• 2011-11-07

    New Age - [新世纪&纯音乐]

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    刊于《惠空港》2011年第六期,未经许可请勿转载

    若干年前,班得瑞就像一阵旋风,席卷了神州大地。这个瑞士乐队再次唤起了人们对 New Age 的关注。他们用其轻柔舒缓的旋律营造出纯净自然的听觉体验,赢得了大众的喜爱。作为当年在国内最具影响力的 New Age ,班得瑞连同神秘园、雅尼、喜多郎等一众音乐家对国人的 New Age 的启蒙做出了不小的贡献。

    但是在最近几年,有关“班得瑞乐团不存在”的说法盛嚣尘上。有网友晒出证据,试图说明班得瑞实际上只是台湾的厂牌炒作出来的虚构乐团:在维基百科上查不到班得瑞的资料,唱片资料网站 Discogs 上班得瑞的专辑《 Wonderland 》的出产地是台湾,有人就班得瑞和其名曲《 Annie's Wonderland 》问了 20 个瑞士朋友却无一人听闻过此乐队和此曲……再加上班得瑞的不少作品为翻作,并非原创作品,进一步证明这些说法并非空穴来风。此外,也有人反驳说班得瑞实际上存在,但不过是支二流乐队,所以在欧洲没什么名气。

    姑且不论班得瑞的真伪,但一个在国内如此红火的 New Age 乐团,在欧洲却没有多少名气,这多少让人有些匪夷所思。难不成这所谓的 New Age 难道也是国外的洋垃圾?

    起点

    让我们先把目光转向上个世纪。

    New Age 音乐的诞生,有一定程度上要归功于 20 世纪中后期得到迅猛发展的 New Age 运动。 New Age 运动是西方人离开理性时代、回到心灵探索的一个普世性运动。 在六七十年代物质主义熏陶下愈发空虚的西方人,在生活方式中最终做出了自己的选择。一些人选择在物欲中沉沦,以填补精神上的空虚;还有一些人选择了东方神秘主义和宗教哲学,通过学习和领悟,借此提高自己的灵性。

    这场精神思潮吸取了东西方宗教和哲学的传统理念,加入心理学、玄学甚至量子力学等学科的影响并加以融合。其涉及到的灵性、神秘学、替代疗法对现在的哲学、宗教科学以及人们的生活方式等各个层面均有不同程度的影响。而在音乐上,这种影响的具体体现,就是如今人们口中的 New Age

    简单来说, New Age 是一种能够让人心灵得到平静的音乐。但是从它的成分来看, New Age 似乎又显得复杂。从民乐到电子乐,从古典到爵士, New Age 的组成元素之广让人惊叹,但细细想来,又会发掘这其实和新世纪运动不谋而合:净化心灵的单一目的,融合多种东西方元素的博取众长的手法。

    Enigma

    不少人将 Enigma 看作是 New Age 的代表乐队,而实际上, Enigma 也确实是 New Age 中的佼佼者。 Enigma 翻译成中文意思为“谜”,用来描述这个乐队的风格再合适不过。在尤为天人的处女专辑《 Mcmxc A.D. 》中, Enigma 展示了其对音乐巧妙的融合手法。在代表曲目《 Principles Of Lust I - Sadeness 》中, Enigma 将格里高利圣咏和电子舞曲节拍搭配起来,并加入日本尺八的吹奏,在现在看来,这种混合手法无论用 New Age 角度还是电子音乐角度来看,都不再那么让人惊奇。但是想象一下,在 20 年前,无论 New Age 还是电子音乐都还在成长期时,这种音乐展示在大众面前,其效果用“惊世骇俗”四个字来形容并不过分。

    充斥在 Enigma 音乐中的那些宗教和心灵主题的讨论,也暗合了新世纪运动的根本核心。《 Principles Of Lust 》中女人的呻吟和对萨德的诱惑话语,和庄重的格里高利圣咏形成鲜明反差,音乐和歌词对基督教禁欲和人本身固有的欲望之间的对照的暗喻不言自明。第二张专辑《 The Cross of Changes 》的名曲, 96 年亚特兰大奥运会主题曲《 Return To Innocence 》中喊出的回归自然的口号,以及《 Silent Warrior 》呼应专辑主题,用印第安人的角度对白人和基督教的控诉,也和新世纪运动对基督教的批判立场保持了一致。

