Sankey的海洋咖啡馆

艺人：川井宪次
专辑：《Ghost in the Shell 2: Innocence OST》(2004)
厂牌：Bandai
评级：★★★★★

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　　多年以来，人们对于传说中的攻壳机动队的音乐一直有一个误会。那就是认为攻壳的音乐都是由菅野洋子操刀，但事实并非如此。TV版，也就是Stand Alone Complex系列，的确是菅野洋子的杰作，但是两部剧场版作品，不但故事内容与TV版完全是平行状态，音乐制作上也与菅野洋子毫无关系，而是由另一位配乐大师川井宪次担此重任。

　　川井宪次这个名字对于国人来说会相对比较陌生一些，但是实力说明一切，看了他的作品清单后，也会很自然地对他产生一种信任感。诸如攻壳机动队、机动警察、红眼镜、阿瓦隆（AVALON）、逮捕令等影片的优秀配乐皆是川井所作。可以说，川井宪次之于押井守，就相当于久石让之于宫崎骏。

　　菅野洋子在Stand Alone Complex中，表现出了一幅潇洒动感的现代都市画面。但是在剧场版中，川井宪次却反其道而为之，营造出了一种摄人心魄的蹊跷和紧张的气氛。Stand Alone Complex音乐中的热闹感，在剧场版这里则完全不见踪影。取而代之的是充满了压抑感的静谧氛围之作。在上一部剧场版的OST中，川井宪次就是这么做的。如今这部OST依然延续了之前的一贯风格。这点在开场曲《DUNGEON》、《TYPE 2052 "HADALY"》和《煉獄》表现的即为突出。游离而漂浮不定的钟音和打击部分和压抑低沉的背景和声，电影中那种静谧的几近诡异竦人的气氛被很好的用音乐烘托了出来。而《ATTACK THE WAKABAYASHI》中动感的打击乐、低沉的贝斯、颇有压迫感的弦乐和时隐时现的氛围旋律使得曲子时静时动，将力道与氛围良好的结合在一起。

　　除去氛围之作，专辑中仍然有一些让人心动的奇妙作品。伴随着伊藤君子在《River of Crystals》中美妙的爵士女声，劳累的巴特从工作状态中解放，和搭档告别，回到自己的家中，和屋里唯一具有生气的活物，他的爱犬一起时那种只有在家中才能体现出的温馨和舒适的感觉又涌上心头，触动心中的某个柔软的部位。在《THE DOLL HOUSE》I和II中，电影中巴特和搭档进入那件屋子时的画面又重新浮现在脑海中，这两首有点像八音盒音乐的旋律表现的很古典，庄重，给人一种奇幻、瑰丽，有一点点邪恶的感觉。

　　不过专辑中最让人印象深刻的曲子，却是那三首傀儡谣。川井宪次长期从事对日本民乐的研究，因此他的曲风大多缓慢优美，带着浓重的东洋古典风情。在这三首曲子中，川井宪次很好的将日本传统曲风与现代元素结合在一起，制造出一种极尽震撼的效果。《傀儡謡 怨恨みて散る》这首曲子正是电影开场所播放的曲目。这首曲子如果仔细听来，是把上一部剧场版的三首歌谣的旋律融合于这一首曲子中。而且制造出的效果，就我个人而言，的确比之前第一部的歌谣的效果要更加完美，更加动听。当那些担当合唱的女子用传统的唱法唱出颇具民乐风骨的旋律时，那种震撼难以用语言表达。悲伤？愤怒？哀怨？不管如何，这首歌一下子就抓住了我的心，尽管它是如此的诡异。而开始时显得松散的打击部分到后来时节奏也变得快了起来，而力道也变得强劲许多。带着强烈的节奏感和民族风味的打击部分显得如此坚决，这也使得曲子后半部分显得非常的宏大壮观而气势磅礴。在接下来的《傀儡謡 新世に神集ひて》中，之前的傀儡謡的主旋律又再次被带出，只是比前曲增加了两分钟的时长，在结尾多出的这段时间里，打击乐默契而有规律的制造着一种神秘氛围，在最后20秒时，西田和枝社中的歌声再次出现，将歌曲又一次在磅礴的气势中结束。而在第三首也是最后一首《傀儡謡-陽炎は黄泉に待たむと》中，歌曲时间又一次惊人的扩展到了将近10分钟之长。在贝斯和打击乐的长时间紧张的氛围铺垫下，伴随着西田和枝社中不时出现的歌声以及中途偶然冒出的《THE DOLL HOUSE》主题旋律，这正是代表了最后的决战时刻，有些悲壮，有些宿命感。整张专辑在这首激动人心的曲子中达到了最高潮。而《遠神恵為》中，激越的打击部分已经退隐。回荡着有些悲伤的和声和咏唱，歌曲带来的感情又变得复杂了许多。带来的更多是疑惑和无奈。最后，专辑在伊藤君子在《Follow Me》那美好的女声中完美落幕。

　　作为电影的配套音乐，川井宪次很好的为这部优秀的电影做出了最好的效果。本身高水准的动画配上同样不逊色的音乐，两者良好的搭配融合，十分的默契。电影也因此显得更加魅力十足。这次的合作，使得川井宪次和押井守达到了各自事业的又一个新的高峰。

艺人：Various Artists
专辑：《Café del Mar Vol.14》(2007)
厂牌：Cafe del Mar
评级：★★★

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　　从94年的Vol.1做到了07年的Vol.14，传奇般的Café del Mar系列已经坚持了13个年头。这个Chill Out的开辟者一直以高品味和高格调占领着Chill Out系列的龙头老大地位。但是什么事情都不是一成不变的。如今，这种态势似乎开始有了一些变化。Café del Mar的霸主地位的根基似乎开始慢慢的摇晃起来了。

　　如果说如今Chill Out系列百花盛开，激烈的竞争已经让Café del Mar一枝独秀的优势不再这点是其中的一个因素的话，那也只是次要的因素。要知道，竞争的激烈并不是关键，只要有足够的实力的话，一样可以在万人之中崭露头角，鹤立鸡群。而真正动摇其地位的关键，正是Café del Mar自己的衰弱。

　　当初Café del Mar横空出世到站稳脚跟，制作人José Padilla绝对功不可没。在音乐的选曲上，José Padilla别具一格，涉猎甚广。除了作为脊梁骨的缓拍电音，有时还会有New Age，西班牙音乐，Jazz，古典等等其他风格杂糅在一起。这点在由其操刀的前六张Café del Mar系列合辑中可以很明显的看出。专辑显得非常有灵气，没有当下那种Chill Out的套路，专辑中的音乐口味显得很丰富。

　　2000年，正是Café del Mar开馆20周年的时刻。不知道是不是因为除旧迎新的缘故，这一年推出的Vol.7的封面上赫然印着Compiled By Bruno的字样。制作人的易人，这倒也不是什么让人非常惊讶的事。像这样的人员变换在音乐界已经是很寻常的一件事了。事实上，José Padilla早在97年就离开了Café del Mar，成为岛上另一家Cafe Mambo的首席驻场DJ。事实上，Bruno的到来才真正使得Café del Mar名气进一步提升。他使得Café del Mar抛弃了过去纷杂的风格，开始转向风格更加统一的电气化Chill Out，但是仍然不落俗套。在此之后，Café del Mar显得愈发的惊艳起来。

