• 2011-05-22

    赵聪《聆听中国•月舞》:摩登时代的民族音乐突围 - [世界音乐]

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    艺人:赵聪
    专辑:《聆听中国·月舞》
    (2008)
    厂牌:丹麦佛克斯
    / 天凯
    评级:★★★☆

    专辑试听

      时至今日,Fusion已不再是什么新鲜事物。无论New Age或者Chill Out,用现代音乐技法包装民族音乐的现象早已司空见惯。New Age这一块,欧美的Chris Spheeris、James Asher等人的作品自不用说,日本的和平之月亦是代表性十足。Chill Out方面,诸如Flamenco,印度音乐等世界音乐元素在电音中屡见不鲜,Buddha Bar就是一个很好的例子。

      以中国音乐为主题的融合作品倒也有一些,除了散落在众多合辑的零星作品外,也不乏《China Lounge feat. Shanghai Diva》等直接打着中国旗号的概念专辑。其他如贾鹏芳等人的音乐也说明了New Age方面中国元素还是有市场的。但看来看去,中国民族音乐的现代化融合作品,绝大多数都出自他国人士之手,即使如贾鹏芳等留着中国血液的人,也是在国外才大放异彩,而国内在这方面的人才似乎寥寥无几。到目前为止,还真没听说有哪个国产的New Age民族大师能红透半边天(风潮音乐暂时不列入考虑范围)。当然,女子十二乐坊那种糟粕就不用提了。

      在传统音乐上,中国人似乎失去了创新的动力。在市场上,能看到的都是那种拼盘类的盗版民族音乐,新作品却遍寻而不得。这给人一种印象:中国的民族音乐是靠那些老本撑起来的,而新时代的民族音乐已经断了根。不过伴随着电影《功夫》的热映,电音的音乐原声仍然说明,中国的当代优秀音乐创作并没有停止。这个事实在刘星等人的专辑中再次得到了印证。但古典派归古典派,回到我们今日谈及的Fusion,在广阔的华夏土地上,这片音乐真空多少让人有些尴尬。

      如今新一代人的视角和关注点更多集中在欧美日本音乐上,民族音乐愈发被边缘化。即使撇开这个因素,再去看看那些已经做出来的Fusion专辑,如摩登天空的《Touch Tibet》,就可以看出中国人在引进糟粕音乐理念来制作糟粕融合音乐方面比起欧美是有过之而无不及。无论是理念还是积累,当下中国的年轻人都差的太多。孟奇的《山水恋》倒可以算是一个意外的突围。但这份惊喜仍然是沙漠中的仙人掌,虽然带来了一点绿色,却无法改变整块土地的贫瘠现状。

      这种匮乏导致的结果之一,就是让赵聪的这张《聆听中国·月舞》成为了鹤立鸡群的幸运儿。之所以这样说,是因为这张专辑还显得不够成熟。严格来说,《聆听中国·月舞》算不上一张成熟的现代民族专辑。琵琶的旋律忠于传统这点先不吐槽,其他方面,节奏上不够脱俗,个别曲目中的电子节拍音效甚至让我想起那些所谓的汽车音乐,《天海蓝蓝》就是一个很好的证明,那水准的确不敢恭维。

      尽管不成熟,《聆听中国·月舞》在目前仍是一张让人惊喜的专辑。琵琶本身的旋律水准值得肯定,《夜雨双唱》中的笛子旋律处理尚有新意,若能再做些改进,或许不会输给和平之月之流。但正如之前所说,编曲把整张专辑的分数拉低了不少。《青春舞曲》的旋律处理其实也还是高于平均分的,但节奏音效及其他编曲效果和整首曲子的氛围着实不太相配。《东方丽人》如果能在电子乐编曲上再下点功夫,成为一首标致的Chill Out并非难事。但是编曲的局限性决定了现状,虽然它可以做得更好。至于《新编十面埋伏》粗陋的编曲效果,就不再多提了。

      专辑的最大亮点是《放马山歌》。这首曲子之所以没有被拖下水,很大程度要归结于其爵士乐编曲。钵的轻柔以及手鼓的灵动,让这首曲子免遭粗陋编曲的摧残和拖累。爵士钢琴和琵琶的交相呼应,也是专辑唯一的中西结合亮点。如果不是这首曲子,这张专辑会被毫无悬念的贴上汽车音乐或者Hi-Fi的标签,和那些堆放在货架上的Hi-Fi作品并无差别。