    Enigma 给后人树立了一个高度,但这个高度似乎过高,导致之后似乎无人能超越 Enigma ,再难找出第二个能将各种元素这般灵活的组合在一起的音乐人。至于 Enigma 自己,也在头几张专辑之后,逐渐沉沦下去,再无当初刚现身时的新意出现。

    World Music 的影响

    不少音乐家走的是世界音乐的路子,通过东方音乐来升华心灵。 James Asher ,这位英国音乐家一直在电音化的氛围音乐和世界音乐之间游走。他最具代表性的作品,《 Lotus Path 》,以 32 分钟的时长不断在印度风格的氛围声效和佛教徒的咏颂中循环。这种以循环为主的音乐手法在佛教音乐中一直存在。如今电子音乐惯用的循环手法也是在一定程度上受到了来自印度 Goa 地区的影响。当然,和 Medwyn Goodall 这类音乐家类似, James Asher 也并未局限于印度音乐范围,其他地区的世界音乐风格也在他的创作范围中。

    南欧和西亚风情也一直是 New Age 音乐家喜欢使用的素材。 Chris Spheeris 的音乐总是透出一股地中海的异域风情气息,这或许和他的希腊裔身份有一定关系。 Mehdi 则一直以其鲜明的节奏感、干净的合成器音色、恰到好处的循环效果为人们所称道,当然还有最重要的一点,就是其音乐中明显的西亚和地中海风格。当然,这块也少不了以凯尔特风格为主的 Enya Loreena McKennitt ,后者同时亦涉猎中东风格音乐。

    New Age 受到了东方神秘主义的影响,但最初是由西方人创造。但之后东方人也开始跟进,创造出自己的 New Age 音乐。在亚洲,日本人为这块地域的 New Age 竖起了旗帜。这个在各个音乐门类上都出人才的音乐大国,在 New Age 领域也做出了不小的成绩, New Age 厂牌和平之月就是他们的成果之一,通过这个厂牌,日本将吉田洁、京田诚一,贾鹏芳等人陆续推上世界 New Age 舞台。

    更加主流的存在

    由于 New Age 宽泛的定义和模糊的认定标准,使得 New Age 似乎无所不包——只要是能达到宁神静心效果的音乐,统统被划归到 New Age 的行列中。毕竟,静心不一定非要宗教或者世界音乐才能实现。更多时候, New Age 音乐和轻音乐有着千丝万缕的联系。

    这类音乐通常以钢琴曲或者原声乐器为主,以舒缓柔曼的旋律让人放松,而民族或者宗教成分在音乐中并没有多少体现。轻音乐从成分上主要受到古典音乐旋律的影响,当然也不乏流行音乐和爵士音乐等乐种穿插在其中。

    这其中,如班得瑞、神秘园、理查德克莱德曼等乐队或音乐人,最为符合这类特质。古典小品和流行旋律,这些因素在这两个乐队的音乐中都可以找到,除此之外, Kevin Kern George Winston Omar Akram 等人也是这方面的行家,其中 George Winston 更偏向于古典乐一些,而 Omar Akram 在编曲上更加灵活,而这三个人对于中国的广大电视用户来说,是不会陌生的——他们的音乐很早以前就被拿来做背景音乐,电视机因此成为了他们扬名的一个良好的平台。 Omar Akram 的《 Run Away with Me 》现在仍被央视用作天气预报的 BGM

    当然,也不乏 Ryan Farish Amethystium 这样用后摇滚或者电音作为修饰 New Age 的音乐人,这也为 New Age 的图景增添了几道新的色彩。

    从借鉴到被借鉴

    从弗兰肯斯坦一样东拼西凑产生的产物,到如今自成一派, New Age 的理念也开始输出。在一些 Trance 舞曲和 Chill Out 音乐中, New Age 成为了必不可少的烹饪用料。大多时候,氛围音乐的效果都是 New Age 中不可或缺的成分,这正好和 Chill Out 音乐相似,且两者的目的都是为了制造出一种柔曼舒适的听觉体验。

