Sankey的海洋咖啡馆

The Radio Dept :梦幻已远去，温暖渐回潮 - [地下三厘米]

(刊于《非音乐》第58期)

文：上尺工凡四六

时至今日，Labrador早已不是一个陌生的词汇。这个瑞典厂牌以其专事Indie Pop的清新风格而在众多唱片厂牌中脱颖而出，不过其成名还是更多的依赖于旗下所拥有的乐队的水准和名气，一个旗下拥有Acid House Kings、Club 8、Sambassadeur、Lasse Lindh等乐队的厂牌，即使不想成名也难。如果只是有个别乐队显得优秀倒也无妨，可是在如此强大的乐队阵容下，人们也难以不为其品味所吸引，进而记住这个有着独特口味和品味的厂牌名字。当然，这或许也和北欧的风土人情有一定的关系，不知道是不是因为寒冷的气候，如今的斯堪的纳维亚半岛似乎在清新温暖的小流行音乐的出产上颇有建树，且质量上也表现的十分不俗。以至于人们的印象中已经被植入了将小清新/独立流行和清冷的北欧挂钩的等式。而在原产地上占了地理优势的Labrador能够挖到这么多优质的乐队，在这样看来倒也并不显得十分的稀奇。

而当了解到了Labrador的与众不同之后，再回到当初这个厂牌将The Radio Dept.推向台前的时候，人们也就多少会放下怀疑的态度，而抱着更多的好奇和期待的心情去了解这支在刚开始时还显得多少有些陌生的瑞典乐队。不过事实上，The Radio Dept.的诞生时间要比他们印象中来的早的多。他们的诞生，从严格意义上来说，并不是乐队开始出唱片时的2002年，也不是乐队开始做音乐时的1998年，而是1995年。那时，作为校友的Elin Almered和Johan Duncanson两人呢将这个乐团的概念在脑海中构想了出来。当时乐队还并不叫做The Radio Dept.。最初乐队的名字是根据于瑞典Lund市一家加油站/收音机修理店起的。这家店的名字是Radioavdelningen(“The Radio Department” in Swedish)，这样一来，乐队的名字就有了着落。但是接下来的事情却有些出乎意料：在创建乐队不久后，乐队的两位创始人Elin Almered和Johan Duncanson就停止了两人的音乐合作。而其后的日子里，乐队的人员不停的在进行着变动，有些时候，甚至看上去乐队似乎根本就没有存在过一般。

待到The Radio Dept.重生之时，已经是三年之后的事情了。1998年，Johan Duncanson开始和Martin Larsson一起合作，在进行了许多演出和录音之后，两人决定将乐队名改为The Radio Dept.，那个在后来的日子里对人们来说更为熟悉的名字。其后，The Radio Dept.录制了四首曲子，而录制场地的分布也十分的广泛：乐队成员的家，朋友家的客厅，弥漫着难闻味道的仓库，学校，以及有着不断闪烁的日光灯的录音室，这些都成为了这支地下乐队的录音场地。在时聚时散，分分合合的日子中，乐队勉强度过了自己的又一个三年。2001年，乐队迎来了他们的第一个春天。这一年秋天，Lisa Carlberg和Per Blomgren分别作为贝斯和鼓手加入乐队，而其后Daniel Tjäder,的加入则使得乐队第一次得以实现了自己的完整阵容的集结。同时也是在这一年年末，乐队将自己的录音寄给了一家名叫Sonic的音乐杂志，得到了杂志积极的评价，并且将他们的录音放入杂志附赠的CD之中。2002年，乐队陆续在自己创立的厂牌Slottet下发行了几张EP单曲，其中就包括了《Against The Tide》。

在地方杂志的积极评价，以及自己录制的音乐作品的小获成功后，一些大厂牌开始对The Radio Dept.感兴趣了起来。而在拒绝了其中大多数厂牌的邀请后，他们最终与Labrador签约并成为旗下乐队。虽然乐队并不认为他们自己在理念和音乐上和Labrador以及Labrador下的其他乐队有什么联系，但是他们仍然对这个已经正式成为了乐队的“家”的厂牌保持着尊重的态度。乐队在那一年发行了自己签入Labrador后的第一张录音《Where Damage Isn't Already Done》EP。这张EP中，他们表现的要比之前获得成功的《Against The Tide》要更加出色。据他们自己说，这是“早期The Jesus and Mary和Saint Etienne之间的完美混合”。而Labrador也底气十足地将其评价为2002年“年度最佳瑞典流行乐队”，虽然听上去有些狂傲，但是The Radio Dept.还是有足够的底气来接受这些赞誉的。

2003年春天，The Radio Dept.发行了他们的第一张专辑《Lesser Matters》，虽然在专辑发布前，Per Blomgren离开了乐队，但是这似乎并没有过多的影响到他们的处女专辑的成功。无论是乐队还是唱片公司，两者都从这张专辑中得到了自己所想要的东西，对于两者来说，这都是一个巨大的成功。乐队的这张专辑在地下音乐范围内得到了国际性的成功，NME将其选入杂志的年度十佳专辑之一，而Labrador也凭借这张专辑第一次打入了瑞典的销售排行榜。在专辑中，The Radio Dept.带来了甜美而忧郁的Dream Pop旋律和歌词，梦幻的人声、吉他和噪声效果。虽然他们的旋律和歌词已经足够优美，但是必须承认如果没有那些噪音效果，The Radio Dept.的成功光环恐怕不会如此的闪亮。那些噪音虽说是噪音，但是在The Radio Dept.的音乐之中，却显得如此的和谐，以至于你并不会觉得它们是日常观念中的那种噪音。相反，这些噪音为他们的音乐更增添了几分迷幻效果。而这些元素更增添了这个乐队整体所散发出的Shoegaze气息。

