• 2012-01-14

    Electric Universe《Stardiver》:简陋导致的贫乏 - [电音志]

    艺人:Electric Universe
    专辑:《Stardiver》(1997)
    厂牌:Dista
    评级:★★★

    专辑试听

      没有过多的重拍,这是这张专辑带给我的最大疑惑。要知道,在此之前无论是我所接触过的Goa Trance还是Psy Trance,不管编曲风格有多少差异,但是有一点是一致的:舞曲节拍。事实上这也算是Goa Trance/Psy Trance的一个特色,至少那种有别于传统Trance的重拍配上变形的旋律电声效果,说无法辨认出它的真身,可能性微乎其微。

      但是Electric Universe却颠覆了我这一先入为主的概念。起码在我听到这张专辑的时候,我真的怀疑这是否是Goa Trance。虽然音乐中那变幻莫测的迷幻电声毫无疑问将答案指向了Goa,可是那奇怪的节拍倒也让人感到有些莫不着头脑。Goa Trance的节拍何时如此的Trance化了。而且这种舞曲节拍的味道还颇有95年左右的复古风格,即使同一时期Astral Projection的《Trust In Trance》也使用了十分重的Techno节奏,但是Electric Universe为何要使用那么轻柔的节拍来搭配舞曲?可以归结为是录音室效果差,但是按照这种逻辑来看,北京的A4乐队为何也能做出惊人的《58mm》?

      唯一的结论就是:创作思路的差异。纵观整张专辑,会发现Electric Universe的音乐受到Techno的影响十分明显,《Technologic》是一个过于明显的例子,而在《Radio S.P.A.C.E.》中,虽然可以看到诸多Goa Trance的迷幻手法,但是整体的变化却让人感觉稍微少了一些。可以发现音乐的背景有些空旷单薄,空间和层次感并不十分明显,究其原因是编曲不够丰富。正是这种单薄的感觉,让人想起了早期Techno那种简陋的编曲风格。

      只能说,用这种早期Techno手法来做Trance音乐未免会让人感觉过于低成本,更何况这还是Goa Trance。有时,这种简陋的音响效果甚至于会让人想起Disco。若要证明的话,不妨将Astral Projection的《Still Dreaming》和Electric Universe的《Alien Encounter (Part 1)》做一个对比,就会发现后者是有多么面目可憎,要把音乐做成如此模样。很可惜,Electric Universe透支了他的才华,在他尚有创作能力的时候(专辑中的旋律其实够得上是中上水准),却将音乐效果做的如此低能,而他这三年里的新专辑却明显让人感觉他已经失去了创造力,这些新作品和泛滥成灾的三流电音没有什么差别。

  • 2012-01-08

    村下孝蔵《初恋~浅き夢みし》:三十年前的那场初恋 - [主流之音]

    艺人:村下孝蔵
    专辑:《初恋〜浅き夢みし〜》(1983)
    厂牌:Sony
    评级:★★★★★

    专辑试听

      在21世纪的第12个年头,再重新回头去看29年前让村下孝蔵一举成名的专辑《初恋》,不免会觉得村下的歌还是过于流行化了些。事实上,当年日本很多音乐人士当年标榜的那些摇滚和民谣音乐,在如今耳朵被千锤百炼的我们看来,都不免小儿科了一些。譬如玉置浩二和杉山清貴等人,其实与香港的Beyond在形式上并无太大区别。玉置浩二以及当年所在的安全地带乐队如今仍被人看作是80年代的流行巨擎,村下孝蔵如今也被更多人冠以“恋歌达人”的称号。这倒也不惊奇,傍着乐队的名号来唱流行歌的,在当年比比皆是,并非什么稀罕事物。

      但即使在我们眼中看来并不正统的这些“摇滚乐队”,在当年的人们看来,确实真真正正的摇滚范儿,而比较近的例子,在香港的Beyond身上就有体现。如果撇去如今让我们眼花缭乱的那些正统音乐风格不谈,玉置浩二和黄家驹等人的音乐,有别于歌坛主流的存在,确实如此的真实。《安全地帯I》和《亚拉伯跳舞女郎》,虽然在今日看来无比流行,但如果将其放在当年的音乐大环境中比较,得出的结果就足以诠释这个事实。听过《青春歌年鉴》的话,你就会知道,在七十年代,日本的流行乐仍然是演歌和欧美流行的混合物,还未从六十年代的新演歌时代中脱胎换骨。而在日本流行乐真正开始大放异彩的八十年代,玉置浩二等人无疑是新潮流的领军人物,是新时代的开拓者们中的一员。