    在以地中海小岛 Ibiza 为主题的 Chill Out 合辑 Café Del Mar 系列中,可以听到不少带着 New Age 音乐运用的曲目。当然,不仅是 Café Del Mar 系列,在其他众多的 Chill Out 专辑或合辑中, New Age 也做到了无所不在的程度。几乎可以说, Chill Out 音乐中有相当一部分是 New Age 音乐在电子音乐领域的延续。

    至于 New Age 延伸到 Trance 舞曲的领域,这的确有点神奇,喧嚣的舞池和 New Age 似乎很难扯上关系。但还是有人那么尝试去“撮合”, Robert Miles 是其中影响最大的一个,当年他把 New Age 钢琴放在自己的舞曲之中,造成了极大的反响。虽然那时候他把自己的音乐标榜为 Dream Techno ,其实本质上也是混杂了 New Age 旋律的舞曲。

    除了 Robert Miles 外, DJ Chicane 也时不时会将 New Age 元素带入舞曲之中。虽然未像 Robert Miles 完全将 New Age 味道的舞曲作为主要手段。但 New Age 对舞池的侵蚀也就点到为止,更多时候 New Age 还是出现在 Chill Out 音乐领域之中。

    总结

    New Age 诞生至今,已五十余年,发展至今, New Age 已呈现出百花齐放的态势,听众因此有了更多选择的机会。神思者和理查德克莱德曼舒缓的轻音乐,原 Enigma 成员创立的 Gregorian 带来的格里高利圣咏, Chris Spheeris 的民族风味, Ryan Farish Amethystium 的空灵电音……随着技术手段的更新以及音乐制作理念的变化, New Age 得以保持推陈出新,不至于一直重复不变。

    由于 New Age 的定义过于模糊,使得其涵盖的音乐范围过大,给人一种随便什么音乐都能归到 New Age 的感觉,同时低门槛的 New Age 标准也让这个门类鱼龙混杂的现象颇为明显,门类下音乐良莠不齐的现状也让这个乐种的声誉受到了一定的影响,甚至有时人们会倾向于把 New Age 看作是咖啡馆背景音乐一般的存在。这有一定程度也要归结于真正有实力的音乐人的匮乏,以及超越 Enigma 水准的大牌的空缺。要等待 New Age 的新一轮复兴,恐怕还要假以时日。

    Tag:音乐 乐评
  • 2011-11-06

    J.S.Bach《6 Brandenburg Concertos/4 Orchestral Suites》:除了羽管键琴,还有什么能拯救你们 - [古典回眸]

    http://img3.douban.com/lpic/s3498897.jpg

    作曲:J.S.Bach
    专辑:《6 Brandenburg Concertos/4 Orchestral Suites(1989)
    指挥:Trevor Pinnock
    演奏:The English Concert
    厂牌:Archiv/DG
    评级:★★★

      我这人的习惯比较奇怪,一旦认准了一个品牌,之后就死心塌地的只去用这个牌子的东西。在买衣服这一点上,这种显得有些愚蠢的忠实表现的最为明显。可能是习惯和好感所趋,不管怎么说,我倒是不觉得这是一种坏毛病,只是有时显得有些固执和不变通而已。当然,现在会比以前稍微好一点,不过也多半是因为我认准的那个品牌还未能达到我的标准,才让我开始去选择其他的牌子调剂口味。

      巧合的是,我的这种复杂的情绪在 Trevor Pinnock The English Concert 身上又一次表现了出来。作为我买过的第二张 DG 公司的唱片,这些英国佬的作品即使在现在看来也仍然是音乐界得标准演绎典范。巴赫的羽管键琴协奏曲不乏多样的演绎方式, Holliger 的双簧管协奏曲和 Schiff 的钢琴协奏曲版本,同样为这些古老的音乐穿上另一层外衣,其效果也颇为精妙。但谈及最为标准的作品演绎,还是非 Trevor Pinnock The English Concert 的那套录音莫属。

      不过说实话,这次这些英国佬们带来的作品,还是不免让我有了点小失望。

      或许是我的要求太过苛刻,因为粗略听来,这张唱片应该算是上乘之作。基本上可以听得出巴赫音乐中的一如既往的那份厚重规则以及受到意大利音乐影响后的热情元素。同时作为一个规模上偏向于小型的乐团, The English Concert 保留了巴洛克时期的演奏阵容规模,而这也是想要听到纯粹的巴洛克音乐的听众所期望的——规模和乐器音色尽可能的“复古”。这一点也为他们在演绎巴赫羽管键琴协奏曲时取得成功奠定了听觉基础。