      虽然这张专辑让人看到了中国音乐在摩登时代的又一次突围尝试,但是这股力量柔弱依旧,在些许新意的背后,现代化和国际化的水准陈旧落后的问题依旧存在。积淀和理念上的不足,创新能力的匮乏,是如今中国音乐所要面对的问题。过于保守抑或过于西化的环境,使得我们仍然需要耐心去等待又一张专辑来唤醒我们的耳朵。

  • 2011-05-14

    近藤浩治&国本佳宏&大野木宜幸《Super Mario Bros.3》:红白盛世 - [OST]

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    艺人:Koji Kondo(近藤浩治), Yoshihiro Kunimoto(国本佳宏), Nobuyuki Ohnogi(大野木宜幸 )
    专辑:《Super Mario Bros.3》(1988)
    厂牌:Pony Canyon
    评级:★★★★☆

    专辑试听

      对于八十年代生人来说,红白机必然是小时候不可或缺的物件。魂斗罗、超级马里奥、赤色要塞……诸如此等游戏已经深深的烙在了记忆之中。以至于如今培养出一代深受红白机影响的音乐人,Sulumi就是一个例证,而8bitpeople则进一步说明这种怀旧并未局限于某一个国家,红白机的影响是世界范围的,由此带来的音乐效应也是世界性的。只不过从前都是由原声音乐制作人完成的事情,如今经由科技的发展,得以使普通大众爱好者也能涉足其中,通过软件和设备自己制作8bit旋律。

      作为当年最有影响力的一款红白机游戏,Super Mario俨然是一座不可逾越的丰碑。无论是游戏,还是音乐,都可谓经典之极。那简单的七个音符已成为人们提起这个游戏时想到的标志之一。不过令我困惑的是,大多数人谈起Super Mario的时候,始终围绕着第一代展开话题。事实上,若要我说,第一代是经典,但是第三代绝对是成熟之作。如果玩过第三代的话,就会发现,从画面,关卡,元素以及BGM等各方面,第三代都要比第一代完善成熟太多。至少当年玩过一次Super Mario 3以后,在记忆里就再没有存放过第一代的任何碎片。

      三代的BGM为游戏加了不少分。一扫当年一代BGM的单调单薄,近藤浩治这回带来了更加丰满而富有活力的音乐,在可听性上比3年前要强上很多。这也使得撇开游戏将其当做音乐对待的可能性提高了一些,灵动干净的旋律相当讨人喜欢。一般来说,任天堂的OST都是由几十首一分钟左右的BGM组成的,但是这次的专辑倒是有点新奇。仅仅包含了五首曲子,而平均时长达到了6分钟,最后一首甚至时长达到了15分钟。

      将其看作是Remix作品也不足为奇,从第一首即可发现,Super Mario的曲子竟然有了鼓点?而且音色处理上也不再像游戏那样清澈,倒是加入了更多柔和的处理效果,这不禁让我想起了Deep Black Skys的《Millenium Mario》以及另一首Ocean Mix版本。后者更多是一些个人制作的混音作品,而前者则是通过唱片正规出版。但也说明这张专辑经过了一些后期加工,尤其在《Super Mario Bros. 3 Athletics Arranged Version》的一分半的时候,那柔和的合成器尤其让人怀念以前那首网络上的Ocean Mix。

      作为改编加长版,专辑倒是不会像简单的原声那样,只是各个音乐元素简单的放在一张专辑里。在将诸多元素加工混合以后,一首4分钟的融合作品无疑要比一分钟的纯粹版本要连贯的多,起码前者的歌曲性多少要比后者高出一些。这就像拿莫扎特最早的一分钟的简单旋律和后期的一个乐章相比一样。《A Day of Mario》也证明了这点,将各个关卡里出现的诸多元素打通接合以后,会产生一种幻觉,就好像在一首曲子里一下子回顾了一个关卡乃至一个World的历程,这也像标题所要表达的类似,马里奥的一天,多么有趣的曲子。