在《Lesser Matters》获得了巨大的成功之后，人们的视线渐渐都开始聚焦在这个瑞典乐队身上。随之而来的则是那些其他地区的厂牌的代理发行。接下来的几年里，在Shelflife、XL等英美厂牌的代理发行下，《Lesser Matters》以及先前的《Where Damage Isn't Already Done》、《Why Won't You Talk About It?》、《Ewan》等EP得以出现在这两个主要的英语国家的唱片架上。毕竟在当初The Radio Dept.始终用英语演唱自己的歌曲，便是因为有着攻占更为广阔的英语地区的野心，如今他们的英语歌词总算得到了一定的收益。但是让The Radio Dept.获得更为广泛的认知的，还是2006年的电影《Marie Antoinette》。这部电影让人意外地启用了一些现代的摇滚和电子音乐作为其中的配乐。而其中就收录了The Radio Dept.的三首曲子，《Keen on Boys》、《I Don't Like It Like This》和《Pulling Our Weight》。而随着电影的播映，The Radio Dept.也随之从地下群体走向了更为广泛的大众群体——影迷，这一切都对他们名气的增长带来了不小的益处。

在接下来的两年里，The Radio Dept.又陆续发行了两张EP，《Pulling Our Weight》和《This Past Week》。两张EP同样也获得了不同程度的成功。只是在《This Past Week》发行后，Lisa Carlberg离开了乐队，这样一来再加上先前Per Blomgren的离开，则正式宣告了The Radio Dept.的乐队编制在鼓和贝斯上的缺席。不过这似乎并不影响乐队的继续前进，他们开始使用电子鼓来替代鼓的空缺，而对于贝斯，他们说乐队正在“走向一个新的方向，一个不需要演奏低音吉他成员的方向”。而在2006年他们所带来的第二张正式专辑《Pet Grief》中，人们也确实感觉到了一些新的变化。当然这些变化并不仅仅表现在和第一张专辑不同的电子鼓中。事实上，在此前较早的《Pulling Our Weight》和《This Past Week》，以及2006年的《The Worst Taste in Music》中，乐队就已经开始显露出这种变化的姿态了，只不过《Pet Grief》更像是一个集中的展示。在这次的作品中，当初作为他们音乐的标志特征之一的噪声却开始变得有些难寻踪迹，取而代之的是大量的合成器效果。他们在配器上变得更加的明亮清晰起来，不过当初那份阴郁和忧伤的梦幻气质却并没有消失。单纯的青春期忧郁已经过去，取而代之的是一个在温暖和阴暗氛围上更加深入The Radio Dept。《Pet Grief》和《Always A Relief》中直接明亮的忧郁，《Every Time》和《Sleeping in》的梦幻和温暖，《I Wanted You To Feel The Same》、《The Worst Taste In Music》的厚重而深沉的钢琴和弦以及《Gibraltar》、《It's Personal》和《South Side》的纯音乐氛围表达，都让这张专辑整体显得更为的大气而深刻。虽然诸多媒体杂志对他们这一次的表现的评价并没有上一次那么好，但是这并不影响乐队的事业继续保持着蒸蒸日上的态势。这张专辑仍然拿下了瑞典排行榜第11名的位置，而乐队的乐迷基础也进一步的扩大，并赢得了更多的世界范围内的支持者。

同年末，The Radio Dept.在网络上发行自己的单曲《We Made the Team》，这首曲子所包含的特别的纪念意义似乎更多于其所包含的音乐的意义，这是因为《We Made the Team》是乐队所属的厂牌Labrador所发行的第100张唱片。而在随后Labrador为纪念其发行100张专辑而推出的Labrador 100中，《We Made the Team》也作为最后一首曲子收录于其中。

2007年是The Radio Dept.沉寂的一年，在这一年中乐队并没有为人们带来任何的专辑和EP，这为乐队之后所要带来的作品带来了更多的神秘感。以至于有人说乐队可能在同时制作两张专辑，而这两张专辑将会同时在2007年的五月份发行。当然，这消息最终被证实是谣传。2008年发行的EP《Freddie and the Trojan Horse》打破了这些或有或无的猜测和谣传，这张EP并没有和The Radio Dept的.别的什么唱片一同发行。不过EP确实带来了一些新鲜的变化。专辑中，在同名单曲中可以听到些许的Post-Punk影响。而在其他曲子中也不乏如Krautrock、Ambient Noise和重复的Motorik节拍的这样一些全新的声响。这些变化或许会让一些喜欢The Radio Dept先前风格的人们感到有些不好接受，如今的The Radio Dept.和他们当初的曲风的差距已经变得越来越大，但是必须承认他们在风格变化上越走越远，而没有止步不前。而每一次变化都显得如此的富有创造力和魅力。这也使得我们更加的期待接下来的那张将于2009年末发行的专辑《Clinging to a Scheme》。

【视频】Sting - Fragile - [地下三厘米]

偶然从Jesse Cook的专辑里听到了这首曲子的翻唱。不过相比之下，还是更喜欢原作。

Airbourne《Runnin' Wild》：硬派摇滚的酷劲回归 - [地下三厘米]

艺人：Airbourne
专辑：《Runnin' Wild》(2008)
厂牌：Roadrunner
风格：Hard Rock/Heavy Metal
评级：★★★☆

专辑试听

　　如今谈论七八十年代的Hard Rock和Heavy Metal似乎显得有些不合时宜。虽然在二十多年前，Hard Rock式的Heavy Metal也曾经风行一时，陪伴一代金属迷们的成长并且为其留下了永久的美好记忆。但是时代巨轮的前进总是那么冷峻坚定，随着金属音乐向着越来越直接凶猛的方向发展，无论是Heavy Metal自身的变化，还是那些后来的金属乐种的诞生，都无一例外的在渐渐的将这Hard Rock味儿的老派Heavy Metal排挤出人们的视野。这种新旧的交替被普遍的看作是时代的进步，但是这进步的代价却是以牺牲了听这一类乐种的人们的喜好为代价的。当人们还在陶醉于那些老音乐的时候，他们却无法回避这个事实：除了那些如今已经成为老一辈音乐家了的Hard Rock工作者们仍然在战斗之外，似乎已经鲜有年轻人去玩这种音乐了。如此一来，Hard Rock陷入了后继无人的尴尬，仿佛其即将和曾经风行的Rockability一样，将永远的停留在那个历史点上，最后永久停产。