　　可是从Vol.12开始，制作人似乎又再度易人。Compiled By Bruno的字样也从此不再出现在新的Café del Mar的封面上。而风格上也有了很大的变化，曲风不再如以前那么惊艳，趋向于平淡。没有了让人眼前一亮的曲目，没有了让人魂牵梦绕的单曲。如今的Vol.14也正是秉承了Vol.12和Vol.13的风味。看看这张2CD，全部都是适合躺在椅子上舒适的享受日落的单曲。没有了往日的激情，没有了继续探索的力气，如今也只剩下懒懒的享受阳光的心气了。如今的Café del Mar似乎也只剩下了一个老朽的身躯，在精神上已经衰老。而且没有见到任何好转的迹象，制作人似乎要将这一改变继续坚持下去。正如一位Café del Mar的拥护者所说，自Vol.12和Vol.13开始，到了Vol.14的时候这种走下坡路的倾向越来越严重。Café del Mar曾经拥有的灵气，想象力，品味和激情，如今都已经消失殆尽。

　　但是公平点说，这张专辑仍然值得一听。尽管没有了过去的独特之处，但是仍然不失为一张优秀的消遣休闲之作。虽然Café del Mar显示出了衰弱的迹象，但是其品味和其实并未完全散失。和诸如Erotic Lounge之类油滑的电音选辑相比，Café del Mar仍然保持了自己一贯的高格调，仍然能够闻得到音乐中散发出的那股Ibiza的清风与海水的清新味道，显得异常的干净，没有被世俗的时髦与油滑污染。毕竟，瘦死的骆驼还是比马大。

　　在这个混沌的时代，我们仍然还能在Café del Mar中找到一片干净的天空。但是，不知道对业已日落西山的Café del Mar的这种依赖和信任，还能够坚持多久。

艺人：Various Artists
专辑：《弛放：春日之选》(2006)
厂牌：摩登天空
评级：★★★

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　　在这次鼓捣出Chill Out四季系列之前，归于摩登天空下的电音厂牌Guava也曾经出过3张挂着Chill Out名号的专辑，也许很多人会冲着摩登天空的名气和牌子就放心的把这几张专辑从唱片架给带回家了，但是看看这三张专辑，似乎也没有宣传文案所叙述的那么美妙，Sulumi那张音乐倒还算有点意思，但是这风格，似乎还是很难和封套上所标榜的Chill Out联系起来；DJ Mickey的那张是三张中最符合命题的，但是旋律却没有什么灵性，表现的很平庸；The Password的个别单曲还算值得一听，但是从整个专辑看来却是一个大杂烩，其中的一些单曲之古怪也让人质疑有勉强凑出一张专辑来骗钱之嫌疑。

　　事实上，早先就已有人发觉Guava其实是一个没有多少品味的厂牌。除了虎子、Sulumi等人的一些专辑以外，其他的专辑，尤其是一些合辑，特别的没有水准，虽然一味的想往国际化的路子上窜，但是也仅仅是做到了表面上的浮华，可是骨子里还是那股土鳖的气质，只不过有一个大而空的迷人外表罩在外面，一时迷了不少人的眼而已。

　　也许有人会说，过去并不能代表什么，现在或许已经和过去不一样了。而把过去的那些扯上来，与现在要评说的这张专辑没有什么关系。好吧，那我们不扯前仇，就开始说这张专辑。这次的《春》据说是四季系列压轴之作，前三张夏秋冬已经让人稍微眼前一亮，毕竟如此亮色的电音旋律的集中推出在国产电子音乐中还是比较少见的，而这回总算等到传说中的“压轴之作”了，的确让许多人翘首以待。

　　要说这个是国人发明的概念也罢，可Chill Out是国外传来的概念，再怎么着，随便的偷换概念自己乱编理由也得有个度。凭什么Chill Out到你这里就得按你的理解来瞎胡闹，那是不是以后俺们中国人喝咖啡都得跟喝酒一样，一口下肚，喝前还得说一句“干”？虽然这样自己感觉甚是良好，不过别人可是觉得十分傻冒。03年摩登就搞了一会《Chill Bands Out》，把一些乐队的慢歌选出来做成了一张合辑，听了一下，事实上也不过是“慢”而已，能够Chill的，似乎也没几首。如果说小鬼跌了一次跟头，好歹还会记着痛，下次就不会再犯错了，可是Guava在03年瞎搞了那么一次以后，这05年又卷土重来了。这张《春》中，很多曲子并不是按照Chill Out的套路来做。例如Me:Mo、Dead J和SUN dawei的Laptop音乐，虽然表现出的效果仍然是如此的晶莹，旋律仍然是非常的美妙，但是Guava实在不应该把Chill Out的名号套在这张专辑上，换个其他的名字也成，但不要随便的把这些音乐和Chill Out捆绑在一起。即使是最富有灵气最脱轨的Cafe Del Mar Vol.1也不会玩成这样。

　　虽然Me:Mo和Dead J的音乐质量不俗，但是个性和风格所趋，《warm usic》杂乱的IDM节拍和《ocean》左右变换的音符冲击委实难以让人Chill，反倒是越听越紧张，这种音乐是需要全神贯注地进行聆听，而不是躺在沙发上放松用的，在到底是给大脑做体操还是来Chill Out这个问题上似乎理解的不是很对头。SUN dawei的《河桥风暖》的确是一首颇有灵性的短小作品，但还是无法在其中找到让人Chill Down下来的理由。

　　DJ Kenneth Luo，The Password的成员之一，在之前的几张专辑中都有亮相过。对于The Password，个人觉得他们虽然有些新奇之处，但是音乐始终显得缺乏灵气，缺少出彩的地方。而作为成员之一的DJ Kenneth Luo也一样，有些作品尚好，有些就比较三流了。在《冬》中DJ Kenneth Luo玩了一出蹩脚的电音古典，把中国民族音乐整合的面目全非，而效果也是异常的糟糕。这回在《warm spring》中似乎仍然没有扭转之前的颓势，整首曲子仍然显得有些古怪，突兀的男声采样，刻意加入的鸟叫，不怎么吸引人的吉他拨弦，要说这是实验音乐我还信，说它是Chill Out，这就好像说五月天是摇滚乐队一样可笑。

　　而同为The Password一员的DJ黄浩在旋律天赋上则远逊色于DJ Kenneth Luo，如果说DJ Kenneth Luo还有一点意思的话，那么DJ黄浩则可以说是完全的蹩脚。不论在《冬》还是在《春》，他的旋律始终都乏善可亲，仅仅是靠合成器制造的飘荡的和声来制造一种虚假的冷度。事实上摩登天空早已有拖家带口的习惯，音乐的好坏不重要，只要是自家厂牌的人就先上，看看摩登出的那些合辑就可见一斑。这也正是为什么DJ黄浩能够一再出现在合辑之中的原因，不是因为实力，而是因为关系。

　　比起上面的两位，DJ翁嗡的表现会稍微好一些，《rain》中的一幅雨水画面还是偏近中式旋律的感觉，但是节奏上仍然太紧张，低音部分压迫感过大，对耳膜伤害不说，更别提Chill Out了。而中间突然出现的那薄弱的电音旋律仍然感觉这首曲子还是做的不够到位。而《after raining》的表现会稍好一些，少了紧张和压迫感，歌曲更加的温和，勉强说来，倒是全碟中最接近Chill Out概念的单曲。虽然和声上还是做的不够丰满。

　　格菲的电音功力仍然还不足以在电音界打出一片自己的地盘，《sing-a-song》仅仅作为歌曲的话的确还好，但是在电音的细节上，仍然和国际水平相距甚远。薄弱的音色和技术仍然无法带来更强大的电音冷空气，仍然不足以让听者Chill Out下来。