      但除去那次成功,其他时候, Trevor Pinnock The English Concert 却显得有些让人迷惑。先前听过他们的巴赫小提琴协奏曲的版本,过快的速度,让人感受不出巴赫的稳重和美感,一切似乎都在急匆匆的行进中完成,人们还未来得及咀嚼,那些音符便全数灌进了人们的耳朵里。这次的勃兰登堡协奏曲虽不至于像小提琴协奏曲那样让人莫名,但是仍然有一些瑕疵。例如第一号和第三号的第三乐章,不由让人重又想起小提琴协奏曲那种赶时间的不良感觉。如果能稍微在速度上缓一些,或许效果会更佳?

      除去速度的突兀,某些桥段的演奏过于机械性,也是让人感觉不舒服的一个原因。那些僵硬的过渡衔接,让人想起那些机械钢琴或者 MIDI 演奏,这使得专辑本身未能显出更多的灵性,虽然比起他们的小提琴协奏曲来说进步不少,但是和其他版本比起来,这种弱点还是让人无法不去注视。或许是因为 Trevor Pinnock 本人的羽管键琴演奏身份,在第五号勃兰登堡协奏曲中羽管键琴的音量倒是颇为响亮,这和 Ton Koopman 指挥的巴赫小提琴协奏曲情形类似, Ton Koopman 本人也是一位羽管键琴演奏家。也可能正因为此, Trevor Pinnock 才将演奏羽管键琴的思维贯彻进这音乐之中。看来这群英国人并未具备 I Musici 那意大利风味的热情而自然的演奏才能。毕竟,勃兰登堡协奏曲也是受到了意大利协奏曲的影响。

      至于管弦组曲,倒是比勃兰登堡协奏曲的演绎水平高出一些。但这并不代表值得诟病的地方。但那种弹性的演奏方式在这里还是未能得到贯彻, BWV1067 整首曲子那昏昏欲睡般的缓慢,看上去似乎很优雅,其实还是有些刻意矫饰的感觉,显得不是特别自然。

      总体而言,整张专辑演奏中规中矩,还是能被划归到中上乘的录音作品之中,但总让人感觉缺少了些灵气,刻意雕琢的匠气暴露无遗。加上他们的小提琴协奏曲给我留下的深刻印象,或许我还是一心一意的欣赏 Trevor Pinnock The English Concert 的羽管键琴协奏曲更为靠谱。

  • 2011-10-05

    Ton Koopman《Bach: Violin Concertos》:非巴洛克化的巴洛克演绎 - [古典回眸]

    http://img3.douban.com/lpic/s3305101.jpg

    专辑:《Bach: Violin Concertos》(2007)
    指挥:Ton Koopman
    独奏:Monica Huggett,Alison Bury
    演奏:Amsterdam Baroque Orchestra
    厂牌:Erato
    评级:★★★

    全碟试听

      听了那么久的巴赫,到头来比较少去听的作品,竟然还是这三首小提琴打头的协奏曲。不过这并不是代表我不尊重巴赫代表作,事实上,个人最早听到的巴赫作品,便是这三首小提琴协奏曲。不过不知是否是个人口味的问题,除了BWV1041以外,对另外两首协奏曲,尤其是BWV1043,感觉不是特别强烈。相反,倒是对巴赫的那些意大利风味的Harpsichord协奏曲十分感兴趣,或许是因为那几首曲子过于严肃才不是很有感觉?总之,这几首并不十分意大利风味的协奏曲始终被我冷落着。

      这不妨碍我时不时去找这几首协奏曲去听,只不过目前碰到的大多版本听起来都不够味道。本身曲子的魅力就中规中矩,再碰上一个没味道的演奏版本,那就让巴赫更加情何以堪。当然,这次找到的这张专辑在表现上倒是稍微好了一些。当初在专辑封面看到Ton Koopman的大名时,自己就稍微宽了宽心,毕竟看到一个在巴赫音乐里的老牌子演奏家,多少也会放一点心。主攻巴赫音乐的人来演奏巴洛克,多少比那些四处涉猎的演奏家来玩要好得多,Felix Ayo和Trevor Pinnock就是典例。