　　正是在这种境况下，发现Airbourne这个澳洲乐队，其所带来的惊讶感和兴奋感也来的异乎寻常的强烈。能够在21世纪看到这样一个顽固不化的以八十年代Hard Rock味儿的Heavy Metal为主要风格的新乐队，是一件十分不可思议的事情。这里或许要感谢乐队的核心成员Joel O'Keeffe和Ryan O'Keeffe两兄弟的舅舅，要不是他那张澳大利亚经典摇滚唱片的合辑，O'Keeffe两兄弟也不会为此迷上这些老音乐。当周围的人都在听着当下的音乐时，他们却沉迷在七八十年代的老摇滚中不可自拔。并且将这种爱好带进了自己的音乐事业之中。他们的第一张专辑，《Runnin' Wild》，一张属于新时代的老式摇滚风味唱片就是在这样的境况下诞生的。

　　在这张专辑中，你可以清晰地感受到这股扑面而来的老式气息。专辑中那富有Blues味儿的八十年代金属吉他Riff已经彻底的暴露了他们的复古情怀。在专辑中，能够感觉到老牌乐队AC/DC对他们的影响。已经有不少人指出两者之间的相似。对于一个澳大利亚乐队来说，对AC/DC的膜拜无可厚非，更何况Airbourne这样继承AC/DC衣钵的乐队，要拿来前人的风格作为参照的话，至少从地理位置上AC/DC无疑是最接近他们的。作为澳洲乐队，其受到澳洲摇滚的影响会更多一些，和欧美摇滚的差别自然也会很明显的体现出来，这也让Airbourne音乐的味儿更加接近AC/DC，并且有意识的对AC/DC进行模仿和参照。

　　Airbourne的音乐中表现出过多的与AC/DC的相似使得他们也被人们看做是一个跟风模仿的乐队，这也使得人们更倾向于去听AC/DC的老专辑而不是Airbourne的这张AC/DC风味的专辑，大多数人认为既然有优质的原版，何必去听后来者的模仿风味。但作为一个后来的乐队，终究是有一些得天独厚的条件使得他们的音乐能够在某些地方胜过经典的老一辈。在《Runnin' Wild》中，可以发现从专辑整体的速度出发，在Hard Rock专辑里，可以算是中上的水平了。由于时代的变化，比起过去来说当下音乐的速度与力量的提升不可避免，而这一点变化在这张Hard Rock的新专辑中也可以瞥见一丝踪迹。没有过慢的曲目，整体飞扬的激情十分符合当下年轻人的口味，在《Runnin' Wild》中你不会见到在其他欧美Hard Rock乐队的专辑中会出现的过于拖沓不够劲儿的曲目。即使和AC/DC比起来，Airbourne也会显得更加的凶猛一点儿，当然这又和他们的编曲有关系。毕竟做这音乐的乐手已经不是40-60年代的人了，无论理念还是激情，相对都会新鲜一些。

　　但要搞清楚，这仍旧只是一个第一次出专辑的一个新乐队，并且还是一个乐手全部是新生代人类的乐队。这让他们的音乐多少也会有一些不足。在领教过专辑中的那股子猛劲儿后，你还是无法否认，他们的整张专辑还是缺了点味儿，在内容上，似乎东西还是太少，咀嚼过后发现内容并不是非常的足。专辑整体过于的雷同使得其曲目之间似乎没有太大的区别，而吉他的Solo段缺乏想象力，过于单薄，以及层次上还不够丰满，旋律上的魅力和魄力也尚不够成熟，这些都是在听者听后感觉内容上不足的原因。然而，这些不足却影响不了他们在这个Hard Rock缺席的时代大受欢迎。就像Swing音乐的复兴一般，我们也希望能够看到Hard Rock的重新崛起，而在Airbourne身上，我们似乎看到了希望。正是这些希望，让我们期待他们的下一张专辑能够做得更好。其实比起好些老乐队而言，他们的第一步已经跨的不错，只是他们还需要更多时间来成长。在等待下一张专辑的过程中，我们已经有充分的自信，把当下的金属音乐束之高阁，让这个所谓的AC/DC接班人来唤醒我们的激情。

【视频】Airbourne - Runnin' Wild - [地下三厘米]

2004年诞生的新乐队，玩儿的是八十年代的Hard Rock/Heavy Metal，当然比起前辈来说更有冲劲儿。挺对胃口。

The Sea And Cake《Car Alarm》：梦幻已远去，温暖渐回潮 - [地下三厘米]

艺人：The Sea And Cake
专辑：《Car Alarm》(2008)
厂牌：Thrill Jockey
评级：★★★★

专辑试听

　　尽管在一定程度上，The Sea And Cake会因为乐队中的成员John McEntire在另一后摇团体Tortoise的团员身份而吸引一部分的眼球。但事实上无论是Tortoise的名气，还是John McEntire身上或多或少的Tortoise气息，都没有对The Sea And Cake的名声日隆以及自身音乐风格的形成产生过多的影响。因为在风格上，The Sea And Cake早已自成一派。Sam Prekop轻柔慵懒而又略带古怪色彩的人声已经使得The Sea And Cake和其他后摇团体相比显得十分的与众不同，而Indie Rock、Experimental、Jazz元素的掺入也使得The Sea And Cake的音乐听上去并不像是一支通常意义上的后摇乐队的风格。不需要感到太过奇怪，他们不过是又一个音乐融合大潮下的富有魅力的混合体罢了。

