• 2012-07-01

    Trevor Pinnock/English Concert《Vivaldi Concertos》:他们几乎就要成功了 - [古典回眸]

    演奏:Trevor Pinnock/English Concert等
    专辑:《Vivaldi Concertos》(2001)
    厂牌:Archiv
    评级:★★★★

      一套5CD Box Set ,冠名为Vivaldi Concertos ,初看这名字或许会有些疑惑,这会不会又是那种不是特别专业的入门类别唱片?但若看到封面赫然印着的Trevor PinnockThe English Concert ,那悬着的心多半就落了下来。毕竟前面的两个名字可是巴洛克古乐的一枚商标,本来看起来可能有些初级的选辑顷刻间就变得收藏价值十足。喜欢巴洛克音乐的人,对于Trevor PinnockThe English Concert 的那些巴赫音乐的录音恐怕不会陌生。德国音乐在一个英国人手上焕发光彩,虽然听起来有点奇怪,但Trevor Pinnock 的巴赫录音是杰作,已是不争的事实。

     

      看到封面右下角的“Collectors Edition” ,心里就稍微有了底。这套Box Set 估计和之前的Harpsichord Concertos 的路数一样,又是将几年里分别录制的单CD 碟整在一起变成Box Set 来售卖。每张CD 封底的出版时间最终印证了之前的猜想,不过如此一来,也说明这套选辑中每一张CD 当年都是单独出版发行,至少其整体感比起那些入门级的金曲大杂烩强上不少。再说套装收藏也要比收单张CD 简便的多,之前能够一网打尽。

     

      选曲上还算满意,维瓦尔第最优秀的作品集Op.3 作为CD4CD5 出现,Op.10 的六首长笛协奏曲则出现在CD5CD1CD2 则精选了维瓦尔第的一些协奏曲,更可贵的是他们并没有让CD1CD2 充斥着维瓦尔第的小提琴协奏曲,而是混入了不少管乐协奏曲。大师的小提琴协奏曲固然是声名在外,但管乐协奏曲在音色上却更加活泼,而且清一色的小提琴也难免让人有腻烦之感。巴洛克时期的一个可贵之处就是不像后期除了钢琴协奏曲就是小提琴协奏曲,而是充斥着各种编制各种音色的协奏曲,这或许有部分原因是应对巴洛克的室内编制乐团采取的灵活曲式,但相比后期曲式上的单调,这些巴洛克协奏曲显得异常生动。

     

      Trevor Pinnock 试图在维瓦尔第身上延续他们在巴赫那里获得成功的秘诀。始终如一的典雅风格,使得他们得以和那些肆无忌惮想在巴洛克音乐上表现个性的指挥家和演奏家拉开距离,后者试图用浪漫主义的自由风格来改写巴洛克音乐的表现形式,但最终往往破坏了巴洛克音乐内在的均衡感和节奏感。用浪漫主义的表现手法连接巴洛克的音符,虽然有新意,但难免会有一种串味的感觉,同时也使得巴洛克音乐本身变得和浪漫主义音乐一样腻歪起来。即使是和古乐派相比,Trevor PinnockThe English Concert 的平稳雅致的演奏也使得他们得以占据中上游的位置。

     

      如果撇开I Musici 的存在,The English Concert 几乎就要成功了。不幸的是,这个意大利乐团的存在最终让The English Concert 暴露了自身的英国味道。自50 年代起,I Musici 以他们一贯的华丽风格成为了诠释维瓦尔第的不二人选,而这种华丽在英国人的清淡风味面前显得更加浓烈。维瓦尔第音乐中的热情,早在五六十年代就在I Musici 的录音中被定了型,他们1962 年录制的Op.3The English ConcertOp.3 录音顷刻间沦为二流水准。作为听众,你是愿意选择一个淡雅而不激烈的英国维瓦尔第,还是富有激情的意大利维瓦尔第?I Musici 那些颤动而极富情感的小提琴琴弦,现在看来依然是不可战胜的。

     

      如果说在理智的巴赫面前,The English Concert 的风格可谓相辅相成的话,那么奔放的维瓦尔第可就没有那么好驾驭了。不过话说回来,虽然I Musici 的维瓦尔第已经是无法逾越的大山,但是相比那些毫无章法的维瓦尔第录音,The English Concert 依然有傲视群雄的资本,他们的中规中矩放在如今反而变成一种难得可贵的品质。毕竟,不是谁都能像I Musici 那样收放自如,将激情倾泻而出时能够使其保持稳定,而不至于失去控制。