　　摩登天空对Chill Out的定位似乎总是很不明确，概念的理解似乎也不是很到位。到目前为止，国内也就A4乐队的主脑Skyee以个人名义发行的《日升》最能称得上是Chill Out了，虽然距离国际水平还是很有距离，但在国内仍然足以鹤立鸡群。对于摩登天空来说，这次的四季系列仍然存在不少问题，差距也看到了。现在，我们也只能继续等待下一系列的Chill Out合辑的诞生。

艺人：Various Artists
专辑：《Cafe del Mar Vol.1》(1994)
厂牌：React
评级：★★★☆

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　　如果随便问一个电音迷，世界上目前最有知名度的Chillout系列品牌是什么，对方肯定会告诉你三个字：Cafe Del Mar。
　　
　　如今，Cafe Del Mar这个名字对于爱好旅游的人来说，想必不会陌生。这个坐落在西班牙所属的地中海小岛Ibiza上的海洋咖啡馆(Cafe Del Mar即为海洋咖啡馆之意)自1980年刚建成时，以其独具特色的装潢建筑与令人神往的日落很快吸引了不少游客前往，而伴随着美景而应运而生的音乐氛围同 样也成为了其标志之一。当日落时分，伴随着舒适的音乐欣赏着美妙风景，同样也是人生一大幸事。当Ibiza逐渐成为Rave圣地时，Cafe Del Mar却恰好成为了人们遭受舞曲轰炸后的首选休憩之地。当Paul Oakenfold、Sasha 、Danny Rampling等英国DJ到访过Ibiza后，更更纷纷把Cafe Del Mar的概念带回英国的Club和Event。慢慢Chill Out成了Club和Event的一个放松的空间。而Chill Out也因此成了一种新的音乐形式的代名词。可以说，正是Cafe Del Mar开创了Chill Out的概念。
　　
　　可以说，在当下的所有Chill Out系列合辑中，唯有Cafe Del Mar系列最具有一种大自然的纯净气息，或许是因为海岛的纯净气息，沾染城市的油滑和时髦气息最少。而这也正好使得Cafe Del Mar更有一种纯净自然的独特质感，更有独创性，更有灵气，这些同时也是Cafe Del Mar如今口碑极佳的原因之一。作为Cafe Del Mar系列的第一张合辑，Vol.1似乎还没有被后期的那种平滑惬意的风格所影响，而这也是Jose Padilla着手操办的第一张Cafe Del Mar合辑，这样看来，这张专辑的确被赋予了很多“第一次”的意义。
　　
　　相比之后的合辑来说，海洋咖啡馆系列的头几张合辑显得更加的富有独创性，或许是还没有一个已经可以借鉴的模式，还没有像后期那样的模式化和套路化。但正是因为这样，这张专辑反而显得更加的灵动、独特。就像一颗颗奇异的珍珠。应当说Vol.1更像是一张有想法的电音专辑，而不仅仅是简单的 Chillout专辑。
　　
　　《Aqua》中充满了东方的神秘元素，Jose Padilla的作品一向都比较有意思，常常会糅合很多有意思的细节与作品之中。而接下来氛围大师William Orbit在《The Story Of Light》中则将异域元素与Ambient结合的更加的自然流畅，跳动的旋律有一种奇妙的质感，民族音乐被很好的融合到电音中，成为了Chillout 的佐料。不同于下一张专辑中收录的那首《Haunted Dancehall》的阴霾恐怖，Sabres of Paradise在《Smokebelch II》中仍然只是把Ibiza的美妙阳光和云朵用电音的画笔描绘在作为歌曲形式的画布上。而《Music for a found harmonlum》中，曾经在单曲《Perpetuum Mobile》中出现的钢琴旋律被抽离出来，做了一点重新的编排，并用改用手风琴来演奏出来，反而有了一种东欧的浓郁文化氛围。在Chillout音乐 中，迷人的键盘和弦经常被拿来制造曲子的惬意感，而《Sundance》也不例外，有着异域风情的人声，标准而惬意的“Chillout式”键盘旋律，别 有一番风味。《Fanfare of life》继承了上一曲的风味，但是节奏上明显的慢了下来，不停重复的女声一直回荡在耳边，有了一种飘渺和遥远的感觉。《The hypnotist》是专辑中最有城市气息的单曲，迷人的爵士电钢琴，一个男人仅仅在不停的说话，让人开始想念起城市的寂寞与浮华。《Second Hand》仍然秉承了Underworld的一贯风格，一个片段不停的循环，循环，当你听久了这单调的音乐后，反而会热爱上这种极简的感觉，生命也变得单 纯了，不过这首曲子比起他们的其他作品，倒是加入了一些有趣的旋律，毕竟这是Cafe Del Mar而不是Logic Trance 2，终究还是的照顾一下听众的情绪的。《Crazy Ivan》中有着中东音乐的味道，在简单的旋律中，一种神秘的犹如宗教般或者是末世情绪般的感觉在脑海中油然而生。而《Estelle》中风格又从阴郁神 秘回到了简单阳光的岛屿生活中，一种法国的惬意小情调油然而生，女声旋律的加入并没有将其给歌曲化，而仅仅是让这首曲子平添了更多趣味而已。不过到了 《On the rocks》这里似乎又落入了对东方的神秘主义的膜拜情绪中，悠远的合成器声响和极具民族韵味的打击节奏让人又陶醉在对遥远神秘的地域的联想中。 《Sunset at the cafe del mar》是一首安静平缓的作品，松散即兴的旋律让人彻底的放松下来，享受绝美的日落。
　　
　　1994年，当英国电子音乐厂牌React正式发行了以Cafe Del Mar音乐为主题的第一张CD，也就是如今所看到的这张Cafe Der Mar Vol.1后，这张Cafe Del Mar选辑的开山之作获得了巨大成功，公司随即顺势在之后两年推出了第二、第三辑。同样获得了巨大的商业成绩。就这样，如今久负盛名的Cafe Der Mar不但是Ibiza的代表和美丽日落的代名词外，也成为了一种音乐的代名词。作为Chillout的拳头系列产品，Cafe Der Mar一直以其优秀的品味征服那些来过或者没有来过Cafe Del Mar的音乐爱好者们。