　　不过时至今日，当初的那个The Sea And Cake也变得有些让人无法辨认开来。当然这样说多少有些夸张，但是在20世纪末的那些日子、同时也是The Sea And Cake刚刚起步的那段时间里，乐队的音乐一直处在一种朦胧的氛围感之中。弱化的吉他音色，并不激烈的旋律，整体气氛上的轻柔舒适感，配合上Sam Prekop慵懒随意的吟唱，使得The Sea And Cake带有一种怪异的惬意和迷幻的质感。这点在他们的那五张发行于20世纪的唱片中已经体现的淋漓尽致。这个芝加哥乐队一直在努力试图不停的颠覆和更新自己。《The Biz》的爵士气息，《The Fawn》的电音趋向，《Oui》的小巧流行，说明他们一直走在探索的路子上。虽然一直在变化，但是他们有一点却始终没变，那就是始终贯穿音乐的轻柔，慵懒和舒适的气流，这一点使得他们在这一系列的前进过程中，始终保持着大众所认为的The Sea And Cake的特色，他们仍然是那个The Sea And Cake。

　　不过The Sea And Cake的这些特质在《Everybody》中却变得有些面目全非。严格来说，在《Everybody》中并没有太多天翻地覆的大动作，他们顶多只是添加了一些更加坚硬化的摇滚元素而已。对于其他乐队来说，这种程度的变化还算不上是惊天动地。可是当这种变化发生在The Sea And Cake身上时，这种让人意外的效果就在无形中被放大了，因为The Sea And Cake在某种程度上开始变得“难听”起来了。事实上，这种摇滚化在上一张专辑《One Bedroom》就已经有了苗头，先前的氤氲气息如今已逐渐的被愈加明细的吉他和鼓驱散。但是当《Everybody》真正将这种硬度进一步扩大之时，还是让人有些不太习惯，虽然在专辑之中，他们也只是在部分曲目中进行了这种改动而已。但是当Sam Prekop用他那平素一贯慵懒随意的声音和变得犹如混凝土般硬度的吉他声响冲撞的时候，这种不协调的感觉显得尤为突出。

　　当《Car Alarm》最初展现在人们眼前时，人们很难不将其与《Everybody》归为一类。这种相似感在《Car Alarm》的封面流露出的与《Everybody》相似的坚硬冷酷的质感时就已经十分明显。不管如何，这张专辑无疑又要让那些希望The Sea And Cake回到早期风格的人们的希望再一次落空了。在专辑中，先前已经成为既定事实的摇滚化风格还是无可避免的被保留了下来。但是相比之前的阴暗感，这次的封面的粉红底色，却带来了一丝温暖和俏皮的感觉，看上去The Sea And Cake又逐渐向明亮的方向回归了。事实也是如此，在专辑之中，虽然仍然有着如《Aerial》这般具有Indie Rock能量的曲子，但是总的来说，在《Everybody》中出现过的那些怪异混沌而略显躁动的音响在这次并没有出现。即使在《Car Alarm》和《New Schools》的吉他泥浆中，也只是在音色上会让人感到混浊，而旋律上，并没有产生多少怪异的感觉。这些变化就已经很好的解释了封面设计中所要表达出的音乐信号。在《On a Letter》、《Window Sills》和《The Staircase》中，虽然吉他仍然是偏向轻柔的处理效果，但那种更接近于摇滚风格的节奏速度和吉他旋律还是让他们多少褪去了一些先前的氤氲气氛和上一回的坚硬质感，变得更加的明亮直接。

　　《Car Alarm》带来的另一个变革的信号，来自于专辑中个别曲子的电气化编曲。这次的专辑，虽然曲目显示是12首，但是严格来说，其实只有其中十首算得上是正式曲目。而另外两首曲子《CMS Sequence》和《Mirrors》则更像是间奏曲。长度只有1分钟出头的纯音乐，没有吉他，没有人声，有的仅仅是电声。虽然Post Rock更多时候是以纯器乐展现，但是这两首无论从哪一点都不能称得上是Post Rock，这更应该被归为带点实验味道的小电子。虽然两首类似插曲的曲目对整体的方向或许并没有太多影响，但是当听到另一首正式曲目《Weekend》的编曲的时候，那跳跃的奇异小电子声响还是不免让人觉得The Sea And Cake在自己的音乐道路上又有了新的实验探索的方向。

　　The Sea And Cake的《Car Alarm》中，音乐仍旧保持着一贯的高水准，只是来回不断的改变或许会在将来使乐队的受众群体产生一定程度上的变化。大多数情况下，走出去就不可能再回头，这点对The Sea And Cake来说也是如此。对于那些希望在《Car Alarm》中看到过去影子的人们来说，这个想法再一次破灭了。那个朦胧的The Sea And Cake已经越走越远，更加具象化的The Sea And Cake已经到来。虽然《Everybody》狂躁的实验浪潮已经收尾，《Car Alarm》的清新淡雅和明亮重新将阳光的暖色铺陈在旋律音符之上，但是在这张粉红色的摇滚化专辑中，梦幻层次的淡化还是让一些喜欢The Sea And Cake的乐迷感到有些失望，不过这并不妨碍The Sea And Cake在自己的音乐探索路子上继续行走。因为在如今看来，The Sea And Cake仍旧是那个独一无二的、让人信赖和期待的The Sea And Cake。

【转】是酣畅淋漓还是用力过猛？ - [地下三厘米]