      不过这回Ton Koopman的表现却并未给巴赫的这几首协奏曲加多少分。毕竟他演奏Harpsichord确实留下了一定的口碑,但是作为指挥倒是表现平平。至少个人愚钝的耳朵并未感觉到有什么特别之处,唯一的亮点恐怕就是他负责的Basso Continuo声部的音量比通常的版本稍微大了一些。小提琴演奏部分的两位女士,在这支曲子的演绎上也表现出一些不合胃口的地方。部分段落的扭捏和不干脆,仍然是许多非专攻巴洛克人士的通病。如果放在浪漫主义古典里面,这种演奏倒也无可厚非,但是放在巴洛克协奏曲里面展现,总是透着一股子古怪的味道。

      当然,或许这是个人口味有些特别导致的吹毛求疵,但是有Felix Ayo和I Musici在先,这让人产生一种先入为主的印象。由于巴洛克的旋律风格,导致其更适合巴洛克时期的演奏要求,所以更多时候,那些鲜明律动且规整的演绎,听上去反而更为舒适悦耳。就像Felix Ayo演绎的那些巴洛克协奏曲那样,感情充沛,节奏又不显得杂乱随意。在严谨的节奏中又不缺乏热情,这种结合堪称巴洛克音乐的完美典范。

      有趣的是,即使在节奏上做不到干净利落,这张专辑在抒情上也完全没有任何亮点。如果说巴赫的小提琴协奏曲没有意大利协奏曲那么鲜亮,那也罢。但是这张专辑里BWV1041的第二乐章,其小提琴Solo表现之干涩,恐怕也不是德国意大利地域风格差别能解释了的。在这个乐章中,完全听不出小提琴展现出的情感表达。而管弦乐团那仓促的节奏,也让独奏者糟糕的表现更加雪上加霜。没有活力的旋律,好似没有血液的皮肤,苍白得惨不忍睹。

      虽然这张专辑并未像我听过的其他版本那么干瘪,但是毫无疑问这也并不是一张上乘之作。就目前而言,在非巴洛克专业户里,还真没有几个能把巴洛克协奏曲演绎出味道出来的。虽然Ton Koopman还能让人给点面子,但是这两位女士的小提琴演绎还是干瘪平淡了点,更不用提Ton Koopman本身的指挥水准了。

  • 2011-10-02

    Smooth Jazz - [爵士派]

    http://s11.allstarpics.net/images/orig/l/8/l8cdhu0jsy6wj0yd.jpg

    刊于《惠空港》2011年第五期。未经同意不得随意转载。

      如今, Smooth Jazz 已是惬意和放松的同义词。虽然 Smooth Jazz 仅仅是 Jazz 众多风格中的一种而已,但有的时候,它仍然可以被看作是 Jazz 的一个重要风格。当然,这更多时候针对的是那些对流行化的 Jazz 并不厌烦的人,对于纯粹主义者而言, Smooth Jazz 恐怕并没有多少吸引力。只要回顾一下 Pop Rock Pop Punk 等音乐类型的处境,就大概可以联想的到 Smooth Jazz 的尴尬处境了。流行化的处理通常会被认为过于流俗, Smooth Jazz 本身水准的良莠不齐同样让人诟病。这样一来,人们对这个乐种有成见也就不足为奇了。

       好在 Smooth Jazz 并非那么无可救药,虽然 Smooth Jazz 是在对爵士乐的流行化探索中诞生。回望 1967 年,爵士吉他手 Wes Montgomery 在当年的专辑《 A Day in the Life 》中将 The Beatle 的《 Eleanor Rigby 》改编成了爵士乐。这种改编早就不是什么稀奇事, 20 世纪初,这种将流行歌曲改编为爵士乐的手法就屡见不鲜。但这一次, Wes Montgomery 却做了一点小变化:他给原歌曲的流行旋律里增加了一些即兴演奏,而先前对流行音乐的改编并没有触及旋律本身。若在现在,这首曲子多少显得有些旧式 ( 至少弦乐是如此 ) ,但是电吉他的即兴部分却历久弥新,即使是在 33 年以后, Ronny Jordan 的《 A Brighter Day 》中,那吉他的即兴旋律手法和当年 Wes Montgomery 的表现也是如此相似。 Wes Montgomery 在之后的两张专辑中又故技重施,又带来了几首手法类似的改编曲目,反响依然不错。 Wes Montgomery 的唱片制作人 Creed Taylor 由此看到了机会,他自立门户,创立了厂牌 CTI(Creed Taylor Incorporated)