      摆正了心态,放低了眼光,再来评价村下孝蔵的那些恋歌的话,就容易多了。说实话,在80年代乐队化的风潮还是刮的比较凶猛的,虽然数量上还是拼不过那些偶像歌手和组合,但是却也算小有气候,起码要说其为异类恐怕也没有什么理由。但是村下孝蔵的这个派别却有些特殊,即使在如今,我们依然会发现村下孝蔵的音乐依然可以用“格格不入”这个词来形容。这个“格格不入”对应的是整个大环境。可以不客气的说,村下的歌基本上在日本很难找到同类型的。

      幸而村下孝蔵还不至于那么特殊,要将他归类的话倒也不难。和因幡晃类似,村下应该算是彼时日本的“民谣派”,只不过没有如今分类狂般的人们所认为的那么纯粹罢了。但是从他的歌曲的那点舶来气息中,还是多多少少能感觉到一丝欧美民谣的气息,这从《夢の地図》和《丘の上から》明显的欧美清新风味中就可以看出。不过和因幡晃稍显和煦的民谣味以及六七十年代的老式流行风味不同,作为80年代崛起的一辈,村下的音乐在Band Sound以及节奏方面的强化,以及流行音乐上演歌化和80年代化等特点,都显示出其和因幡晃这样的前辈的区别。

      由于攻占民谣这一块的歌手并不算多,使得如今我们能够记起的,也就是因幡晃和村下孝蔵而已。风格的“小众”使得村下的音乐也随之变得特殊起来。这种杂糅着欧美音乐架构、演歌和80年代J-Pop的风格,加之村下歌曲中一贯的恋歌主题,最终让村下的音乐贴上了自己独一无二的标签。这点日本人真的很幸运和聪明,在《青春歌年鉴》的全系列中,贯穿快一个世纪的日本流行音乐唯一不曾改变的主题,就是演歌(可能歌谣曲更为准确)。虽然战前曾经有过一段爵士乐入侵的时代(那时候的音乐和30年代大上海的那些流行乐很类似),那时的音乐显得有些粗糙,但是在战后迅速崛起的日本流行音乐,几乎都是吸收着演歌的养分成长起来。

      村下的音乐也不免如此,这点才是令人惊奇的。身在80年代的他,在音乐中却使用了大量浓郁的演歌风味旋律,他最富盛名的代表作《初恋》即是如此。在当时主流音乐已经将演歌的风味往流行化方向走的时候,村下的音乐却展现出比当时的流行音乐更加浓郁的演歌风味,以此来表现歌曲想要表达的那份浓郁的忧伤。虽然村下在编曲上,采用了吉他和乐队的方式,但是却没有像流行音乐那样使用过多花哨的编曲表现手法,这无疑保持了村下音乐的干净和纯粹,同时也进一步加重了旋律本身带有的浓郁演歌气味,毕竟流行化的处理可以多少冲淡演歌本身的气息。

      专辑中的确不乏摇滚化的曲子,譬如《青い嵐》和《おいでよ》,但是村下在编曲中并没有让音乐本身的摇滚风味凸现出来,相反,和专辑中其他的曲子一样,村下一直让他的声线音量处于压倒性优势,而乐器的声音却被刻意的压低下去,这也是为什么在听那两首本是摇滚风味的曲子时,却罕有多少摇滚的感觉。在录音方面,从一至终,村下一直是唱片中的主角。不过这种弱化乐器声效的处理,倒是让人们的注意力都集中在村下的声线和歌词上,同时也更贴近歌者所表达的情感。

      那时的流行乐基本都是千篇一律的模式化轰炸,虽然也不乏佳作,但是过于雷同的作曲模式以及大量的平庸歌曲,还是让人有些审美疲劳。玉置浩二这样曲子质量数量都不错且曲风别具一格的音乐人蹿红也是理所当然。同样的,村下也是一位高产的音乐家,而其旋律也大多是优等作品,加之其浓重而忧伤的恋歌主题,恰好符合彼时纯爱盛行的时代的口味。从这张专辑中《初恋》和《踊り子》被广泛翻唱的程度(前者被翻唱近30次,后者最近的翻唱版本被选作《天降之物》动画片尾曲)来看,村下大叔的音乐依然广受欢迎。虽然这些翻唱版本大多并未抓住原曲的感人精髓,但是其旋律的美好却依然足以打动部分人。