艺人：Dragon Ash
专辑：《Freedom》(2009)
厂牌：JVC
评级：★★★☆

专辑试听

　　文：照叶
　　原文链接：http://www.douban.com/review/1860839/

　　近一年来DA出版的三张单曲仅收录了五首新歌，质量……和包括俺在内的部分fans的期望有所差距。然而除了唯一一首几乎无可非议的“神曲” 《thought and action》以外，其余四首竟原封不动地全部被纳入新专辑。而且它又是拉丁风味，还缺少了DA一贯的好传统——“隐藏曲目”。所以在听到整张作品之前， 我想有不少core fans和我一样，先就抱有一丝失望的情绪。
　　
　　上周五从VZ上下载到专辑，听了三遍后就向HMV订购了。至今又听了N多遍，觉得还是可以给它打到4.5分。一来DA经过多年进化，吸收来自 不同音乐风格的营养，实力摆在那儿，尤其是在目前主流音乐无聊透顶的大背景下，俺家DA无论弄点儿什么也显得牛皮烘烘的（笑）。二来在乐曲制作上确实有进 步。《Independiente》发片时Kj抱怨说为了赶十周年的限期紧张得要命，很多想法都没能得到贯彻；这次大概是把上次没做得的东西都补上了。多 种风格交汇、多样乐器穿插，让每首歌的信息量都变得很大。虽然除了《運命共同体》，其他曲目的长度都在三、四分钟以内，感觉上却非常地丰富，同时层次又很 清晰。第三是在编排上更多地摆脱了流行音乐的固有程式，段落之间时有出人意料的展开，过渡得又十分平滑。不过这也导致了旋律上总体来说不及DA过往作品那 么catchy，新听众可能更有难以上手之感。
　　
　　标题曲《Freedom》气魄十足，但总让俺想起为《Inde》打头阵的《Develop the music》，曲调又与《Fly》类似，作为开场曲却没能带来更大惊喜确实遗憾。四首先发曲中本来俺最不满意的是《繋がりSUNSET》，但它被放在专辑 中盘，起到了情绪上的“拐点”作用，倒是相当出彩；《運命共同体》放在结尾也没话说，就是“驶向新的地平线”的感觉；《La Bamba》，我不反感这首歌，但非常反感把个cover song放进专辑，只是听下来也还“和谐”；倒是本来蛮中意的《Velvet Touch》，既不拉丁又不雷鬼，又没有DA招牌式的碎拍子，听mp3的时候觉得很突兀，不过等到放CD的时候加大音量……唉，かっこいい就是かっこい い，俺也不抱怨了。新曲目中特别喜欢《Ordinary》，《Big Town Rhapsody》，《Dear Mosh Pit》和《Bonita》。单拿出来都算“神曲”级别的。
　　
　　扣分的主要原因，我觉得恰好就在DA访谈中反复提到的“每月一回录音”上。Kj对此表现得非常满意，自认为是慢工出细活；但他似乎忘了，过去 他正是在面临乐队解散危机、作品被监制一再否定的情况下写出了《陽はまた》；在遭遇同业者围攻、急需重新证明自己的时候写出了《Harvest》；在感情 发生巨变的情况下写出了《Rio de Emocion》；甚至《Inde》中最为人称道的两首歌——《Fly》和《Beautiful》，也是在他被deadline逼得受不了的时候迸发出来 的。当然不仅对Kj，对于所有的天才艺术家都是如此：苦恼、压力、困境，才是杰作、神品诞生的土壤，幸福美满、悠游自在，那是上天对我等庸人的补偿 （笑）。
　　
　　回到《Freedom》。Kj在访问中说到因为时间充裕，所以把每首歌都做得非常的“Dragon Ash”，没有多去考虑平衡的问题。结果是连《Bonita》这样本可以轻松惬意的小品也要大吼上几句（虽然吼得非常有型），整张听过不能不感觉有些单 调。所有的都是“浓油赤酱”，反倒失却了特出的亮点。情感上欠缺了《Rio》的立体感深度感，听觉上也不及《Inde》的张弛有度；一路狂飚到尾，好容易 喘口气，因此《Outro》的反响特别的好（笑）。
　　
　　总之，如果你喜欢Loud Rock，喜欢Samba，喜欢Bossa Nova，喜欢Reggae、喜欢攻击性的Rap……那么我就向你推荐这张《Freedom》。
　　
　　再引用一位日本听众的话——“意外的是就在本作发行的当天，传出了民主党小泽代表的秘书遭到逮捕这个令人震惊的消息。那一瞬间仿佛是听到了日 本这个国家崩坏的声音，究竟该相信着什么才能好好活下去呢。在这样的时代，Dragon Ash，于我们共同度过的每一天，请为我继续高唱生命的赞歌吧。”
　　
　　最后赞一句这次的封面设计：呼应了《Harvest》的理念，又加倍的奇妙华美，拿它作桌面一天的心情都很爽。

自由的音乐变色龙 - [地下三厘米]

【刊于《非音乐》第57期，转载请注明作者及出处。】

文：上尺工凡四六

艺人：Dragon Ash
专辑：《Independiente》(2007)
厂牌：JVC
评级：★★★☆

专辑试听

　　对于Dragon Ash这个风格瞬息万变的乐队来说，几乎每张专辑换一个风格并不是什么新鲜事，这早已成为了和呼吸一般司空见惯的事情。这和其他虽然在改变但仍然固守着自己的音乐风格的乐队来说确实大不相同，如果说其他乐队即使在自身音乐上产生的变化也仅仅是在小处着手，而从未去改动自身的音乐风格的根基的话，那么Dragon Ash简直就可以被称之为是变色龙了，他们并不是那种死磕一种风格的Band。从最早的Grunge和Punk等摇滚风格，到后来的Rap、电子元素，再到现在的西班牙风味，这一系列的如流水般的变化着实让人惊讶，让人不由得感叹日本乐手的音乐所触及的领域之广。

