》和《New Schools》的吉他泥浆中，也只是在音色上会让人感到混浊，而旋律上，并没有产生多少怪异的感觉。这些变化就已经很好的解释了封面设计中所要表达出的音乐信号。在《On a Letter》、《Window Sills》和《The Staircase》中，虽然吉他仍然是偏向轻柔的处理效果，但那种更接近于摇滚风格的节奏速度和吉他旋律还是让他们多少褪去了一些先前的氤氲气氛和上一回的坚硬质感，变得更加的明亮直接。

　　《Car Alarm》带来的另一个变革的信号，来自于专辑中个别曲子的电气化编曲。这次的专辑，虽然曲目显示是12首，但是严格来说，其实只有其中十首算得上是正式曲目。而另外两首曲子《CMS Sequence》和《Mirrors》则更像是间奏曲。长度只有1分钟出头的纯音乐，没有吉他，没有人声，有的仅仅是电声。虽然Post Rock更多时候是以纯器乐展现，但是这两首无论从哪一点都不能称得上是Post Rock，这更应该被归为带点实验味道的小电子。虽然两首类似插曲的曲目对整体的方向或许并没有太多影响，但是当听到另一首正式曲目《Weekend》的编曲的时候，那跳跃的奇异小电子声响还是不免让人觉得The Sea And Cake在自己的音乐道路上又有了新的实验探索的方向。

　　The Sea And Cake的《Car Alarm》中，音乐仍旧保持着一贯的高水准，只是来回不断的改变或许会在将来使乐队的受众群体产生一定程度上的变化。大多数情况下，走出去就不可能再回头，这点对The Sea And Cake来说也是如此。对于那些希望在《Car Alarm》中看到过去影子的人们来说，这个想法再一次破灭了。那个朦胧的The Sea And Cake已经越走越远，更加具象化的The Sea And Cake已经到来。虽然《Everybody》狂躁的实验浪潮已经收尾，《Car Alarm》的清新淡雅和明亮重新将阳光的暖色铺陈在旋律音符之上，但是在这张粉红色的摇滚化专辑中，梦幻层次的淡化还是让一些喜欢The Sea And Cake的乐迷感到有些失望，不过这并不妨碍The Sea And Cake在自己的音乐探索路子上继续行走。因为在如今看来，The Sea And Cake仍旧是那个独一无二的、让人信赖和期待的The Sea And Cake。

【转】是酣畅淋漓还是用力过猛？ - [地下三厘米]

艺人：Dragon Ash
专辑：《Freedom》(2009)
厂牌：JVC
评级：★★★☆

专辑试听

　　文：照叶
　　原文链接：http://www.douban.com/review/1860839/

　　近一年来DA出版的三张单曲仅收录了五首新歌，质量……和包括俺在内的部分fans的期望有所差距。然而除了唯一一首几乎无可非议的“神曲” 《thought and action》以外，其余四首竟原封不动地全部被纳入新专辑。而且它又是拉丁风味，还缺少了DA一贯的好传统——“隐藏曲目”。所以在听到整张作品之前， 我想有不少core fans和我一样，先就抱有一丝失望的情绪。
　　
　　上周五从VZ上下载到专辑，听了三遍后就向HMV订购了。至今又听了N多遍，觉得还是可以给它打到4.5分。一来DA经过多年进化，吸收来自 不同音乐风格的营养，实力摆在那儿，尤其是在目前主流音乐无聊透顶的大背景下，俺家DA无论弄点儿什么也显得牛皮烘烘的（笑）。二来在乐曲制作上确实有进 步。《Independiente》发片时Kj抱怨说为了赶十周年的限期紧张得要命，很多想法都没能得到贯彻；这次大概是把上次没做得的东西都补上了。多 种风格交汇、多样乐器穿插，让每首歌的信息量都变得很大。虽然除了《運命共同体》，其他曲目的长度都在三、四分钟以内，感觉上却非常地丰富，同时层次又很 清晰。第三是在编排上更多地摆脱了流行音乐的固有程式，段落之间时有出人意料的展开，过渡得又十分平滑。不过这也导致了旋律上总体来说不及DA过往作品那 么catchy，新听众可能更有难以上手之感。
　　
　　标题曲《Freedom》气魄十足，但总让俺想起为《Inde》打头阵的《Develop the music》，曲调又与《Fly》类似，作为开场曲却没能带来更大惊喜确实遗憾。四首先发曲中本来俺最不满意的是《繋がりSUNSET》，但它被放在专辑 中盘，起到了情绪上的“拐点”作用，倒是相当出彩；《運命共同体》放在结尾也没话说，就是“驶向新的地平线”的感觉；《La Bamba》，我不反感这首歌，但非常反感把个cover song放进专辑，只是听下来也还“和谐”；倒是本来蛮中意的《Velvet Touch》，既不拉丁又不雷鬼，又没有DA招牌式的碎拍子，听mp3的时候觉得很突兀，不过等到放CD的时候加大音量……唉，かっこいい就是かっこい い，俺也不抱怨了。新曲目中特别喜欢《Ordinary》，《Big Town Rhapsody》，《Dear Mosh Pit》和《Bonita》。单拿出来都算“神曲”级别的。
　　
　　扣分的主要原因，我觉得恰好就在DA访谈中反复提到的“每月一回录音”上。Kj对此表现得非常满意，自认为是慢工出细活；但他似乎忘了，过去 他正是在面临乐队解散危机、作品被监制一再否定的情况下写出了《陽はまた》；在遭遇同业者围攻、急需重新证明自己的时候写出了《Harvest》；在感情 发生巨变的情况下写出了《Rio de Emocion》；甚至《Inde》中最为人称道的两首歌——《Fly》和《Beautiful》，也是在他被deadline逼得受不了的时候迸发出来 的。当然不仅对Kj，对于所有的天才艺术家都是如此：苦恼、压力、困境，才是杰作、神品诞生的土壤，幸福美满、悠游自在，那是上天对我等庸人的补偿 （笑）。
　　
　　回到《Freedom》。Kj在访问中说到因为时间充裕，所以把每首歌都做得非常的“Dragon Ash”，没有多去考虑平衡的问题。结果是连《Bonita》这样本可以轻松惬意的小品也要大吼上几句（虽然吼得非常有型），整张听过不能不感觉有些单 调。所有的都是“浓油赤酱”，反倒失却了特出的亮点。情感上欠缺了《Rio》的立体感深度感，听觉上也不及《Inde》的张弛有度；一路狂飚到尾，好容易 喘口气，因此《Outro》的反响特别的好（笑）。
　　
　　总之，如果你喜欢Loud Rock，喜欢Samba，喜欢Bossa Nova，喜欢Reggae、喜欢攻击性的Rap……那么我就向你推荐这张《Freedom》。
　　
　　再引用一位日本听众的话——“意外的是就在本作发行的当天，传出了民主党小泽代表的秘书遭到逮捕这个令人震惊的消息。那一瞬间仿佛是听到了日 本这个国家崩坏的声音，究竟该相信着什么才能好好活下去呢。在这样的时代，Dragon Ash，于我们共同度过的每一天，请为我继续高唱生命的赞歌吧。”
　　
　　最后赞一句这次的封面设计：呼应了《Harvest》的理念，又加倍的奇妙华美，拿它作桌面一天的心情都很爽。