艺人：Various Artists
专辑：《Love Story: Kazumasa Oda Songbook》(2003)
厂牌：Jvc
评级：★★★

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　　对于翻唱专辑，个人向来是持肯定态度的。一般来说，翻唱专辑作为对同一首歌曲的另一种诠释，在大多数情况下都能够带来更多的新意和惊喜。既然要出翻唱，自然得做的比原唱更出彩，不然的话，挑战经典失败，至少也会很没面子吧。
　　
　　小田和正的音乐之经典性，是任何人都难以否认的。对于一个60岁仍然能登上日本Oricon公信榜冠军的人来说，也只有自身耀眼的音乐才 华能够让他获得此殊荣。而翻唱他的曲子，的确有一些挑战性。在1969年，时年22岁的小田和正创立Off Course乐团后，其乐团一直是70和80年代日本最重要的乐团之一。而在89年乐团解散后，小田和正又以歌手的身份继续驰骋在日本乐坛中，仍然不断有 脍炙人口的佳作问世。
　　
　　在02年发行的精选集《自己BEST》登上了Oricon冠军并让小田和正获得Oricon史上年纪最大的冠军殊荣后，次年，并非小田和正东 家(小田和正所在的公司是BMG)的JVC公司趁势推出了这张翻唱专辑《Love Story: Kazumasa Oda Songbook》，专辑正是以小田和正91年的大热单曲，日剧《东京爱情故事》的主题曲《突如其來的愛情故事》来命名的。而正如专辑名的后半部分 “Kazumasa Oda Songbook”所表达的，里面的曲子全部是小田和正的经典歌曲。在编曲上基本沿袭了原曲的风范，风格上仍然贴近小田和正的日式编曲，没有做太大的改 动。不过这次的翻唱阵容倒是和常规做法有些不同，没有一个日本歌手，这次请来的全部是欧美歌手，里面的歌名和歌词也顺带着全部被英文化。不惜跨海请人助阵 来做出一张全英文翻唱专辑，看来制作人的确想做出一些不同的效果出来。
　　
　　和《自己BEST》一样，这张专辑中歌曲《KIRA KIRA》也被安排第一个出场。如果没听过原曲的话，或许对Mickey Thomas的表现感到满意，但是对于听过原曲的人来说，Mickey Thomas的声音的穿透力明显弱于小田和正，在接下来的《SUSAN》也仍然缺少突破。Christopher Cross的声线很接近小田和正，听起来有一些亲切感，不过他的《SAYONARA》更像是欧美小生的流行小调，在感情上不够真挚，没有很好的 表现出原曲的神韵。而《YES-NO》终于带来了一点新意，去掉了忧郁唯美的元素，Jason Scheff将暗恋的主题表现的更加的欢畅美好。David Lasley的声音很温柔，有一点沙哑，《WOH WOH》简单朴实的质感被他的声音加上一把木吉他给很好的表现了出来。不知道为什么，《LOVE STORY》竟然用了一个很嗓音浑厚的歌手来唱，或许是因为往常欧美经典歌曲都是由一些嗓音很浑厚的人来唱，更有韵味吧。这首曲子经典是经典，但又不 是什么深情歌曲。如此欢快有劲的曲子，被这样一唱，多少感觉有些怪异，何况和小田和正的感觉相去甚远。《MY HOME TOWN》中原曲的韵味仍然没有被表现出来，歌手的油滑唱法把这首经典曲子进一步的平庸化。《MELODY》和《ENDLESS NIGHTS》中Randy Goodrum的表现平平，少了打动人心的深层次的东西，歌曲也只剩下旋律了。《MERRY X’MAS》的爵士歌曲化还是有点新意的，只是Bobby Caldwell的表现同样还是缺少了点什么，不够味。 最后的《TIME WILL TELL》则是以无伴奏合唱的形式表现，倒是有了些创意，作为结尾曲的确挺适合。
　　
　　如果没有听过原曲的话，或许还是会倾心于这张专辑，但是听过原曲的话可能会对这张专辑感到不是很满意。旋律好听是好听，但是好听的曲子搁谁那 里唱都好听，只要唱得不是太糟。小田和正的温柔清澈的声音是他的经典标志，唱功也是数一数二。如果多在编曲上下工夫，多样性一些，改编的有意思的话倒还有 的一拼，但是编曲如此的相似，那么也只能靠唱功和一些改编上的小细节来比拼了。而在翻唱的那些人中，可圈可点的优秀作品并不是很多，大多数歌曲的表现效果 仍然不是很让人满意，有时反而破坏了原曲的魅力。经典是不可贸然去挑战的，这次的制作看来的确还不是很尽心。这张表现普通的翻唱专辑，究其唯一的意义，也 只是又一次证明了经典的不可替代性。

艺人：Boney James
专辑：《Pure》(2004)
厂牌：Wea
评级：★★★

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　　在听Smooth Jazz的那段时间里，确实对Boney James这个名字感到异常的陌生，后来也才知道原来这位也是玩Smooth Jazz的。于是乎就来补习一下这位大师的作品。
　　
　　当下的Smooth Jazz，除了个别比较独特的人物以外，其他大牌小牌多多少少都和R&B音乐有着千丝万缕的联系，受其影响不小。不过既然都已经是这个风气了，那 这里也就暂不去讨论乐坛什么时候能多几个Pat Metheny或者Chris Botti这样的异类的话题了。但虽然都是那个套路，能不能玩出彩，玩出花样，那又是另一回事了。这又得看音乐家的功力和天赋了。
　　
　　事实上，Boney James的音乐中带着一些传统爵士的风味，而在将流行爵士和传统爵士结合上，做的又不是很到位。这样既没有一点传统爵士的奇妙之处，又不能将 Smooth Jazz给Smooth到底，而在旋律上，又相对欠缺了一些。比起那些Smooth Jazz大牌，只能说Boney James的音乐很平稳，出彩的地方太少，如果当作是酒吧或者电视剧的BGM还算是不错，但是作为Album来单独聆听的话，总是觉得太过平凡，不够味， 不够潇洒。一张专辑听下来，算是悦耳，但就是无法让人记住其中的任何一首曲子。缺少一首有着精彩旋律的单曲。比起Paul Hardcastle，他不够Smooth；比起Ronny Jordan，他缺少态度；比起Brian Culbertson，他不够流行；比起Chuck Loeb和Peter White，他缺少浪漫。比起这些人，他又缺少潇洒。
　　
　　总的来说，他的曲子还算是Smooth，不过在Smooth Jazz界也只能够跻身二流的地位了。