　　先前Dragon Ash的《Harvest》将《Lily Of Da Valley》的阴暗风格摆脱掉并且将Rap，摇滚和电音元素以一种更加和谐的方式完美的融合在一起，可以说《Harvest》已经向大众展现了一个在那时可以说是最为成熟完善的Dragon Ash。人人都想当然的认为Dragon Ash的风格应当没有新的突破口了，实在无法想象他们还能从这种风格之中还能再次跳出来。自从他们在自己的音乐中锁定了Rap和摇滚这两个主要元素的时候，就已经注定他们在风格变化上的活动范围。说实话，能够达到《Harvest》这样的水准，实属不易。若非具备十足的创造力，是无法到达此种地步的，Dragon Ash在这些年的作品已经证明他们是一个及其富有创造性的乐队。只是这一次，估计他们的风格也应该不会再有大的变化了。不过事实却大相径庭，Dragon Ash的创造力仍然远远超出人们的想象。当他们在《Rio De Emocion》中突然转向西班牙风格时，着实让所有人大跌眼镜。当他们的支持者们还沉浸在那带着阳光气息的Mixture Rock杰作《Harvest》，《Rio De Emocion》的突然出现着实让人无法一下子适应过来。而Dragon Ash这次在《Independiente》所带来的变化之所以并没有让人产生太多的意外感，也正是因为在上一张专辑之中他们已经将自己的变化展现出来，在《Rio De Emocion》之中，这股西班牙激情的苗头就已经展现出来了。

　　但是这并不代表《Independiente》是另一张《Rio De Emocion》。准确的说，《Independiente》应该是在《Rio De Emocion》基础上的改进版，如果说《Rio De Emocion》是一个前期试验成果，那么《Independiente》就可以说是一个成熟的产品了。在《Rio De Emocion》之中，可以感受到那股西班牙风味加入后所带来的不同质感，但与其说这是一个融合音乐上的完成品，还不如说这是一个半成品来的更为恰当，当然这是在和《Independiente》比较之后所得出的结论。专辑中大多曲子的西班牙味儿都并不足够浓厚，显得过于单薄，在融合上做的并不够完美。在一些手法上仍然使用着先前的方式，而个别曲目仍然是走着先前的摇滚风格，这整体风格的混杂感不由得让人想起了他们的第三张专辑《Viva la Revolution》。但是这些问题在接下来的《Independiente》里明显得到了改善。原先的西班牙风味在这张专辑中变得更为的饱满，无论是西班牙味道的吉他旋律还是KJ的人声旋律段落都变得更加的纯正，而专辑的整体性也增强了不少，一扫先前的杂乱之感，使得专辑更具连续性。

　　专辑似乎是被有意分成了两个部分。第一部分由热浪的序曲《Independiente》所引领，在富有激情的Flamenco吉他的过场后，《Develop the music》就以一阵铺头盖脸的西班牙打击乐器开场，在长笛、电吉他等乐器以及DJ Bots的Scratch的合力演出下，一种带着西班牙味的融合曲风就这样为专辑开了场。但是曲目之中的日本旋律仍然可以明显的感受出来，毕竟这是建立在日本音乐上的仿西班牙作品。不过在接下来的《stir》等这四首作品中，原声吉他的加入以及Flamenco节拍和拍手声让音乐更加带有西班牙土地的气息。当KJ在西班牙吉他的簇拥和包围之中再一次唱出那句“Beat Goes On”时，Dragon Ash的清爽和西班牙音乐的厚重混合在一起的效果确实别有一番滋味。在《Ivory》的MV中，那充斥着拉丁风味的场景就十分富有趣味。

　　而接下来的两首曲子则带来了专辑中最为深沉和激情的时刻。《El Alma》中请来了武田真治来客串萨克斯的演奏，这使得本身就显得野性十足的音乐在萨克斯的狂野表现下更增添了几分激情。比起拉丁音乐中温文尔雅的小号，日本人似乎更喜欢用萨克斯来挥洒野性和激情。《Rainy》则可以说是专辑中最为优美的一笔，西班牙的忧郁和浪漫一向让人为止动容。事实上，如果在曲目中去掉电吉他而用Flamenco吉他取而代之，将日语歌词用西班牙语取代，那么最后得到的就是一首十足的西班牙歌曲。这也是这首歌曲之所以颇具魅力的原因，当然，《Rainy》也被选上成为了一支广告的音乐片段。间奏曲《Step Show》则带来了专辑的另一个部分。正如其曲名所要表达的，接下来的曲子的节奏明显的就放慢了不少，但主要还是在音乐整体气氛上一反之前的深沉感，有种被冲淡的感觉，显得轻松不少，旋律上也开始向日式风味回归《Samba`n'bass》虽然在曲子中拉丁风味仅仅是作为点缀，但无论在曲名上还是在音乐上都带来了拉丁音乐的那种轻松和愉快，且Dragon Ash一贯的旋律和电音化处理仍然是主菜。接下来的《Luz del sol》等曲子则似乎又回到了过去的摇滚时代，此时的拉丁影响已经被大大削弱。而最后Dragon Ash似乎也有意要宣告表演结束，在结尾曲《夢で逢えたら》的J-Rock慢歌旋律下，Dragon Ash的西班牙之旅终于告一段落，回到了日本音乐的怀抱之中。

　　应该说，Dragon Ash这次的表现比起之前要来的更加的优秀。融合上已经更进一步，在引进西班牙风味的同时，相对偏重于其中的那份土地的质感，但是仍然显得十分的富有激情。可能是因为自身摇滚乐团的风格和取向，他们并没有引进拉丁音乐的浪漫，而仅仅带来了西班牙Flamenco的粗犷。这也能够解释为什么在《El Alma》中他们借来了萨克斯而不是小号。但是这次的融合看来仍然并不会成为他们风格变化道路上的最后一站，因为专辑后半部的日本风格化说明他们仍然没有完全归顺于西班牙音乐。而这个蕴含着变数的结尾也让我们对这个乐队的下一张专辑的风貌再一次感到捉摸不透，人们总是无法猜到他们的下一步棋会怎么走。

Are You Ready To Rock？ - [地下三厘米]