      也许更多的人还是在林志美的《初恋》翻唱版本中感受到村下的魅力。毕竟中文要比日文更容易理解一些,这可能也是为什么周星驰的电影《食神》结尾处莫文蔚翻唱的那一段旋律会让如此多人牵挂于心。但就个人而言,还是觉得很有趣,因为很多日本男歌手的曲子都是被女人所翻唱了去,但是让我更加牵挂的,却总是大男人的原唱版本。

  • 2012-01-07

    Ottavio Dantone & Academia Bizantina《J.S.Bach Harpsichord Concertos》:仅有的替补者 - [古典回眸]

    专辑:《J.S.Bach: Harpsichord Concertos 》(2008)
    指挥/ 羽管键琴:Ottavio Dantone
    演奏:Academia Bizantina
    厂牌:Decca
    评级:★★★★

      在写这篇评论之前的几分钟,我曾以为我对这张专辑中的主角,Ottavio DantoneAccademia Bizantina 一无所知。在我的记忆之中,唯一能够和他们联系起来的是PinnockThe English Concert 的羽管键琴四重协奏曲专辑,召集的四位羽管键琴演奏者中,Ottavio Dantone 的大名就在其中。

      可正当我想要盖棺定论的时候,却在无意间发现自己已经领略过他们的风采。只不过当时自己并没有去刻意铭记,毕竟在这个信息爆炸的时代,一切都太容易获得了。再加上自己所需要去寻找的资料实在是太多,所以只记住几个顶尖的人物的作品就足够了,其他作品则只是听过即忘。

      不过我还是对Ottavio Dantone 和自己的第一次碰面有些印象。同样还是他和Accademia Bizantina ,只不过舞台并不是巴赫的键盘,而是维瓦尔第的指挥棒上:VivaldiOp.3 ,和谐的灵感。那时候他已经给我留下了一些印象,因为就我目前听过的Vivaldi 的录音版本而言,他还算是少数出众的一个。此前除了The English ConcertI Musici 外,基本上没有一个版本是让人感到满意的( 卡拉扬和维也纳爱乐乐团的四季版本除外) ,无论是节奏上还是力道上,都多少显得有些狂妄肆意。

      如果要求完美一些,这个版本其实是无法入围的,因为I Musici 的模板放在那里,即使要求稍微放低一些,也还是和The English Concert 有一定的差距。但是撇开那两座大山,你却不得不承认,也许Accademia Bizantina 的维瓦尔第版本没办法成为顶尖,但是和其他竞争者相比,他们还是有一定的优势和特色。虽然整体音色上不够圆润,速度上也不够稳定,但在情绪上,他们却懂得用鲜明突出的力道和速度上的变化来表现情绪的变化。虽然我并不喜欢让这种浪漫主义式的表现方式出现在巴洛克音乐上,但也不得不承认他们还算有些意思。起码比起其他毫无章法的浮躁录音版本来说,他们还能评得上一个“良”,虽然他们自己的节奏把握上依然不是很得我心。

      回头看看这张专辑,说实话这次他们的表现要比在“和谐的灵感”那次好上许多。不知道是不是因为巴赫的缘故,这次他们在演奏风格上有所收敛,至少没有显出当时摆弄维瓦尔第的那副张狂架势,演奏方式上内敛了不少。

      即使如此,这一回他们的表现依然算不上是上等。不幸的是,压在头顶上的又是上面提及的老对手:PinnockThe English Concert 。在巴赫的羽管键琴协奏曲这一块,Pinnock80 年代的作品已经成为了这个领域的模板。即使有如Karl Richter 这样的竞争者,也不免败下阵来,说实话,这并不是说Karl Richter 的版本不够优秀,而是因为他的版本并不优秀。

      即使没能撼动The English Concert 的地位,Ottavio Dantone 这回倒是能够傲视群雄一回了。多亏了这个鲜有人触碰的音乐地带,竞争者还不算很多,而闯进来的人却又没有领悟到这些协奏曲身上兼具的德国- 意大利气质而败下阵来。