艺人：Dragon Ash
专辑：《Harvest》(2003)
厂牌：Mob Squad
评级：★★★★☆

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　　自Dragon Ash在2001年发行专辑《Lily of Da Valley》开始进一步Hip-Hop化并确立了其Mixture Rock霸主地位以后，他们的下一步会怎么走，到时候又将以什么新面貌出现，一直是人们关心的话题。在2002年发行的单曲《Life goes on》和《Fantasista》中，看到的似乎仍然是那个《Lily of Da Valley》中的Dragon Ash，仍然无法看出什么大的风格变化。不过在旋律基调上，Dragon Ash仍然强劲但已经不会像之前那么阴暗了。这点在基调以欢快为主的单曲碟《Life Goes On》中可见一斑。不过从这两张单曲中风格各异的曲子中，仍然无法看出Dragon Ash的方向。
　　
　　时间转到2003年，Dragon Ash在加入了又一个吉他手和两名舞者后，阵容扩充到了7人。在摇滚乐队中，也算得上是比较少见的人员编制了，由于新吉他手的加入，乐队无疑又注入一股新 鲜活力。接下来，在这一年的7月，已经成为7人团体的Dragon Ash终于正式推出他们的第四张专辑《Harvest》。在带着明亮色调的封面设计和专辑的名字中，已然昭显出一种与上一张专辑截然不同的气息。专辑中的 曲目大多是洋溢着欢乐和愉悦的旋律。让人惊异Dragon Ash这次的心情变化之快。事实上，在同年3月时，Dragon Ash和Mob Squad旗下另外两只乐队Mach 25和Source共同推出的合辑《Mob Squad》中，就可以看出一些端倪。Dragon Ash在专辑中献上的三首曲目中，仍然保持了2002年开始展露出的那股喜悦和欢快的精神，而其中两首就被收录到《Harvest》中。这种欢乐的精神在 《Harvest》中又被继续发扬广大。而且，这次的曲调带来的是完完全全的幸福感。他们的歌词也和音乐一样，洋溢着摇滚音乐少有的健康愉快的情绪。这种 简单和纯粹的欢乐，就目前我所见过的专辑来说，屈指可数。
　　
　　在这张专辑中，电音成分在专辑中所占的比例得到了一定的提升。这张专辑中新增加了4首插入曲，除去《Day 6》中的Hardcore冲锋，其余3首都是无歌词的纯粹氛围之作，电气化的痕迹很重。其他的正式曲目中也加入了不少电音效果。在《House Of Velocity》中，吉他的声响一反常态的被弱化，融合在音乐中，成为制造迷幻氛围的景色之一，几乎主唱的每句唱段都加上了经过处理的回音效果，而吉他 音也经过适当的处理而被拖长，以及DJ Bots的Turntable添加的电气元素，这些制造出的音效使声音仿若在光怪陆离的空气中回荡，加上闪烁的吉他旋律和恍惚的Bassline的配合， 制造出一种飘渺迷幻的不真实感，就好像要飘起来了一样。这种效果在接下来的《Posse In Noise》、《United Rhythm》和《Massy Evolution》中同样有所体现。上一张专辑中他们在《Revolater》中玩起了IDM节拍。而这回在《Massy Evolution》中他们又和Drum & Bass节奏扛上了，不过这次的节奏声响做的没有先前那么明显和吵闹，所以开始的时候可能不会注意到这个细节。《Canvas》中同样被处理过而显得跳脱 的吉他旋律也为这首曲子增加了不少梦幻的成分。
　　
　　在上一张专辑《Lily of Da Valley》中，Kj虽然已经开始向旋律说唱的方向转变，但也仅仅表现在诸如《静かな日々の阶段を》这样的慢节拍歌曲中，而专辑中大部分爆裂的曲子中， 虽然Kj已经开始尝试将旋律与Rap结合，但是其唱法仍然带着严重的Hip-Hop烟熏火燎的痕迹。而在《Harvest》中，Kj的唱法更加娴熟自如， 旋律说唱的比例进一步提高，专辑中绝大多数歌曲已经真正做到了“说”“唱”合一，而不是先前依附在“说”上的“唱”。而专辑整体也少了先前的少年心气，除 了《Posse In Noise》中吉他的一路狂啸，在其他曲子中，吉他变得柔和温暖很多，而不会像以前那样狂躁不安。
　　
　　02年发行的单曲，被选作为那一年韩日世界杯主题曲的《Fantasista》也被收入在专辑中。但是《Life Goes On》就没有这么好运，这首大受欢迎的单曲因为被怀疑是抄袭而没有被收录到专辑中。另外专辑意外的加进了一首之前发表在《Mob Squad》中的同名曲的Remix版。相比摇滚和另类味道更加浓重的原版，这次的Remix中吉他的声部被完全剔除，一个让人透不过气的Bass部引领 全曲，不时穿插出的变形人声也加重了这首曲子的阴暗感，BPM也比原曲高了一些。虽然没有了吉他，但是反而做的更加的阴沉，更有一种酷劲和冲击力。但是接 下来的《Episode 4》让人无法抗拒的愉快旋律又将之前的阴暗情绪一扫而空，友情助阵的两个MC也为歌曲平添了一些趣味，结尾时Kj反复地唱着“在阳光中飞舞，Big Up The Rhyme Nation”，欢愉的气氛让人不舍，和《United Rhythm》称得上是专辑中最阳光的两首曲子。
　　
　　Dragon Ash专辑中的慢歌一向不多，《Morrow》是一首感性之作，温情的旋律和感性的歌词，让人突然就会想到爱人、朋友、亲人，身边的一切人与物，如此平凡 熟悉，在此时突然发现原来是那么的美好，突然的就有一种奇妙的感觉涌上心头。《Landscape》则用吉他和日式电声旋律把人包裹在巨大的温暖中，仿若 要把人融化在这奇异的风景中。《Harvest》是一个完美的收尾，Dragon Ash从未像现在那么安然祥和过，Kj的声音此时也非常的柔和，在诗意的歌词和旋律中，他们迎接并享受着这收获的喜悦。
　　
　　2003年的这张《Harvest》中，Dragon Ash完成了又一次脱胎换骨。这是迄今为止Dragon Ash最成熟的一次。少了之前的狂暴，《Harvest》中更加温和愉悦的旋律和进一步的电气化让他们显得更加的成熟大气，同时也使他们又一次站在了变革 的前沿。能够不断提供依靠杰出的创造力来超越自我，Dragon Ash的确是日本摇滚音乐的一个异数。

艺人：LOVE(大塚愛)
专辑：《LOVEのテーマ》(2007)
厂牌：LOCOMUSIC
评级：★★★☆

单曲试听

　　在大塚爱还在以自己的名义发行了新单曲【CHU-LIP】后不到一个月，就以其于自創的兔子角色LOVE的名义发行了第一张单曲【LOVEのテーマ】。其中的同名曲则是改编自SEGA热卖游戏的剧场电影动画「オシャレ魔女 ラブandベリー しあわせのまほう」的主题曲。
　　
　　从封面上看，也可以猜到又是一首植根于可爱曲风的歌曲了。如果把这首曲子中大塚爱所唱的旋律拿来和后来发行的专辑【Love Piece】中的开头曲【未来タクシー】一比较就知道，歌曲的旋律并没有多少大的变化，仍然是典型的“爱”式旋律，到底还是大塚爱操刀的歌曲。可能有人会 觉得大塚爱的旋律已经使人有些审美疲劳，不过个人倒是觉得还好。至少对于这个日本流行乐坛来说，她的曲调仍然有着相当的新鲜感。是否一直重复自己并不重 要，只要旋律好，即使是缺少新意，但也不见得就没有市场。
　　
　　这首曲子之所以如此动听，一方面来说，是本身讨人喜欢的出色旋律。而另外一个不可忽视的因素就是编曲。如果这首单曲仍然以大塚爱平时惯常的单 曲风格发行，那么以LOVE为名义发行单曲就有些画蛇添足了，而且那种模式的曲子已经让人开始萌生厌烦之感。如果说出色的话，也是因为胜在编曲上。和大塚 爱自己的那些单曲不同，【LOVEのテーマ】是一首偏重电气化的流行单曲，在这首单曲中，听不到平时惯用的吉他音调，取而代之的是电子合成器所制造的电声 旋律，而大塚爱的人声亦经过加工处理而更有一种未来感。更加强了歌曲的可爱质感。
　　
　　其实这首旋律，如果严格来说，也只是一首听着稍微有点意思多听则甜腻的流行歌曲罢了。也许在技术上并没有什么特别的地方，不过对于流行音乐来说，好的旋律总是大众喜闻乐见的。
　　
　　顺便说一句，MV也拍的不错，挺可爱的。