       出于商业目的考虑, CTI 所做的唱片大多偏向于流行风格,这也使得其受众面更多由流行乐迷而不是爵士乐迷组成。虽然 CTI 并不只出品 Smooth Jazz 唱片,但这并不能抹杀它对 Smooth Jazz 的推动作用,如 Grover Washington Jr. George Benson 等人皆在 CTI 出过唱片。如此下来,至 70 年代末期时, Smooth Jazz 的地位已然确立, Earl Klugh Grover Washington, Jr Bob James George Benson 等一批 Smooth Jazz 乐手稳固并发展了这个乐种。之后的事情则十分明显: Smooth Jazz 存活至今,依然富有生命力。

       历了这数十年, Smooth Jazz 并非没有变化。只不过它不像其他乐种那样经历了非常大的变化而已。虽然前人将流行旋律爵士化得到了早期的 Smooth Jazz 成品,但因为是刚刚出现,所以变革的机会还有很多。至少在前人口中的先锋,在如今我们的眼中,已经不再显得那么惊世骇俗,甚至于有些单薄无味。比如 Grover Washington Jr. ,现在虽然有不少人将其归于 Smooth Jazz 的先人之一,但是在 1980 年的《 Winelight 》中,我们所看到的也只是一张带着浓厚流行旋律的爵士专辑。彼时的音乐和如今的 Smooth Jazz 音乐相比,旋律编曲处理上多少有些老土陈旧,爵士化的处理也保留了不少,和今日更加简单流行化的风格有一定差异。若用一个词来说,那就是:规规矩矩。这并不意外,一个乐种的变迁,总是从刚开始的摸索到后期的逐渐成熟,前人时长会扮演一个台阶的作用。所以在一个时代过后,再回望一些前人的作品,会发现那些音乐的意义已经超过了音乐本身的艺术性和价值。

       除了在白人流行歌曲中汲取灵感,还有其他的探索模式,例如 Funk R&B 。这在八九十年代的 Smooth Jazz 中被广泛应用。在今日,受到 R&B 音乐影响的 Smooth Jazz 也随处可见,只不过更加精致一些,不至于像过去那么简单和老旧。 George Benson 的许多八九十年代作品便是在 R&B 旋律的浸泡下包装出厂,不过八九十年代的 R&B 在如今人看来可能不太好消化,所以在那个时期 R&B 影响下的 Smooth Jazz 也同样有些过气。如今如 Boney James 等人也在坚持 R&B 的制作手法,得益于 R&B 的变化,新时期的 Smooth Jazz 乐手的旋律不会像老前辈那样,至少更加符合今人的口味。 George Benson 2004 年的专辑《 Irreplaceable 》也证明了这一点,这一次,随着 R&B 内核的升级,《 Irreplaceable 》的风味也随之升级。但是他仍然没有改掉他最为诟病的一点——几乎完全套用 R&B 音乐的偷懒手法。这使得 George Benson 的音乐多少显得缺少创意,过于流行空洞。

       现在的乐手多是将 R&B 和流行音乐的影响融进音乐中,在爵士乐的辅佐下做出更加 Fusion Groovy 的产品,至少像 George Benson 那样偷懒的作品如今已不再是主流。在这样一个时代,除了 Peter White David Benoit 外,优雅的 Chris Botti ,电气化的 Paul Hardcastle 、融合派的 Pat Metheny 和回归复古本源的 Ronny Jordan 都活跃在这个音乐舞台上, George Benson Boney James 那些略显平凡的 R&B 作品实在难以适应人们愈加挑剔的口味。

       R&B 带来的惯性思维的导致如今大多数的 Smooth Jazz 套路化的生产运作,这种泛滥程度之高,以至于当 Chris Botti 出现时,人们都被那独树一帜的优雅风格所吸引。 Chris Botti 走的路子却是不一般,带着一把带着弱音器的小号,吹奏出的旋律流行味道十足。和那一票 Smooth Jazz 乐手不同,他的风格更像是被流行旋律浸泡过的 Chet Baker ,带着 Cool Jazz 的清雅浪漫,同时不失流行音乐的本色。当听着《 Lisa 》这首曲子时,你真的会怀疑,这也是 Smooth Jazz ?它很迷人,迷人的让人觉得将这种档次的音乐归到 Smooth Jazz 有些太失格调。