      没错,这张专辑虽然有了一些进步,但是在演绎维瓦尔第的Op.3 时的毛病并未完全消失。力道和节奏上不够果断,风格有些优柔,在BWV1052 中,这些小毛病被放到最大,因为BWV1052 的德国气质明显和这种演绎并不十分搭调,这种演绎风格阻止了Ottavio DantoneAccademia Bizantina 前进的步伐。

      这种不徐不疾的演奏风格在其他三首更意大利化的协奏曲中却释放出了光彩,从整体的演奏中散发出一种恬淡优雅的气息,为专辑增添了一些端庄高贵的东西。这在BWV1053 中的羽管键琴演奏风格上明显的体现了出来,用灵巧这个词来形容Ottavio Dantone 的演奏手法,并没有任何高估的成分。

      虽然这张专辑现在更像是Pinnock 的一个候补版本,但是在这个连能够听得下去的演奏版本都寥寥无几的领域,能够有Ottavio Dantone 这样典雅的演绎诞生,也是幸事一件。至少偶尔还可以换换口味,就像听腻了I Musici 的维瓦尔第还有The English Concert 可以调剂一样。而这正是古典音乐迷费劲精力去拼版本的意义所在。

  • 2011-12-25

    稲垣潤一《30周年記念ベスト~テーマ・ソングス~》:又是一年精选时 - [主流之音]

    艺人:稲垣潤一
    专辑:《30周年記念ベスト~テーマ・ソングス~》(2011)
    厂牌:USMジャパン
    评级:★★★☆

    全碟试听

      好不容易稲垣潤一才争取到了这个机会。从20周年精选辑到25年精选,再到今年的 30周年纪念,稲垣潤一的歌坛履历如今愈发饱满,积累的金曲也越来越多。虽然这些更像是用来圈钱的纪念品,但同时却也在提醒人们,不要忘记稲垣潤一的存 在。当然,如果除去这些数字形式的纪念专辑的话,会发现,从83年至今,大叔已经发型了24张精选辑,几乎算得上是每年一选。如此下来,估计想忘记他都 难。

      这样一来,为稲垣潤一的精选辑写评论似乎变得有些毫无意义。就好像一个泛滥的流水线上的一堆雷同产品,你要挑其中任一个来写评论,都会显得有 些无趣。但是对于写过《ドラマティック・レイン》这种神曲的歌手,要完全无视他的精选还是有些难办。不过幸好目前我也只是听过他的25周年精选,所以还未 能体验一个收集了十来张精选辑再看到新精选辑的歌迷的心情。何况多数情况下我还是比较喜欢收集个人专辑,精选辑通常作为一个歌手的入门教材更为适合。

      稲垣潤一现在给人感觉更像是倚老卖老,精选辑和翻唱专辑两手抓,而新专辑的冲劲反而没有那么足。今年的新专辑《たったひとりの君へ・・・》虽 然带来了一点新东西,但是对于被他年复一年的精选辑狂轰滥炸的人来说,这恐怕已经难以吊起人们的胃口了。不过幸而稲垣潤一这30年来为自己积攒下了不少金 曲,年年精选不断有恃无恐的资本也来源于此。而且进入21世纪以来创作力也没有燃烧殆尽,这比起谭咏麟那票香港80年代歌手来说,无疑要好上许多倍。

      不过从目前来说,稲垣潤一还未真正出过一张绝对意义上的精选辑。如今过了五年,彼时的25周年精选明显像软件一样,已经显得有些过时。诸如 《ブルージン・ピエロ》、《セブンティ・カラーズ・ガール》等2009年的新曲子,需要等待一张更新的精选辑来收录,所以今年的这张精选辑也占了一些便 宜。只不过今年专辑虽然搭上了30周年纪念,但是主要的标题确是《Theme Songs》,其实就和中村雅俊的《SONGS ON TV》一样,是一张电视电影主题曲的精选辑。