艺人：大塚愛
专辑：《Love Cook》(2005)
厂牌：Avex
评级：★★★

专辑试听

　　在作为新人的大塚爱在头两张专辑《Love Punch》和《Love Jam》中表现出的劲爽可爱的曲风无疑是吹向油滑平淡有如死水的主流J-Pop乐坛的一股清风。如今获得了良好的商业成绩的大塚爱已然成为Avex唱片的一颗新星。
　　
　　2005年，大塚爱又推出了她的“Love系列”的第三张专辑，《Love Cook》。这张专辑中更加平实的曲风确实让人有一些意外。那些让人蹦蹦跳跳的欢快旋律如今都变成了安静下来的小女生的流行小调。可以说，失去了些许以往 活泼的少女冲劲的大塚爱看起来似乎变得更加成熟了。虽然嗲嗲的小女生气息仍然不减。不过咋听下来，跳动性的劲歌比例相比前两张专辑下降了不少。专辑整体偏 重于抒情的慢歌调调。而劲歌似乎也没有之前那么重的可爱之气。感觉稍微收敛了一些。这也是这张专辑让人感觉成熟的原因之一。但是我仍然觉得这张专辑是她最 没有味道的一张作品。
　　
　　一般来说，专辑的开篇应该是能够让人进入状态的曲子，可是这次却和前两张专辑开头放置劲歌的惯例不同，一开始出现的就是《5：09a.m.》 和《羽ありたまご》两首慢歌，而在旋律上就已经有些让人感到很平庸而无法激起对专辑的进一步兴趣。而接下来的《ビー玉》尽管稍微在速度节奏上提升了一点， 但是仍然没有改变多少，表现仍然平平。而《SMILY》总算让人感觉她又回到了那个蹦蹦跳跳的女生形象。一如以前的活泼曲风。而《U-ボート》和《ラーメ ン3分クッキング》则又是那种可爱+古灵精怪的曲风，这类曲子放在《Love Punch》和《Love Jam》的话倒是感觉还好但是这回表现的中规中矩，并没有能改变专辑的整体气氛，大概是因为和专辑的总体风格格格不入而显得有些突兀怪异。而《ネコに風 船》是专辑中最主流J-Pop化的歌曲，虽然有原声吉他助阵但是仍然没有让这首曲子变得清淡多少。到了《Cherish》这里似乎有了一些起色，但是听者 对这类旋律已经开始有了审美疲劳。而《東京ミッドナイト》拥有专辑中为数不多的优秀旋律，本来可以是一首很美妙的曲子，但是却被平淡而不出彩的编曲给害 了，想弄出诙谐的基调但是编曲却显得有些力不从心，做不出应该达到的气氛，白白的浪费了好旋律，本来他们可以做的更温暖更感人一些。《プラネタリウム》旋 律倒是不差，但是觉得唱到最后似乎好像总是无法上去的感觉，而在听了之前那么多平庸的曲目时，再听到这首稍微好一点点的旋律时，也仍然无法产生兴奋的感觉 了。而如果到了欢愉的《Birthday Song》这里就把专辑给结束了的话无疑还好一些，但是他们还是加进了《LOVE MUSiC》。在末尾的几首慢歌无疑是最可怜的，早饱受了前半张专辑里那些平庸的小调洗礼的人们已经没有精神也无法提起兴趣去聆听之后那些曲风听起来仍然 很相似的旋律了。
　　
　　似乎这回大塚爱的专辑制作似乎已经碰上了瓶颈。其实旋律仍然是出自大塚爱之手的典型的“爱”式旋律。问题出在哪里呢？不知道是不是因为刻意的 追求改变还是自身的功力下降，这次的编曲似乎有些不够突出，偏向于平淡的感觉。而一旦编曲弱下来，歌曲也就跟着出问题了。谁都知道，旋律和编曲，就相当于 人和衣服，人是核心，但是衣服也同样重要。失却了华丽而活泼的编曲，但是却又不能做出一种清淡的感觉。虽然大塚爱的慢歌旋律会稍微有一点自己的特色，但是 终究还是不可避免的带上一些主流J-Pop所共有的油滑平淡的特质。所以大塚爱的慢歌，如果像之前的两张专辑那样，只挑出几首混在专辑里，倒还不会显出什 么问题，而这次确实是多的有些过分了，而编曲的平淡又加重了这种感觉。一张专辑听下来，过分的油滑感已经让人有些难以接受，让人听多了有一种反胃的感觉。 正是因为慢歌的过多和编曲的平淡，才让这张专辑严重的平庸化了。而没有变化的“爱”式旋律也在经历了两张专辑的轰炸后让一些人开始有了审美疲劳。并进一步 陷入J-Pop的套路中，找不到出路。
　　
　　Love Cook俨然就像专辑封面的专辑中大塚爱的造型一样，已然没有了新意，反而庸俗了起来。专辑中能让人记得住的作品实在是太少。大塚爱还是适合以一个活泼的 小女生形象出现，而不是一个安静的淑女。她的旋律终归还是有些大路化的，既然慢歌拼不出成绩，还是拿自己的招牌劲歌来争取市场吧。

艺人：Covox
专辑：《Handheld Electropop》(2002)
厂牌：未知
评级：★★★

　　对于Covox的音乐，之前我也曾经表明一次态度。尽管他的音乐用可爱的8Bit粉雾来装饰，但是丝毫不能掩饰其音乐核心的薄弱和空虚。他的音 乐似乎是严重模仿游戏中的旋律风格，但因此也落下了病根：游戏中的配乐有些仅仅是单纯为游戏而做的应景之作。但是却不一定具有单独欣 赏的价值。正如那些电视广告的BGM配乐，如果有朝一日这些曲子集结成专辑出版，你会掏钱吗？
　　
　　不过相比2007年的《Delete the Elite》，这张2002年的EP在旋律上更加跳脱，更加鲜活生动，而不至于像《Delete the Elite》那么沉闷而 压抑，尽管后者收录了Summer Fruit Dance Party，但不能改变专辑总体的气氛。
　　
　　《No It's OK》和《The Sun Was Shining》仍然和Covox其后的曲风类似，但是显得活跃欢快。而《Someone Told Me It Was Love》和 《Dubslide》则收录在《Delete the Elite》中。《Someone Told Me It Was Love》虽然显得也很跳跃，但是终归觉得旋律仍然很薄弱。而《 Dubslide》则是一首异常的沉闷之作。听起来更像是Game Over时播放的曲子。《Sunday》虽然在技术上还是显得有些不合时宜，那老气的和声 仍然把时间停留在上个世纪。但是比起EP中的其他曲子，那黯然的旋律还是显得有意思的多。《Red Robotic Soul》加入的人声使得曲子带了一点新意，而曲子的节奏速度也是6首曲子中最快最动感的，自然会显得突出一些。
　　
　　很可惜。在音乐上，Covox的旋律仍然显得乏善可亲。对于一个没有游戏机情结的人来说，碰上这种音乐还会像我们那样照单全收吗？答案是否定的。

艺人：Asian Kung-fu Generation
专辑：《君繋ファイブエム》(2003)
厂牌：Ki/oon
评级：★★★★

专辑试听

(这次发现上回评3星半确实有些低估这张专辑了)