  • 2012-07-01

    维瓦尔第的复兴 - [古典回眸]

      巴洛克音乐中,维瓦尔第是必不可少的一道主菜。和巴赫和拉莫等法德键盘艺术家相比,维瓦尔第的光彩可能会稍嫌逊色一些,不可否认前两者的音乐深度确实要高过后者,使得部分人认为维瓦尔第过于“流行化”。虽然有着四季协奏曲为其撑起门面,但也不能完全否认标题在其中起到了多大的助推力。至于被其20 世纪的同行达拉比克拉批评“将同一首协奏曲写了五百次”,却也未必是无端指责,从其海量协奏曲作品之间的相似度这点来看,维瓦尔第确非完全无懈可击。

     

      仅仅因为这些理由,就无视维瓦尔第的音乐,恐怕会让你错失巴洛克音乐中相当一部分的优秀作品。试想,若维瓦尔第真像其反对者所述,竟会如此平庸,为何同时代的巴赫竟会对其推崇备至,并挑选了10 首维瓦尔第的小提琴协奏曲,将其改编为管风琴和羽管键琴作品?既然如今巴赫已被尊为音乐之神,难道其品味和眼光竟会大失水准,会对一位“将同一首曲子写了五百遍”的平庸作曲家如此喜爱?

     

      其实论旋律的流行度、流畅度和舒适度,在巴洛克时期维瓦尔第已经可以称得上是数一数二的作曲家。虽然其海量的作品中让人偶尔会感觉隐约透出“雷同”两字,但其音乐中海量的热情,却令人无法不为之动容。无论是欢快的大调,还是忧郁的小调,总有一种鲜活的能量从不断变换的音符之间流露出来。这种感觉,想必许多人早已从四季协奏曲中体会到。那首耳熟能详的“春”的第一乐章中,如火一般的绚烂与奔放,不免让人联想到作曲家鲜明的红色头发,仿佛维瓦尔第的活力源泉是与生俱来一般。

     

      在其作品集第三号“和谐的灵感” (Op.3,L' Estro Armonico) 中,这种感性的表达方式被体现的淋漓尽致。也许会有人认为Op.3 没有Op.8 那么有名(Op.812 首协奏曲的前四首便是“四季”) ,毋容置疑,没有四季,就没有今日维瓦尔第在大众领域的名气。但在维瓦尔第的浩瀚作品中,四季充其量只能算是中等水准,维瓦尔第真正耀眼的作品,依然集中体现在Op.3 即“和谐的灵感”中。四季虽然本身不俗,但的确沾了“标题”的光才得以飞升的如此迅速。标题音乐的风气本来是由古典时期开始产生气候,而到浪漫主义时期才真正滥觞,彼时勃拉姆斯以回归纯音乐为口号,没有让自己的作品沾上任何标题,倒也让听众有了一个自由发挥想象的空间,而不是被标题所引导,束缚了想象力。由此看来,因为“四季”这个名字,Op.8 的这四首协奏曲的确从维瓦尔第给予的标题里得了不少便宜。

     

      标题带来了便利,但并未成为绝对优势。和巴赫曾拿来改编的a 小调双小提琴协奏曲(Op.3 No.8)b 小调四小提琴协奏曲(Op.3 No.10)d 小调双小提琴和大提琴三重协奏曲(Op.3 No.11) 这三首作品相比,四季依然显得流行了些,但深度上无法与后三者相提并论。后者凝聚的悲怆情感可谓是维瓦尔第所作协奏曲中的极致水准。包括前面提到的三首曲子在内,巴赫共将Op.312 首曲子中的5 首改编为大键琴和管风琴协奏曲,由此可见Op.3 在维瓦尔第作品表中举足轻重的份量。

     

      和维瓦尔第相比,其他巴洛克作曲家大多在优雅和精致这两点上有所建树,在激情上,除了阿尔比诺尼比较接近维瓦尔第外,其余均无法和维瓦尔第相比较。巴赫也只能用自己创作的第一号羽管键琴协奏曲(BWV1052) 以及第一号羽管键琴三重协奏曲(BWV1063) 在协奏曲方面取得了一定的地位,但依然是以其一贯的理性风格胜出,而其余带有明显意大利风格的协奏曲作品,其感性表现上显然无法和维瓦尔第相媲美。