艺人：Scorpions
专辑：《Humanity：Hour I》(2007)
厂牌：BMG
评级：★★★☆

专辑试听

　　时至今日，或许已经鲜有能够忆起那些老派Hard Rock和Heavy Metal的听者了，这或许和金属摇滚乐的发展有一定的关系。毕竟从当年的金属乐到如今的金属乐，如此长的一段时间里，经过了一定的演变之后，如今的金属摇滚在速度和力量上都要胜过以前的那些老摇滚，而旋律口味上也更加贴近当代青年人的口味。这自然是那些代表了那些老一代金属迷们的口味、但在现在多少有些不合时宜的Hard Rock/Heavy Metal音乐所不具备的。而另一方面，老派音乐并非完美无缺。在当年被奉若至宝的金属摇滚，其实有许多在旋律上并不是十分的优秀，水准的参差不齐使得其中的一些旋律在现在看来十分的平庸。虽然在那些老派音乐之中不乏一些优秀之作，但是从总体看来，平庸的作品也并不少。这点也同样影响了人们对老派音乐的看法。而如今，老炮们若想继续坚持下去，也就不得不正视这个大众口味变化的问题。

　　当然这个问题同样也困扰着Scorpions，这个在当年颇有影响力的德国金属老炮。虽然也曾有几张经典之作问世，但是更多的平庸专辑也同样证明他们的水准如潮汐一般，也是时涨时落的。而到了90年代，这种水准参差不齐的状况就更为严重了。这得归结于他们在那时一直试图加入新的变化的举动，当然最后这些试图对自身音乐进行变革的努力最终都被证明是并不成功的。因为人们并不需要那个变得越来越软、越来越流行、但是越来越没有金属味儿的Scorpions，人们需要的是那个富有力量的蝎子，而不是一只已经没有毒汁的软蝎。幸而，他们在2004年的《Unbreakable》中又找回了当年的状态，专辑中那金属力道质感的回归再一次证明了Scorpions是Unbreakable的。只是这张回归专辑，仍然无法达到过去的辉煌状态。直到三年之后，《Humanity：Hour I》的诞生，才真正宣告了Scorpions在21世纪水准的回复。

　　《Humanity：Hour I》作为Scorpions新时期的一张力作，并非因为这张专辑所顶着的概念大碟的称号所致。虽然概念大碟的确为这张专辑增添了一点有趣的成分，但是这些成分所起到的作用并不算大。这张专辑的成功，一半得归功于他们在上一张专辑中开始对金属质感的回归。在《Humanity：Hour I》中，你仍然可以感觉到《Unbreakable》所带有的那股金属吉他的硬度。当然和现在的那些金属摇滚乐队来说，蝎子并不算硬，不过对于蝎子这个流行金属乐队自身来说，这已经算是对自身先前硬度值的一种回升了，虽然没有八十年代那么凶猛，但是也算比90年代的一些专辑要好一些。至少在度过低迷的90年代后，这只德国金属蝎子的壳总算没有继续被流行给腐蚀软化。这也是人们在听到《Hour I》、《321》等曲子中的吉他轰鸣时感到颇为惊喜的原因之一。

　　金属硬度的回升是这次成功的一方面，而另一方面，则得归功于旋律的流行化。《Unbreakable》虽然被人们评价为一张回归的专辑，但是那仅仅是金属味儿的回归，而其他方面却仍然有些不尽人意，其中最主要的还是旋律。这使得《Unbreakable》虽然有了金属味儿，但是在旋律上却并不见得十分容易接受，有时反而觉得没有什么味道。而到了《Humanity：Hour I》时，Scorpions总算变得聪明了一些。在保持了先前《Unbreakable》的金属硬度的同时他们也变得更流行，更悦耳。更加流畅自然了。这也使得专辑变得更加入耳，但又不失Scorpions的一贯风范。同时，由于对旋律的重视，专辑中许多曲子变得更加悦耳。这金属与旋律的并重使得专辑留给人们的印象会更加深刻一些，而不会像《Unbreakable》那般，一张专辑听下来，能够记在脑子里的曲子旋律却没多少。而这次《We Were Born To Fly》、《321》、《Love Will Keep Us Alive》以及专辑中其他单曲的表现总算打破了先前的颓势。

　　《Humanity：Hour I》同时也宣告了Scorpions正式迈出了融入新时代的又一步。虽然很多人怀念的更多的是他们的老式风格，但是怀念归怀念，如果继续用这种风格来混，绝对是吃不开的。为此，在90年代，他们一直尝试着寻找一种方式来让自己的风格与当下的时代以及人们的口味相适应，只是他们似乎一直没有找对一个路子，无休止的实验并没有得到一种最适合他们的新风格，相反只是让他们在90年代留下了好些口碑并不怎么好的专辑。而在20世纪和21世纪的接壤的那一两年，他们也只是靠着吃老本来稍微混过去(《Moment of Glory》，《Acoustica》)，并没有真正意义上的新专辑诞生。而在《Unbreakable》带来了能够适应新时期的吉他风格后，如今《Humanity：Hour I》又找到了一种适应当下的旋律模式。你必须承认，《Humanity：Hour I》是目前为止他们最为优秀，同时也最为时髦的一张专辑。里面的旋律都已经变得十分的流行并且符合当下人群的口味，难以想象这是一个已经经历了30年风雨的老乐队能够做出来的。至于这到底是那些已经五六十岁的老成员们对流行趋势的敏感，还是因为两个在90年代和新世纪加入的略微年轻的团员的作用，就不得而知了。不过崔健也说过，“老头更有力量”。看着崔健越来越时髦的音乐走向，也就不难理解老Scorpions们的活力了。

　　如今金属音乐在速度和力量上不断追求极致，而像Scorpions这般沉稳而流行的金属乐队已经并不多见，也并不怎么符合重口味的人群的审美标准了。不过这并不妨碍人们被Scorpions的音乐的流行魅力继续吸引过来。在听了那么多新时代的金属摇滚后，难免会在某个时刻对这无休止的速度冲锋感到疲惫，而Scorpions的流行元素恰好就可以来调剂一下口味。同样的，相比如今的金属乐，Hard Rock和老派Heavy Metal这些属于旧时代的摇滚风格反而会显得更有味道一些。至少在这个老派摇滚难寻的时代，能够看到Scorpions摆脱了可能在现在看来不合时宜的风格，披上了新时代的旋律风格外衣，继续用自己的活力带来新的摇滚活力，终究会让人感到有些欣慰。正如他们在《321》中的歌词所述，“Baby Three、Two、One，Are You Ready To Rock？”