　　Asian Kung-fu Generation由于2002年在High Line Records旗下发行的第一张迷你专辑，收录了火影忍者主题曲《遙か彼方》的《崩壊アンプリファー》取得了不俗的商业成绩而被Sony旗下专门经营主流 摇滚乐队的的子厂牌Ki/oon Records签下，傍上了这么一个好东家，乐队也得以在更大的主流人群中开拓市场。
　　
　　2003年，对于Asian Kung-fu Generation来说，无疑是惊喜的一年。不仅《崩壊アンプリファー》被Ki/oon Records破天荒的在主流市场以再发行的形式推出，而且举办了由乐队策划的Nano-Mugen Fes，但是更重要的还是乐队的第一张正式专辑《君繋ファイブエム》的正式发行。
　　
　　一个乐队，如果要真正意义上获得更大的影响力，必须有两个必须的条件：乐队必须拥有自己的独特风格，以及能够造出美妙的旋律。而前者是后者的 前提条件。AKG这次则已经达到了这两个标准。在这张专辑中他们毫无保留的贯彻了他们一向的Emo/Punk-Pop曲风，而且乐队似乎已经把从西方 拿来的曲风消化的很彻底，音乐中已经明显透露出了大气的J-Rock气质，并且稍微有一些Alternative Rock和Brit-Pop的影响，这也是他们所拥有的不凡旋律的一个很好的解释。他们喜欢Weezer，也同样喜欢Oasis。的确，据乐团成立已经7 年时间，经历了不断的磨砺与变化，乐风也相应的成熟了不少，也应该形成了一定的风格。不同于Ellegarden强劲而纯粹的Punk风格，AKG选择了 自由的Emo结构，这样就使得他们的音乐不会因为被“三和弦朋克定律”束缚而显得单调，反而充满了丰富的变化，音乐也有了更加的扩展空间。《電波塔》中突 然跳脱出来的明亮的拨弦，就显得十分的生动，就像一个顽皮的小鬼的笑容。而不知为何，《N.G.S》那有趣的旋律总是会让我联想到游戏机的旋律，尤其是后 面第2分钟时那效果器制造出的旋律也证实了这个观点。这首歌算是对他们喜欢的一个乐队NUMBER GIRL的致敬(这里N.G.S的意思即是NUMBER GIRL SYNDROME)。
　　
　　不得不提的是主唱在歌曲中的声嘶力竭的喊叫。在《Flashback》和《未来の破片》中都可以明显的注意到这个很Emo的特点，这也曾是歌 迷喜爱的AKG的特点之一。只是从这一张专辑后，主唱放弃了这种喊叫，这无疑淡化了AKG本身所具有的Emo色彩，但是反而使得音乐更加的柔美，而替代了 喊叫，主唱也得以在更高的音域中咏唱。
　　
　　相比之后的专辑，这张专辑中AKG的音乐是显得最生猛和青涩的一次，也是最接近纯粹Punk的一次，开头几首曲子使其充满力道的Punk风格 在专辑中暴露无遗。但是专辑后面的曲子，譬如《君という花》和《その訳を》以及温柔的《No Name》中，掺杂着Brit-Pop气息的Punk音乐显出了与以后的曲风相似的柔和质感。这似乎也在昭示着未来AKG的一个变化方向。其实他们的风格 已经差不多定型，并没有出现过像Dragon Ash那样惊天动地的变化，只是在某些细节和整体氛围上不断修缮美化而已。
　　
　　同是1996年成立的Dragon Ash在2003年发行的《Harvest》已经显得非常的惊艳和成熟。而AKG在这张处女专辑中也显得十分的成熟老道。只是相比之后的成绩，他们仍然只是刚起步而已，仍然有继续前进的空间。

艺人：Dragon Ash
专辑：《Lily Of Da Valley》(2001)
厂牌：Mob Squad/Jvc
评级：★★★☆

(之前一直犯了把专辑所有曲目一一点评的糟糕习惯，这次努力改正了一下)
　　
　　Dragon Ash在其第三张专辑《Viva La Revolution》中已经流露出明显的Hip-Hop化倾向，说唱曲目的大幅度增加就是明证。而极其良好的市场反应和商业成绩也充分的肯定了他们 的改变。接下来乐队也不断与一些Hip-Hop艺人团体有着良好的互动交流。似乎乐队身在其中愈发不能自拔。果不其然，这次推出的《Lily Of Da Valley》中，Kj在全部歌曲中都以说唱的方式来演唱。明确的验证了他们在《Viva La Revolution》中的变化倾向。Dragon Ash的演唱方式自此定型，今后也仍然以此方式演唱，而且Kj的“说”确实比“唱”来的好听。没有了上一张专辑的蜕皮的不彻底。如果说上一张专辑是一个分 水岭的话，那么这张专辑则是他们的Mixture Rock正式形成的一个标志。
　　
　　不过，毕竟是从上一张专辑才开始的转型，如今才刚成形，所以还不是很完善。毕竟还没有足够的时间让乐队进一步发展和成熟。所以专辑中仍然留有 一些Rap-Metal的痕迹。还不能真正意义上独当一面。但是这是在和他们之后的专辑对比才得出的结论。其实如果不去注意之后的作品的话，这种效果已经 让人感到非常惊喜了。仍然凶猛的吉他因为节奏的原因而开始变得收敛而有规律，而这个变化看似被束缚实际上使得音乐变得更加沉稳而酷劲十足。纪律和秩序带来 的是铁一般的坚硬质感。这点在《Amploud》中已经得到了很好的验证，流畅的Jazz电声旋律，如呼吸般规律而又不带表情色彩的吉他Riff，将乐曲 的节奏稳步推进。而《Deep Impact》则踏在依旧Jazz风骨的旋律采样上，也许是因为这首曲子是和Hip-Hop乐团[ラッパ我リヤ]合作，所以因此显得更加Hip-Hop一 些，吉他仅仅在最后一刻冲出闹场。
　　
　　只是Dragon Ash从来也没有缺少过少年心气。即使稍微收了几步，但是对他们的爆发力仍然没有起到多少的限制和削减。《Bring It》和《Aim High》中那绞肉机似的吉他冲锋和DJ急速的Scratch，就好像他们从来不缺体力和激情一样，仿若要让听众High到底才甘休。到了 《Revolater》这里则更甚，他们甚至加进了IDM！狂乱而无规律的电子鼓点和天花乱坠的电音元素为吉他的咆哮起到了推波助澜的作用，显得愈加的疯 狂。而他们的杂食所造成的歌曲分裂不仅限于此。《百合の咲く场所で》中效果器所营造出的跳跃着的吉他Riff显出一幅湖面水波的荡漾画面。温柔的电音旋律 和主唱的柔和表现似乎已经在告诉我们这首曲子是人畜无害的那种类型，殊不知正静待在这美好景色中时，突然风格就转化为二十秒钟的狂啸。而当吉他歇声后，再 次回到风景画的氛围中。
　　
　　值得一提的是专辑中收录的电影《大逃杀》的片尾曲《静かな日々の階段お》，美好的原声吉他与电音和声铺垫出一片美好的场景，犹如坐在弥漫着青 草味道的草地上，任凭午后和煦的阳光触摸着皮肤，感触人心的歌词在片尾播放显得如此的有感染力，而乐队也因电影的缘故而将影响带进了美国。Kj带着旋律的 说唱也正好成为了乐队日后的变化方向，在下一张专辑《Harvest》中这种咏唱方式被广泛采用，成为专辑的又一个亮点。
　　
　　专辑中Dragon Ash已经表现出了极好的架控能力，虽然专辑主要还是在Rap-Metal中游走，还缺少一点新风格。但是可以看出他们已经试着在冲破当前的限制，随时准 备着新的变化。的确，不需要太久，两年以后的新专辑《Harvest》大放异彩，最终确立日本Mixture Rock班霸级乐队地位。

Dragon Ash - [Viva la Revolution]
发行时间：1999
发行厂牌：Mob Squad/Jvc
博主评级：★★★☆

专辑试听

　　在日本的摇滚乐队中，像Dragon Ash这般把自己的音乐作为一个大熔炉，将Punk，Hardcore，Alt-Rock、Hip-Hop，Rap Metal，Drum & Bass，Electronica等诸多元素搅拌而融于一体而自成一派的可以说是非常罕见的。而其风格的变化之快也让人咂舌，简直可以用变脸来形容其速度之快。从早期深受Nirvana和The Smashing Pumpkins影响到后来被Hip-Hop和电音元素吸引并将其融进自己的音乐和血液中，如今他们又把触手伸向了大洋彼岸的拉丁音乐。如今可能已经没有人能够猜出他们的下一张专辑会是以何种面貌问世。如今愈行愈远的他们业已离弃了过去，不断的追求新的变化。但是作为听众来说，他们过去留下的美好旋律同样无法忽视。正因为他们不愿意重复之前的风格，所以留下来的每一张专辑都具有不可再造性，而这也正是其成为经典的条件之一。

　　在乐队98年的专辑《Buzz Songs》在日本青少年中取得了广泛影响后，99年推出的专辑《Viva La Revolution》的商业成绩则更前进了一步，一经发售就登上了日本极其权威的排行榜——Oricon排行榜的第一名，并在日本创下了将近200万的唱片销量。不仅将DA推上了时代的最前线，也标志着Hip-Hop攻占日本主流乐界，其影响至今未衰。而专辑的名字似乎也征兆着乐队风格的又一次革新。