     

      维瓦尔第生前事业和生活还算是比较光鲜,其音乐能远赴德国也从侧面证明了这一点。维瓦尔第找的第一个工作是神父,而且还因为一头红发被人们称为“红发神父”,不过他仅仅做了一年半就告别了神职,转向音乐教师的行业,或许对他来说音乐事业更富有吸引力且更为自由。后来他的《和谐的灵感》在1711 发表,使得他在欧洲获得了一定影响力,也证明他先前选择放弃神职这条道路极为明智。看来维瓦尔第要比巴赫来的幸运得多,后者当时并未有多少音乐影响力,生命的最后27 年在莱比锡做教堂乐长薪水仅能糊口,而且工作中似乎还不是很顺心。

     

      但讽刺的是,他享有的名气和影响力以及那些富有活力的音乐作品,似乎随着他本人孤苦伶仃的在维也纳逝世后,就在大众的视野中一同消失不见,以至于竟被世人遗忘了200 年之久,而曾受到维瓦尔第影响的巴赫,则在19 世纪中期,由于孟德尔松的大力推广,已重新进入大众的事业并被广泛认为是一位巨人。由于后来音乐学者对巴赫那些改编的协奏曲的研究,维瓦尔第的作品才被连带挖掘发现,重现于世人面前。这的确要感谢巴赫对维瓦尔第的喜爱,若不是巴赫,说不准维瓦尔第还要这样继续沉沦多久。

     

      维瓦尔第在其音乐重见天日后得以迅速进入大众视野,他的代表作品四季协奏曲功不可没。四十年代四季协奏曲黑胶录音的诞生,使得维瓦尔第的影响力开始逐渐复苏。截止2011 年,四季协奏曲已经有1000 种以上不同的录音版本存世。四季协奏曲成为了一个优质的培养皿,各色形态的作品纷纷在此基础上诞生。

     

      现如今再回想起I Musici 录音演奏的处女作专辑,维瓦尔第的“四季” ,多少会觉得Felix Ayo 的指挥还显得略微稚嫩了些,虽然古乐团的乐器音色和室内笑编制会更贴近巴洛克时期的乐团原貌,但1959 年的那次录音却未免过于正襟危坐,也许是为了贴近优美的四季自然风貌,使得演奏风格稍嫌拘谨,虽然在部分乐章中还是可以看出些许后期I Musici 的灵动。最后附加的E 大调小提琴协奏曲(RV 271) 也已典雅的旋律为主,可见当时I Musici 更注重于把专辑做成类似莫扎特的优雅可人的旋律风格。显得有些入门级,但他们和其他四季的演奏者一同,将维瓦尔第推向大众,同时激起后者对于这位被冷落了两百年的作曲家的新兴趣。

  • 2012-06-10

    I Musici《Albinoni: Complete Concertos, Op. 9》:双簧管的主场 - [古典回眸]

    演奏者:Heinz Holliger/I Musici
    专辑:《Albinoni: Complete Concertos, Op. 9》(1997)
    厂牌:Philips
    评级:★★★★

      就当下的古典音乐而言,对于巴洛克,人们记住的多是巴赫亨德尔等人。谈起意大利作曲家,恐怕也多是将维瓦尔第的四季挂在嘴边,维瓦尔第的其他大量的协奏曲作品还不一定能够进入人们的法眼中。这样一来,斯卡拉蒂和阿尔比诺尼等人只能在那几位巴洛克巨头的身影后沦为二流音乐家,被以古典主义和浪漫主义为主食的人们忽略,顶多偶尔会抓出斯卡拉蒂的几首奏鸣曲或者阿尔比诺尼的Adagio 作为饭后的余兴甜点。

     

      即便想去苛责这些听众,却也无济于事。在浪漫主义依然是主餐的今日,对于巴洛克音乐蜻蜓点水的品尝欣赏现象的出现,似乎已经是不可避免的事情。当然,会对这种现象感到气愤不平的,多半也只是那些对巴洛克音乐有着一点偏爱的人们。当人们还在听斯卡拉蒂的单CD 精选作品时,Scott Ross 已将斯卡拉蒂的五百多首奏鸣曲录制完毕,当人们还在对Albinoni's Adagio In g 津津乐道时( 虽然这首曲子据说甚至不是Albinoni 的作品)Albinoni 的好几个Opus 都可在Philips 下寻得。