      后两首编曲并不是我喜欢的。可能因为他们在Underworld的旋律上倾注了太多,以至于内容不够多元丰富。也可能是因为我对Underworld的旋律并不是特别上心。不管怎样,这两首旋律都显得有些单调,而不如前两首曲子那样富有活力和灵气。虽然这灵气可能主要还得归功于近藤浩治的原曲。而最后一首15分钟的旋律,其实就是Super Mario 3的真正原声,只不过做了一个Non-Stop的处理。音乐仍然是最正统的、来自游戏的旋律,只不过被放在最后一首倒是让人有些意外。一般来说,这原声应该放在开头,而四首Remix放在最后面,不过即使顺序调换了一下,倒也无伤大雅。只不过闪光灯下的主角变成了那四首编曲,而原味的旋律倒是成为了Bonus Track的感觉。无论如何,料子一样未少就行,倒也没什么关系。

      作为红白机最为鼎盛的时代,稍嫌简单的游戏可能已经不能让身为成年人的我们重新去回味,但音乐仍不失为一个捡回回忆的好方法。再加上这几首附送的Remix,不能不说这是一张值得收藏的专辑,至少可听性上要比简单的原声更强,也更有诱惑力一些。

  • 2011-05-08

    河合その子《Sonnet》:缅怀那个未经历过的时代的又一张通行证 - [主流之音]

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    艺人:河合その子
    专辑:《Sonnet》(1990)
    厂牌:Pony Canyon
    评级:★★★

    专辑试听

      曾经的少女偶像团体おニャン子クラブ(小猫俱乐部)里面数一数二的美型,选拔的时候以140分的高分夺了第一,同时又是组合里面最早以个人名义出唱片的成员,最后还和大名鼎鼎的制作人后藤次利结婚……集诸多荣誉于一身的河合その子不可谓不风光,作为八十年代的众多偶像歌手之一,在小猫时代便占了不少便宜,虽然在演艺事业上因为表现平平并没有得到进一步深入的机会,但在主要的音乐事业上倒也平稳,单飞后陆续出过几张个人专辑,直到与后藤次利结婚后引退。

      但从现在看来,显然河合その子已经被人们忘却。正如现在的年轻人对八十年代香港老歌的陌生一样,位于彼岸的日本八十年代老歌更是如在迷雾一般,即使想去了解也无从下手。至少对于80年代生人来说,河合その子已经是一个完全陌生的名字。要不是在青春歌年鉴系列的挖掘工作中偶然于1986年的30首精选中发现了河合その子的《青いスタスィオン》,恐怕这个名字我是永远不会接触到。同时,这首曲子的魅力大得甚至于使得我老妈也将这首曲子设置为了手机铃声。当然,在此之前,我就已经将这首曲子设为了自己的手机铃声。

      可即便拥有这首金曲,这张名为十四行诗的精选集仍然显得有些薄弱。作为偶像,河合その子的确在外貌上占了不少优势,同时略有些萌的声线也让人有些好感,可现在看来这声线的表现力的确让歌曲失色不少,至少在她的歌声中,不知为何,那些旋律给我的印象也同她的声音一样稀薄。以至于听了几遍就记住了一首《青いスタスィオン》,最后还是在发现专辑作曲制作有一半是由后藤次利包办(还有一些是她自己的作曲,填词方面大部分仍是老搭档秋元康包办)的情况下才更加认真的去重新聆听这张专辑。才又发现了《哀愁のカルナバル》、《雨のメモランダム》、《悲しい夜を止めて》和《空を見上げて》这四首中速金曲。

      除了声线上的一些瑕疵,后藤次利的制作可能也有一定的缺陷。至少在编曲上略显得有些空一些,这一点在同样从小猫俱乐部出来的工藤静香的精选辑《Best Of Ballade Empathy》中得到了体现。后藤次利不乏个别优质单曲,其被港台歌手翻唱的曲子也有二十首多,但这不能成为否认他的其他作品略显平淡的一个因素。不过,在这张专辑中,后藤次利的表现倒是不错,至少在专辑的四首不错的中速歌曲中,前三首都位于专辑中的前半部分,而这部分由后藤次利包办。这至少比起给工藤静香做的曲子要好上数倍。后者的精选辑实难让人想到黎明的《Ichi Ban》是属于这个男人的创作。

      虽然我一直认为港台翻唱歌曲的编曲大部分不如日本原曲要好,但是在工藤静香和河合その子的专辑中,却发现原来日本人的编曲也可以做到如此贫乏无味。看来即使走上单飞道路,河合その子也没有甩掉小猫俱乐部的偶像路线,不过偶像也有好处,后藤次利虽然给不少歌手提供专辑制作,但是最终选择了河合その子作为第三任妻子,这也是偶像的美貌因素使然。说实话,如果像《フレンズ》这样优质的慢歌多一些的话,那么专辑肯定是另一种风貌,只可惜后藤次利的给力程度仍然有限,幸而专辑的后半部分也带来了一些惊喜。若能撇去《夢から醒めた天使》这种歌曲以及专辑整体的编曲水平的话,我会坚定的给三星半。