       这么讲 Chris Botti ,实在有些贬低 Smooth Jazz 的意思。但事实就是事实,即便 Smooth Jazz 已表现出多元化的趋势,但是优质的 Smooth Jazz 仍然稀缺,更多时候, Smooth Jazz 表现得良莠不齐。即便是声明显赫如 Peter White Chuck Loeb David Benoit ,也不能完全保证音乐水准能够坚持不变。 Peter White 的《 Caravan Of Dreams 》, Chuck Loeb 的《 #1 Smooth Jazz Radio Hits 》和 David Benoit Russ Freeman 合作的《 Benoit/Freeman Project 2 》虽然都为 Smooth Jazz 撑起了一块门面,但是如果去听听他们其他时候的作品,就会发现一个事实:灵感并非随时随地会出现,这种借口式的解释用在 Smooth Jazz 乐手上真是太合适不过了。

       真正有格调的 Smooth Jazz 作曲家只有三个: Chris Botti Ronny Jordan Paul Hardcastle 。前者前面已经介绍过,这里不再多说。至于 Ronny Jordan ,或许正是他的黑人身份以及扎实的爵士功底 ( 而不是流行功底 ) ,才让他的 Smooth Jazz 听上去十分的浑厚,同时又不至于那么流俗。虽然有《 A Brighter Day 》这样一首神曲诞生,但是更多时候,他是以 Acid Jazz 乐手的身份出现。这点让人有些遗憾,如果他专注于 Smooth Jazz 的话,或多或少会改变一下这个乐种的颓势。

       Paul Hardcastle 则是又一个异类。说他是电音弄潮儿并未夸张,在 80 年代,他就用合成器制作器乐 R&B 音乐,但是他真正的成熟期是在 90 年代,那时他的拳头系列《 The Jazzmasters 》系列已经开始运作,另外一个代表系列《 Hardcastle 》也在 96 年开始面世。相对而言,前者的爵士乐味道更重一些,而后者在电音的运用上要更加独到。虽然有《 The Jazzmasters II 》这样的杰作面世,但是《 Hardcastle 》系列更深得人心。《 Hardcastle III 》那混杂着 R&B Chill Out 的旋律冲击耳膜,不免让人诧异电音和 Smooth Jazz 结合竟然有如此大的魔力。到了《 Hardcastle 4 》这里, Chill Out 的元素被淡化,经过电音修饰的 R&B 效果华丽而迷人。可以说,将 Smooth 这个词发挥到极致的,也只有 Paul Hardcastle 了。

       但是即使有如此魔力,在大环境下 Paul Hardcastle 也未能免俗,在经历了多年的爬升积累,在《 Hardcastle 3 》和《 Hardcastle 4 》中达到巅峰后,他便慢慢失去灵气,所以严格来说,在 Smooth Jazz 这一块,真正意义上的大师几乎是不存在的。

       不必为此而感到沮丧。即使如今一个真正意义上的 Smooth Jazz 大师的人仍然未出现,但并不意味着 Smooth Jazz 没有佳作诞生,只不过没有一个“完整的”大师的时期,我们寻找优秀作品的过程会更麻烦一点。等待 Smooth Jazz 崛起的路还有很长,幸好已经有一些优秀作品可以聊以自慰。从这点上看,作为听者的我们仍然是幸运的。

  • 2011-09-18

    Ojos de Brujo《Aocaná》:被旋律招安的Flamenco先锋 - [世界音乐]

    http://img3.douban.com/lpic/s3734476.jpg

    艺人:Ojos de Brujo
    专辑:《Aocaná》(2009)
    厂牌:Warner Bros.
    评级:★★★

    全碟试听

      作为一个以Flamenco为主要风格的乐队,Ojos de Brujo没有走上传统Flamenco的老路子,也并非加入Armik的阵营,成为那和New Age音乐相似的New Flamenco音乐中的一员。虽然和大多数现代西班牙乐手一样,Ojos de Brujo也不排斥将其他音乐和Flamenco融合起来,但是他们身上的年轻和流行气息,却让他们走上标新立异的路子。