     

      这些在巴洛克音乐中寻欢作乐的人,多半能理解Albinoni 的价值。虽然其作品在数量上不似维瓦尔第那么华丽壮观,但是就其音乐性来说,可谓是为数不多的能和维瓦尔第比肩的人物。就风格来说,其也和维瓦尔第颇为相似,虽然旋律上会更加清新一些,而这一点维瓦尔第只在部分作品,而非全部作品中做到这一点。这也让Albinoni 的音乐即包含了维瓦尔第的灵动和清新,却又不至于像维瓦尔第的其他作品那般沉重或煽情。

     

      虽然这套1722 年出版的作品中,依然有4 首作品是为弦乐协奏曲,但是其余八首作品,一支双簧管以及两支双簧管的协奏曲各占一半,所以要将Op.9 称为双簧管协奏曲集大体上也没什么问题。如果再考虑到Albinoni 的双簧管协奏曲的名气的话,这张Op.9 就显得颇有价值了。据说彼时威尼斯拥有优秀的双簧管吹奏乐手,才使得作曲家创作出如此数量的优质双簧管作品。不过最初听到这张专辑的时候确实有些意外,毕竟维瓦尔第的双簧管协奏曲虽然也能凑成一张碟,但是让双簧管协奏曲占了一个Opus 的大半份额,还是较少见的。

     

      I Musici 仿佛就是意大利协奏曲的质量保证标签。至少对于和维瓦尔第风格极为相像的AlbinoniI Musici 依然将其旋律演绎的得心应手。至于双簧管演奏者Heinz Holliger ,也称得上是巴洛克音乐的一流演绎者,光从他对巴赫的那些改编而来的双簧管协奏曲的演绎表现来看,就大致能够得出和I Musici 一样的感觉,即质量可靠。虽然Albinoni 的曲子略显清新,但精致动情的演奏效果还是颇让人满意。

  • 2012-05-09

    I Musici《Vivaldi: The Four Seasons & L'amoroso》:一幅高贵典雅的维瓦尔第肖像 - [古典回眸]

    演奏:I Musici
    指挥:Felix Ayo
    专辑:《Vivaldi: The Four Seasons & L'amoroso》(1959)
    厂牌:Philips
    评级:★★★★☆

      截止去年,维瓦尔第的四季的录音版本已经突破四位数,成为最受欢迎的古典录音作品。按理来说,拥有如此浩瀚的录音库存,其中能够称之为优秀的作品数量也应颇丰,为何如今竟撇开这几十年的海量录音不理,而回溯到几十年前,把一张1959 年的专辑重新翻出来研究?

     

      平心而论,这些年的确有过不少好的版本,KarajanMutter 和维也纳爱乐乐团的版本便是一例,其他大师的版本自然不在话下。但问题是,如今日渐崛起的古乐派,对于“不合规矩”的现代演奏版本颇为不屑。就我个人而言,自己应该算不得一个彻头彻尾的古乐派,毕竟对卡拉扬的版本我也会欣赏。但平时还是会更倾向于复原当时的乐器、编制和演奏方式的版本,而非如今现代音色乐器、大乐团以及浪漫主义演奏方式的版本。

     

      但即便在古乐团演奏的版本中,想要找到一张顶级的录音依然艰难。即便乐器和编制上实现了古色古香,但是演奏时散发出的个性化的韵味,却不见得总是都能服众。有些作品太急,有些作品太随意,有些作品太干瘪……也许在作曲家的时代,那些演奏乐团也不见得十分优秀,但是在如今百花齐放的时代,我们也有足够的辨识能力,来挑选当代较为优秀的录音版本,而不必去考究古人的演奏水准几何。

     

      对于1952 年组建的I Musici 来说,这张专辑并非完美。或许是因为早期录制的缘故( 他们1955 年录制了乐团的第一张专辑,同样也是四季协奏曲) ,和后期录制维瓦尔第Op.3 时的状态相比,1959 年他们的确过于注重优雅和平稳,在情绪上不如后期那么奔放自然。若说那时候的I Musici 有些稚嫩,倒也不算过分。