　　和上一张专辑一样，专辑以Intro序曲开场，恢宏的铜管和打击部分似乎还与封面的革命气息还有那么一些靠谱，但是很快的，便被中途出现的Hip-Hop节奏和Scratch取代，顺畅的衔接下一首曲子《Communication》，整首歌几乎没有什么旋律，只有肥厚的Bassline和突出的打击节奏与主唱的Rap遥相呼应，比较偏向说唱。如果说第二首的Hip-Hop倾向和其旋律部的干燥让人感觉有些不够尽兴的话，那么接下来的曲目则让人真正的感到Dragon Ash的Mixture Rock的妙处。《Rock The Beat》中的长笛旋律采样在某种程度上去除了上一首曲子旋律枯燥带来的不良印象，同时也带动了歌曲的节奏和力道，虽然听多了的话可能还是感觉有一点干燥，但是仍然无法掩饰它强大的冲劲和爆发力，可谓曲如其名。如果仍然怀疑这首曲子中的Rock成分缺失的话，那么《Humanity》则着实让人大呼过瘾，取代了长笛的电吉他扫弦显得更加的直接凶猛。《Attention》由带着Blues味道的吉他Riff和规整的节拍，让人有种如同坠身舞池的感觉，身体不由得有种想随着音乐晃动的欲望。《Let yourself go, Let myself go》是在DJ Bots加入后发行的第一支单曲，曾取得Oricon第四名的佳绩，歌曲中的带着旋律的说唱段已经明显的暴露了他们的音乐的另一个方向，而这在他们随后创作的歌曲《静かな日々の阶段を》中得到了很好的印证，紧握说唱的标签又不放弃旋律，而《静かな日々の阶段を》被作为电影《大逃杀》片尾曲而广为流传，乐队的声望得以进一步提升。

　　不知道是否是有意而为之，专辑中“说”的歌曲和“唱”的歌曲明显被分开。从《Darck cherries》开始接下来的几首曲子都是他们当初所坚持的比较纯粹的摇滚曲风。可以看出他们仍然在转变的边缘，在第四张专辑中他们则完全扑向了嘻哈元素并将其融合，之后的音乐中已然很难从中看出他们当初的另类摇滚气质。不过有些意外的是在这张专辑里他们还玩起了Punk Pop。感觉上比起以前更加纯正更加流行一些。不过似乎并没有玩出多少新意，中规中矩，唯一觉得新鲜的就是《Fool around》中DJ的采样。插入曲《Nouvelle Vague #2》的出现可以说是他们第一次在专辑中启用纯音乐曲目，而这种起到专辑分割作用的纯音乐曲目在专辑《Harvest》中再次被使用。《Let yourself go, Let myself go》中的风格和方向在专辑同名曲《Viva la revolution》中再次得到了很好的印证。值得一提的是《Grateful Days》，专辑中唯一一首彻头彻尾的Hip-Hop歌曲，同时邀请歌手ZEEBRA担任了歌曲中的客串Rap，以及ACO负责和声，吉他旋律是取样自The Smashing Pumpkins的《Today》，而描绘家族爱的歌词亦让听众深为感动，单曲一经推出就获得了排行榜第一名的可喜成绩。

　　作为他们的第三张专辑，《Viva La Revolution》起到了一个极其重要的承上启下的作用。由于DJ Bots正式加入乐队而使得在第二张专辑中开始壮大的Hip-Hop成分在第三张专辑中进一步成熟壮大，并且音乐中电子音乐元素也明显增多，先前的另类摇滚气质开始渐渐褪去，这也为接下来的专辑《Lily Of Da Valley》的唱段完全Rap化奠定了基础，并使得Dragon Ash的日本Mixture Rock的班霸地位最终确立。但是可以看出他们还处在正在蜕皮的过程中，专辑中仍然保留了部分没有Hip-Hop化的摇滚歌曲，这也确实让专辑显得有一些不够统一，无疑有些让人遗憾。不过从他们把带说唱的歌曲置于开篇和结尾的举动，已经可以清晰的看出他们已经确定下一步所要走的道路。这又使得听者开始期待下一次Dragon Ash会以何等的新面貌再次出现。

专辑试听

文：kyd23

---------------以下为正文----------------

Artist :                              Dragon Ash
Title :                               INDEPENDIENTE
Date of Release:              2007年02月21日
Label :                              Mob Squad/Victor

    对于Dragon Ash的这张时隔一年多的新专辑“Independiente”来说，虽然依旧充满了新意，精彩绝伦。但即使再坚定的“龙迷”如果早几年听到的话，相信也 会对其如此的拉丁化取向感到诧异。但是仔细回想一下，从97年Dragon Ash第一张正式专辑“Mustang”发行到现在几近10个年头，从最初的Hardcore、Funk-Rock气质到电子舞曲元素的引入，再到Hip Hop、Nu-Metal等结合的Mixture/Loud Rock风范，再到Break Beat节奏的突破。Dragon Ash正是在这一次次的不断转变，不断突破的过程中带给了我们一次又一次的惊喜。况且上张专辑“Rio de Emocion”已然表明了Dragon Ash对拉丁音乐的向往，如此再重新审视这张“Independiente”的转变也就显得自然而然了起来。
   
    “Independiente”可以说是进一步深化了上一张专辑“Rio de Emocion”拉丁音乐元素。打一个比方，如果说“Rio de Emocion”给人的感觉是途径南美的一次音乐采风的话，那么“Independiente”则像是久居于此的人们一次情感的自然流露。先行推出的三首 单曲“Ivory”、“few lights till night”、“夢で逢えたら”自然全部收录其中。无论是“Ivory”当中那犹如The Gipsy Kings一般行云流水的弗拉明戈吉他，还是“few lights till night”当中流畅旋律背后所露出的淡淡哀愁，还是“夢で逢えたら”当中的那份悠扬从容，均给人留下了挥之不去的深刻印象。除了这三首主打单曲，专辑中 其他曲目同样精彩。即使是开篇的序曲“Independiente(Intro)”在2分的时间里由远及近也没有半点马虎。而在“EI Alma”一曲中更是找来主唱Kj在旁支组合nido中的队友，著名演员兼萨克斯手武田真治参与演奏。在Dragon Ash所营造的拉丁世界中，武田真治的萨克斯也抛弃了本来的那份轻浮摇摆，显得更加激情洋溢起来。“Rainy”一曲可以说是Dragon Ash有史以来最为伤感的无奈的时刻，背景隐约的慢板Ska节奏与失真的主音吉他如歌如泣，为整曲蒙上一层阴霾。在Kj那轻声吟唱之下，那冰冷的雨水似乎 不仅流淌在音乐当中，同时也浇在每一个人的心里。

     虽然说这张新专辑充实着无尽的拉丁风情，但是Dragon Ash以前所擅长的点点滴滴其实并没有就这样烟消云散。就好像先前的那些多彩的音乐元素已有粉饰门面的“化妆品”转变为由内养外的“保健品”一样，在不知 不觉当中支撑着整张专辑的音乐内涵。而也许正是这种潜移默化不断吸收转变的过程，使得Dragon Ash始终以一个潮流开拓者的姿态展现在我们面前。虽然不知道明天他们会走向何方，但我相信Dragon Ash的下一次回归依然不会让我们失望。

原文地址：http://kyd23.blogcn.com/diary,11150448.shtml 

http://www.douban.com/note/13551848/?from=mb-45879168

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