      所以这次的精选虽然依然囊括了不少金曲,但是由于选曲的方向所限,并不能做成一张百分百完美的精选,至少从我自己的角度来看,25周年精选中 的《246:3AM》和《オーシャン・ブルー》没有入选,也说明这次的这张精选集并不是一张能够对稲垣潤一30年歌唱生涯盖棺定论的作品,充其量,就像标 题里说的那样,只是一张纪念选集而已。虽然我不会承认这张精选辑的重要性,但也不能否认里面的音乐的价值。

      只能说,这算是一张能打70分的作品,但是这类作品实在太多,听过就罢。另外补充一句,如果这封面能用在最后一张精选辑上,那么一定会很美好。

  • 2011-12-08

    《Bach: Organ Concertos BWV 592-596》:管风琴的周末练习 - [古典回眸]

    管风琴:Simon Preston
    专辑:《Bach: Organ Concertos BWV 592-596》(1990)
    厂牌:DG
    评级:★★★★

      过去常常会在听巴赫的羽管键琴协奏曲这件事上自嘲,弄的好像听这些曲子真就是一件丢人的事似的。毕竟对于部分对巴赫的严肃音乐有一定研究或爱好的人,恐怕会对这些意大利风格的协奏曲抱有一种居高临下的鄙夷心态。不过对我而言,这些协奏曲却如巧克力一般美味。本身对意大利协奏曲就十分喜欢,诸如Albinoni、Vivaldi等人在我眼中都是贵客,何况巴赫?但还是会不时摆出一副自嘲的姿态,似乎可以让自己听这些音乐的时候更为泰然。

      由于需要听的音乐种类和数量繁多,加之自己也让古典音乐坐冷板凳多年,如今提起羽管键琴协奏曲就觉得,这应该是部分严肃人士眼中的世俗音乐下限,却也忘记巴赫还有22首改编的独奏协奏曲。其中包括16首用羽管键琴演奏的曲子,以及六首用管风琴演奏的协奏曲。我想这些曲子可能会让一些人失望,因为这些曲子在某种程度上拉低了巴赫整体作品的平均深度,而且比起那14首键盘协奏曲,这些曲子的世俗音乐味道倒是更为浓重。

      但至少在巴赫改编的那9首维瓦尔第的曲子里,还是能够找到一些惊喜。如果没有巴赫的改编,无人会无聊到用管风琴或者羽管键琴改编维瓦尔第的作品,这也为我们带来了维瓦尔第的另外一种可能性。维瓦尔第的多产虽使其作品参差不齐且有千人一面的弊病,但仍不乏传世巨作,并让第一次接触协奏曲这个音乐体裁的青年巴赫惊叹,否则也不至于会改编如此之多的维瓦尔第的作品。虽然只是配器的改动,改编本身却也有一定效果,相对维瓦尔第的Op.3 No.11而言,Bwv596的管风琴演奏反而增添了不少魅力。管风琴的寂寥和庄严让原本忧郁的旋律披上了一层华丽的外衣,光彩也更为夺目。尤其是慢板部分,用管风琴演奏的效果使得原曲蒙上了一层宗教的悲悯色彩。

      BWV593改编后的光彩反而没有BWV596那么显眼,应该说效果中规中矩,但是因为原曲本身已十分精彩,所以成为管风琴曲后,旋律上倒也依旧美妙。只不过原来的Op.3 No.8给人留下的印象会更为深刻一些,无论是慢板,还是第一乐章,似乎原曲的音色听上去更为悦耳。至于BWV594,弹奏起来感觉倒更像圣咏,或许这是旋律本身的缘故。

      Johann Ernst王子的两首改编作品,虽然听上去不如维瓦尔第那般,旋律会显得更为稚嫩一些,但是管风琴的空灵音色倒也起了润色的作用,所以在这张专辑中,BWV592的旋律颇为精妙梦幻,加上旋律本身的温和气质,虽然显得有些像管风琴小品,但听来也十分入耳,不深刻但是也并无太多杂质在其中。BWV595倒是颇为欢乐,虽然只有一个乐章,但是水平倒也有些接近意大利的那些大师,算是小王子灵光一现的创作。

      这些曲子的目的,恐怕更多是用来练习管风琴演奏技巧,毕竟那时候欧洲的管风琴身形巨大,大多都镶嵌于教堂中,平日不可能演奏这些曲子。听这些曲子,不需要用太多精力,本来就是管风琴改编的协奏曲作品,享受享受这些旋律以及加诸在原曲上的美妙的管风琴音色即可。