     

      但比起后期各色标榜着古乐团招牌,却在演奏上形态各异的版本,I Musici 的稚嫩却也突然变得可以让人原谅起来。轻狂干瘪的虚弱作品,或者达到及格线却无法继续上升至优秀水准的中等录音,经历了诸如此类作品的轰炸,才发现I Musici 的美好。后期他们可谓是维瓦尔第的标准解释版本,富有情感的演绎以及平稳规律的节奏,重新让维瓦尔第的旋律焕发出激情。即便1959 年的版本未能让人进入完美的状态,却也足够舒适。

  • 2012-05-01

    刘星:孤中自赏 - [古典回眸]

    孤,常用作孤独的解释,亦有孤高、独特之意。对于刘星而言,孤又代表着什么含义?也许两者皆有。两千年之际,刘星先后出了三张专辑,其标题中均夹带了一个“孤”字。这刻意而为之的命名,让刘星显得有些遗世独立的味道,虽然此前他的音乐早已体现出这种倾向。

     

    《孤芳自赏》诞生之时,已是1999 年,距刘星从上海音乐学院民乐系毕业已有17 年之久,此时的他已将主要精力投入到新世纪音乐的创作上,虽然取得了一定的成绩,但其影响范围仅仅局限于部分新世纪音乐爱好者。对于大众而言,刘星依然是一个陌生的名字。

     

    刘星如今的独,和他孤高的品味脱不开关系,但刘星自己倒不怎么在乎这一点,否则他也不会放弃原先国家编制的黑龙江省歌舞剧院的工作,转而开始以自由音乐职业者的身份单干。他在连续三张专辑的名字中刻意突出“孤”这个字,也和他的桀骜不驯的性格不无关系。如果刘星继续创作民族交响而不是新世纪音乐,会有更大的知名度也说不定。尽管有可供选择的音乐路线,但他的性格本身注定了刘星如今“孤芳自赏”的状态。

     

    在《孤芳自赏》中,刘星得以把“独”发挥到极致:专辑从头到尾,除了一首曲子是合奏外,其余曲目均为中阮独奏。不过刘星放弃了上场的机会,转而将独奏的角色让给了弟子沈非完成。除了在那首唯一的合奏曲中露了一手外,刘星基本上选择隐藏在幕后,由沈非在前台演奏。

     

    虽说是刘星的第一张独奏音乐专辑,其中的一些旋律却似曾相识。阅毕专辑的曲目单,才发现部分曲子原是刘星过去的作品,如《无所事事》和《心旷神怡》,其实就是1992 年刘星的第一张New Age 专辑《无所事事》中的曲目。原曲本来就有中阮的演奏,只不过这次稍加改编,将合成器的效果悉数摈弃,使得原先被合成器的光芒遮掩的中阮一跃成为了明星。

     

    简洁的独奏并未让人感觉单调,相反,将合成器的声效去除后,音乐得以重新回归本真。纵观此前七年里刘星对合成器的探索,他试图将合成器和民族乐器融合起来制造自己的New Age 音乐。虽然科班出身的扎实民乐功底在音乐之中依稀可寻,旋律上也非一无是处,但其合成器的音色和手法运用却过于简陋,编曲上也过于杂乱,使得其音乐更像是烂大街的发烧碟,这点刘星做的倒不如日本的和平之月,后者发行的New Age 音乐将流行和民乐元素聪明的调配在一起且获得了相当的名气。刘星的音乐始终打不开市场,或许这就是其中的一个原因。但这恰恰成就了《孤芳自赏》的独特。没有了纷乱的电子编曲,刘星的音乐重归质朴。

     

    不过对于纯粹的古乐爱好者而言,刘星的作品并不是那么可口甜美。虽然抛开了合成器,刘星随性的风格却仍旧被保留了下来,以至于在听《孤芳自赏》的时候,仍会琢磨着这传入耳中的乐器声响究竟是中阮的还是吉他的。由此看来,刘星没有让中阮规矩的扮演民乐的角色。要不然,又怎会听到中阮弹奏的爵士乐?