      作为青春歌年鉴带来的意外礼物,这张专辑仍然值得一听。作为缅怀那个从未经历过的时代的又一次机会,无论如何不能错失良机。再者说,一个乐评人还是得对自己的手机铃声有那么点自信的。


    参考资料:
    http://www.simplecd.org/id/2793170
    http://www.chnp2p.com/redirect.php?fid=394&tid=581302&goto=nextnewset
    http://bbs.javaws.com/viewthread.php?tid=45582&page=1
    http://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%B2%B3%E5%90%88%E3%81%9D%E3%81%AE%E5%AD%90
    http://tieba.baidu.com/f?kz=957161173

  • 2011-04-27

    王雁盟《飘浮手风琴》:台湾制造的欧洲小情调 - [新世纪&纯音乐]

    http://img3.douban.com/lpic/s4712510.jpg

    艺人:王雁盟
    专辑:《漂浮手风琴》(2004)
    厂牌:风潮
    评级:★★★★

    全碟试听

      说到手风琴,第一个能想到的名字是Enrique Ugarte,其后才轮到王雁盟。对手风琴的感觉始终贯穿于电视机里那些欧陆风情的BGM,那轻快优雅的舞曲很容易让人联想到精致的中欧和东欧风格。当那带着浓郁民间风味的曲调飘过来时,欧洲窄小的街道和低矮的房屋已经通过音乐扑入眼帘。在Enrique Ugarte的挂名演绎下,这些隐藏在民间的原味手风琴音乐成为了这个手风琴手的标志声音,而Enrique Ugarte似乎也成为了这些手风琴音乐的代言人。在三拍子的Musette圆舞曲中,不会有人会错意:这就是欧洲风味。

      王雁盟并未把那个存于人们印象中的“原味欧洲”带回来,正因为如此,从最开始的推崇过后,在相当一段时间里,对王雁盟有了一些审美疲劳。由于自己对世界音乐的追崇,使得王雁盟看上去是那么“不正统”。音乐中那简单的小情调自然也被自己视作是“单薄贫乏”的表现。与Enrique Ugarte的那些手风琴音乐相比,王雁盟未免有些小家子气了些。在那些小情调的作用下,那来自欧洲的气息已被稀释。不过仔细想来,作为一个来自台湾的旅人,在布拉格迷上手风琴,并且花了两年的时间向巴黎手风琴演奏家Dominique Bodin学习,虽然未能完全继承欧洲的传统衣钵,也不至于需要如此苛刻和严格,要求其音乐的纯度达到多少百分比,毕竟如今已经是融合音乐的天下。再说了,其专辑的原创精神,多少比作为演奏家的Enrique Ugarte更有心意。

      风潮算不上是一个擅长做纯粹的世界音乐的厂牌,但它鼓捣出来的音乐至少还有那么点儿品位。这一次王雁盟在风潮出片,将风潮一贯的风格保留了下来。作为一个常在OST和他人专辑中扮演演奏者角色的人,王雁盟在《漂浮手风琴》中表现出的更多是那种配乐一般的多样和随性。《玛奇朵漂浮》和《一个人的手风琴》多少证明了这一点。手风琴描绘出的忧郁风景中,个人化的情绪表达从音符中扩散开来。带着些许欧洲风情的忧郁,这旋律正是寂寞的都市男女们所需要的安慰剂。

      如此说来,城市的气息从未远离王雁盟。歌曲名字中的那些咖啡名称,以及《地下铁》和《摩天轮》这样的名字,都体现出城市的生活情调。《清晨萨鲁奇》、《微醺的步伐》中的爵士乐已是无言的证明,更不用提《幸福的舞蹈》中散发出的《玫瑰人生》的曲调和轻音乐的味道,以及《马戏班经理》的拉美Tango旋律。淡淡的城市的忧愁在爵士乐中发酵,变得更加让人讨喜。《微醺的步伐》借用了《一个人的手风琴》中的旋律,但是在Cool Jazz的伴奏下,却展现出夜色下酒吧迷人的气息。