【视频】Van Halen - Jump (live Toronto - 1995) - [地下三厘米]

可惜声音似乎有点疲了还是老了。不过这曲子还真是经典。Hard Rock总是显得很有趣。

【视频】Oren Lavie - Her Morning Elegance - [地下三厘米]

感谢你很0，他很1，我很2。的分享，一个很有创意的MV。

【视频】Earl Scruggs & The Chieftains - Sally Goodin' - [地下三厘米]

【专辑】Dragon Ash - Crush the window - [地下三厘米]

【视频】Dragon Ash - Revolater - [地下三厘米]

一个日本人的英式花园 - [地下三厘米]

艺人：Suneohair(スネオヘアー/a.k.a渡边健二)
专辑：《Folk》(2004)
厂牌：Epic Records
评级：★★★

专辑试听

　　Suneohair对于中国土地上的人们来说，或许仍然显得有些陌生，虽然在2004年，他的全国巡演的观众已经超过了一万人次，人气也日渐增长。但 是真正让他红起来的，还是由于演唱动画《蜂蜜与四叶草》的几首插曲，并且自己的两首曲子，《Waltz》和《Split》，被作为结尾曲收录其中。这也成 为了他的人气的一起破冰。但是如今在中国，Suneohair似乎仍然是一个陌生的符号。

　　这家伙在中国红不起来的原因之一，就是他是 用日文唱歌。在编曲上，Suneohair十分的西化。若想想，同样的曲调让一个欧美歌手来唱的话，恐怕早就被那些对西方文化膜拜不已的中国小文艺青年们 捧上天了。很可惜，Suneohair生在了日本，这也使得身高168的他无法像那些白皮肤的欧美大个子那样抢占这块大中华市场，中国小青年们似乎普遍有 一种情节，就是欧美的东西哈到不行，但是同样优质的日本音乐却置若罔闻，这不能不说是一个遗憾，或许身为中国人的我们在认知上仍然存在十足的缺陷。

　　一些英式味儿，一些迷幻味儿，一些民谣味儿，一些流行味儿，将它们组合在一起时，得到的就是渡边健二，亦即化名Suneohair的日本歌手。和其他歌手不同，这个曾经被说成是和《多拉A梦》中的强夫发型非常相似的大叔，倒是和其他歌手不太一样。就出道时间而言，他就显得十分特殊，在30岁之际他才发表了自己的第一张作品，这和其他在青年时期就开始玩音乐的人有些不同。渡边健二在这方面更像是一个晚熟的艺术家。不过幸好，他还是选择了音乐，并借以这种形式将他的才华源源不断的输出给大众。

　　尽管他在刚出道时玩的是摇滚风格，但是却始终保持着一人乐队的名义，而没有组成一个多人形式的乐队。这或许是因为一个人能够更加体现自己的音乐意图吧，在多人形式下，总是得和其他人达成一致，而不能自己独断专行。在这种约束之下，Suneohair还是选择了一个人这种更加自由的形式。这倒可能从另一个侧面解释了为什么Suneohair的音乐有一种淡雅之气，整体显得比较轻，或者说是清淡也不为过。不会像其他摇滚乐队那样，在吉他等乐器声部上更加厚重一些。

　　但是Suneohair的音乐之轻，并不仅仅是因为一个人的缘故。和其他歌手不同，Suneohair似乎一开始就选择了摇滚作为基本风格，在音乐上，倒是和RADWIMPS有那么一些共通之处。在摇滚的基础上，适当的融合了J-Pop旋律，使得他们的音乐更加偏向主流。而Suneohair似乎也并非那种重口味之徒，正如北欧有独立小清新，在日本，也可以见到不少轻柔的音乐，Suneohair在这个日本乐坛之中，倒是颇有那么一丝清新气质。在大段大段的英式吉他之下，音乐也显得十分的柔美，朦胧。在吉他和贝斯声线部分的弱化之下，那些旋律似乎带着一丝潮湿的感觉，更加朦胧，同时也间接的将Suneohair的声线突出。

　　当然，Suneohair并不仅仅局限在英式风味之中，正如之前所说，他的音乐成分并没有那么简单。在第一张专辑之中，Suneohair仍然表现出了自己在音乐上的纷杂口味。这就好似Dragon Ash的喜好之繁杂一般。当然，在这张作为第三张专辑的《Folk》之中，Suneohair明显老练了不少。当初那种无序的繁杂如今已经渐渐归于统一。而音乐上也变得更加的优美，细节上做的更加的让人舒服。但是这种成熟并不代表Suneohair已经完全归于一种风格之下。《自我像》最后出现的键盘演绎的Blues段落、《The end of despair》中的电音成分以及《エコー》的奇异就说明了这一点。但是英式摇滚仍然是这张专辑的主线，这小小的顽皮插曲并不能说明什么。

　　只是和之前一样，Suneohair的轻声线在穿透力上仍然存在着一些缺憾，不过旋律上的优秀倒是能弥补这小小的不足。而在摇滚成分上的清淡也让人有些不够劲儿的感觉，使得人们更倾向于将Suneohair标记上J-Pop的标签，而不是摇滚的标签。旋律的流行化也在一定程度上造成了这个认知的倾向。音乐力道的不足也使得他的音乐仍然多少显得薄弱了一些，音乐性就这样弱化了下来，这不能不说是一个小小的缺憾。尽管已经进展到了第三张专辑，但是一些致命的弱点仍然存在。

【视频】The Scorpions - Hurricane 2000 & 2001 - [地下三厘米]