      即使和他们相似的Chambao,其将Flamenco和电音融合起来的做法也未能超越Ojos de Brujo的前卫程度。能把Flamenco吉他和时髦的Hip-Hop放在一起调制音乐,很前卫时髦也很先锋实验。在《Barí》时期,这种感觉最为强烈。若只是把New Flamenco的旋律加上Hip-Hop也罢,但是他们却把本源的传统Flamenco拿出来做配料和说唱融合,说不惊奇那绝对是假话。想法很前卫,效果很先锋,音乐很时髦。最终结果是,Allmusic毫不吝惜地给了Ojos de Brujo的头两张专辑四星高分。

      不过2009年的新专辑《Aocaná》似乎并不受评论家待见,Allmusic这次只给了两星半的分数。总体来说,和凶悍个性的前作相比,《Aocaná》的圆润温雅多少显得有些缺少新意。传统Flamenco的吉他扫弦,冷酷直接的Rap段落,还有不时闪现的中东情调,在这里变得模糊起来。虽然在《Donde Te Has Metio (Con Tote King)》这样的曲子里,他们一贯的Rap一息尚存,力度上却打了些折扣。过去《Quien Engaña No Gana》中那种中东+西班牙+Hip-Hop的酷劲儿在这次的专辑中恐怕也难寻踪迹。头两张专辑中的重头戏——原味Flamenco吉他,味道也是大打折扣。

      不妨将这张专辑的变化看作是一次旅行,只不过这次不是在时间的过去和现在中旅行,而是在大海的这头和那头。这张专辑失去了部分西班牙的特质,但却获得了新的音乐灵感来源——拉丁音乐。可以看出,这次拉丁音乐的影响已经覆盖了整张专辑,要不然他们也不至于如此的旋律化,并且洋溢着旋律的舒适感。有段时间我误认为是他们的流行化,如今才顿悟,拉丁音乐原来也起到了助推的作用。

      可现在也只能说受到的拉丁影响较之以前多了一些,而不是反客为主。西班牙的旋律味道仍然占了主导地位,主唱的旋律仍然在Flamenco的范围内。音量被刻意的减弱,并不意味着能够把Flamenco吉他旋律完全无视,譬如在《Correveidile (Con Chano Dominguez)》中想找到拉丁音乐的影子就有些艰难。再加上《Rumba Del Adios》拉丁音乐味道过于浓重,使得其他曲子本来稀薄的拉丁气息也被其掩盖,这些因素使得我一直未能察觉到乐队本身的拉丁化倾向。不过,《Nueva Vida》本身的爵士化倾向以及拉丁小号的加入,还是透出了一些融合的信号。这估计和自己极少去听传统Flamenco有一定关系。如今听得多的都是与拉丁和爵士元素融合的New Flamenco,不知不觉的,就习惯了带有拉丁味道的现代Flamenco。

      拉丁化并不能完全解释专辑整体的流行化。专辑整体的温和化旋律让音乐本身变得更加悦耳舒适,虽然没有了过去的冲劲儿。传统Flamenco吉他消失不见,冷酷的RAP也坐了冷板凳,乐队把传统西班牙音乐中的生涩元素淡化,并且抛弃了干瘪的说唱元素,将悦耳的旋律留了下来。乐队停止了艺术上的探索,但听众的耳朵却得到了抚慰。说实话,那些Hip-Hop的出场机会大幅减少,还是让我感到有些高兴,毕竟它们还是过于少年心气了(主要是Rap,Scratch我倒是并不抗拒)。Dragon Ash也是从曾经的朋克和金属慢慢走向了更加温和的融合路线,但是无疑他们一直在成长。

      少了先前特立独行的先锋气质,Ojos de Brujo变得更加温和平静,爵士乐和拉丁乐逐渐取代原先传统Flamenco吉他和Hip-Hop的位置,让人感觉他们似乎由原先的躁动变得成熟了一些。在音乐的旋律上,他们有一定的进步,但是在音乐的力道和深度上,个人认为他们的进步并不明显,他们还有很长的路要走,不过即使作为一个主流的Flamenco乐队来说,这种风格却也十分招人喜爱。