      但若真要较真的话,我还是更喜欢贴近欧洲原味的王雁盟。当爵士乐的调料被挑去时,在《一个人的手风琴》和《地下铁》中,手风琴的Solo显得纯粹简单,即使在《玛奇朵漂浮》和《忧郁摩天轮》中,也只是多了一个伴奏的吉他,后者中更是让人在吉他中嗅出了西班牙的气味,不过这并未对音乐本身的纯粹产生过多的影响。没有爵士乐的干扰,这沾染着欧洲风味的情调反而更加的纯粹原味,真挚而不奢靡,那种悠然才是我希望听到的。

      幸而,我的口味如今已不再那么挑剔,世界音乐的纯粹要求早已慢慢放松,以至于更多的玩弄音乐的把戏进入生活中。至于爵士乐,它的美味我也始终没有忘记。当然,王雁盟的这种音乐处理,早已经在众多各色的OST专辑中被广泛应用传播,并改变人们的习惯和口味。于是乎,虽然从第五首到第七首的聆听过程,仍可以发现专辑的整体性并不够强,可这张曲风略显杂乱的专辑,在如今越来越宽容的环境下,仍不失为一盘美味。

  • 2011-03-20

    Ottavio Dantone / Accademia Bizantina《Vivaldi:L'Estro Armonico, Op. 3》:一次离经叛道 - [古典回眸]

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    指挥:Ottavio Dantone
    演奏:Accademia Bizantina
    专辑:《Vivaldi:L'Estro Armonico, Op. 3》
    厂牌:Arts Music
    评级:★★★☆
    试听:CD1 CD2 (谷歌音乐可以免费下载)

      我不觉得恪守传统是一种古板的表现。有的时候,人们会把潜意识中那种追求纯粹的想法付诸实践,于是就产生了一些对传统坚守的表现。这也是为什么会有那么多人会要求,将巴洛克音乐按照那个时代的标准原汁原味的体现出来,而非如今大多数人的做法,用后期的古典标准来呈现那个时代的音乐。这种纯粹的诉求可能有时会显得过于保守了些:全数使用巴洛克时期的古乐器,用巴洛克的小型室内乐团规模,按照那个时代的标准演奏风格来演绎那个时代的音乐……但不可否认这也为如今的古典听众们提供了一种可能性。让人们能够体验到那个时代的风味,而非让古乐在后世的标准中逐渐走样。

      我也曾经很极端的和那些古乐爱好者一样,要求所有的巴洛克乐器都用古乐器来演绎。不过最后还是妥协了——除了协奏曲,巴赫的键盘作品用钢琴演奏的确更加精妙无比,Argerich也证明了这一点。但是在演奏风格上,标准的小乐团风格还是更深得我心,这也是为什么Felix Ayo和I Musici的Vivaldi四季版本仍然是我最喜爱的版本之一。当然也不能否认Anne-Sophie Mutter、Herbert von Karajan和维也纳爱乐乐团的现代演奏风格毫无美感,只是如果细究的话,终究有一点后期加工的味道。

      不过这张专辑的确有些破天荒了。前面我们讨论的只是单纯的规模和音色的问题,而如今这张专辑却更多的牵涉到指挥风格问题。在这张专辑中,演奏家们向我们呈现的Vivaldi已经打破了我们的固有印象。事实上,这种个人色彩和浪漫主义色彩浓重的风味的确有些让人不好接受。虽然不至于像Nigel Kennedy那般颠覆,但是其中的很多地方都有些难以接受。比如那些段落的速度变化,以及音效的强弱体现,都不由让人怀念原先那稳妥而优雅的演奏风味。听到Op.3中的No.3、No.8和No.10这几首名曲被这样演绎的时候,我明显感到浑身颤栗——即使是正大雨果音乐引进的Vivaldi也要比这美妙百倍。

      但在听了一两周后,不能否认这种演奏风格中也有它自己的美。就像Sergiu Celibidache演绎的贝多芬第九交响曲一样,虽然不见得忠于原作,但也可以看作是指挥者自己的风格体现,或者说是一种二次创作。这张Op.3如今可能说不上是纯正的Vivaldi了,但是作为后现代的多种表达方式之一,这种表现方式仍然会拥有自己的听众群,正如它展现出的不同一面。我只能说,这不是我的茶。但这不妨碍它继续寻找属于自己的知音。我唯一能做的,就是把我原来打的两星改成三星半。这也算是对演奏者的一点尊重了,虽然对于古典音乐来说,这个分数仍然很低。