     

    并不是说刘星只是一个用民族乐器玩爵士乐的人,在他的音乐中,爵士乐只是其中的一味佐料。中国民乐和古典乐的成分也混杂在刘星的音乐中,和爵士乐一同成为他作曲的原料。我不知道刘星是否对美国民谣也有兴趣,不过《山歌》中那浓重的美国西部民谣桥段要让人忽略还是很难。也不能排除是爵士/ 布鲁斯和民乐的综合效果,毕竟美国民谣也包含了一定的爵士乐元素。孰是孰非,一时难以说的清楚。但就个人而言,每当听到那段“吉他”旋律,还是会下意识的联想到太平洋的那一片新大陆。

     

    民乐的清逸,加上爵士乐的随性,能将这两者搭配在一起且效果不俗,这样的人说超凡脱俗或许有些过,但在目前的中国音乐界,可谓是有一定的才华和想法的人。虽然他也曾经写过中阮协奏曲“云南回忆”以及若干首交响曲,但是从风格上看,都有着轻巧松散的特点,和那些“严肃深刻”的交响曲差别还是有的。若要说中国现代交响乐的模板,专辑《火祭》可以算一个。谭盾、瞿小松、唐建平的三首协奏曲,曲式风格无不向二十世纪现代古典靠拢,称得上是“严肃”的现代古典。反观刘星,虽然照搬了古典音乐的构架,但是他的风格中民乐和爵士乐的成分还是多于前者。

     

    这在专辑《闲云孤鹤》中可见一斑。除去新世纪音乐风格的同名曲,专辑中的其他曲子都是刘星过去的旧作,只不过为了演出需要,在编曲上做了一些改动,原来民乐器的旋律段落被尽数改由西洋乐器演奏。毕竟这次做配合的管弦乐团是佛罗内斯交响乐团,作为俄罗斯本地的乐团,自然是标准西洋编制。除非从中国带过去一些民乐演奏家现场演奏,否则无法原汁原味的演奏刘星的那些民乐作品。

     

    在雨果唱片发行的专辑《云南回忆》中,我们得以一窥刘星这首中阮协奏曲的原貌,刘星曾凭借这首协奏曲在1987 年震惊了整个民乐乐坛。如今不论是“云南回忆”协奏曲还是改编过的中阮独奏曲,在音乐厅都被频繁上演,这首曲子俨然成为了中阮弹奏者的“神曲”。

     

    “云南回忆”的成功,和刘星此前在音乐学院灰头土脸的学院时光形成了鲜明对比。1962 年出生的刘星,于12 岁开始师从月琴演奏家冯少先学月琴,1978 年进入上海音乐学院民乐系的刘星,攻读了两年,由于创作月琴独奏曲《沙漠之夜》获得成功,便转读民族理论作曲系,然而仅仅读了一年,就因为和声、复调、曲式的考试均不及格被退回了民乐系,最后于1982 年以月琴专业毕业。由于月琴和阮的结构相似,所以刘星演奏中阮不需要重新学习。在创作“云南回忆”后,刘星奠定了自己的中阮大师称号。如今,身为音乐家的刘星,还是上海音乐学院的中阮研究生导师。

     

    其实就编曲而言,刘星自己也表达过这样的意思,那就是“云南回忆”最初的民乐团版本会更好一些。佛罗内斯的西洋管弦乐版本,虽然气势十足,音色也要比唢呐等民乐器更加圆润,但是表现力上却中规中矩,少了些生动多样的效果。民乐团的版本初听显得有些吵闹,但习惯了以后会觉得很有味道。这就像周星驰的电影《功夫》中使用的那首新民乐歌曲《东海渔歌》一样,虽然略显喧闹,但是却充满了生气。

     

    在接连两张略显意外的专辑后,2001 年刘星的新作《一意孤行》诞生。这张专辑成为了刘星短暂出位后重归新世纪音乐的信号。同时我们得以在专辑中听到单曲《闲云孤鹤》和《孤芳自赏》的New Age 版本,不过得承认的是,和管弦乐以及独奏的版本相比,合成器演奏的效果有点廉价,编曲的层次感也显得有些弱。幸而我们还有《孤芳自赏》聊以自慰,《孤芳自赏》和《闲云孤鹤》就像是刘星投奔新世纪音乐后难得的几次拨云见日。刘星的音乐的真正价值,得以在本真的演奏中更多的体现出来,而合成器效果的侵入,弱化了他的音乐光芒。

    (刊于《惠空港》2012年第三期)