• 2011-03-20

    Ottavio Dantone / Accademia Bizantina《Vivaldi:L'Estro Armonico, Op. 3》:一次离经叛道 - [古典回眸]

    http://img3.douban.com/lpic/s4658081.jpg

    指挥:Ottavio Dantone
    演奏:Accademia Bizantina
    专辑:《Vivaldi:L'Estro Armonico, Op. 3》
    厂牌:Arts Music
    评级:★★★☆
    试听:CD1 CD2 (谷歌音乐可以免费下载)

      我不觉得恪守传统是一种古板的表现。有的时候,人们会把潜意识中那种追求纯粹的想法付诸实践,于是就产生了一些对传统坚守的表现。这也是为什么会有那么多人会要求,将巴洛克音乐按照那个时代的标准原汁原味的体现出来,而非如今大多数人的做法,用后期的古典标准来呈现那个时代的音乐。这种纯粹的诉求可能有时会显得过于保守了些:全数使用巴洛克时期的古乐器,用巴洛克的小型室内乐团规模,按照那个时代的标准演奏风格来演绎那个时代的音乐……但不可否认这也为如今的古典听众们提供了一种可能性。让人们能够体验到那个时代的风味,而非让古乐在后世的标准中逐渐走样。

      我也曾经很极端的和那些古乐爱好者一样,要求所有的巴洛克乐器都用古乐器来演绎。不过最后还是妥协了——除了协奏曲,巴赫的键盘作品用钢琴演奏的确更加精妙无比,Argerich也证明了这一点。但是在演奏风格上,标准的小乐团风格还是更深得我心,这也是为什么Felix Ayo和I Musici的Vivaldi四季版本仍然是我最喜爱的版本之一。当然也不能否认Anne-Sophie Mutter、Herbert von Karajan和维也纳爱乐乐团的现代演奏风格毫无美感,只是如果细究的话,终究有一点后期加工的味道。

      不过这张专辑的确有些破天荒了。前面我们讨论的只是单纯的规模和音色的问题,而如今这张专辑却更多的牵涉到指挥风格问题。在这张专辑中,演奏家们向我们呈现的Vivaldi已经打破了我们的固有印象。事实上,这种个人色彩和浪漫主义色彩浓重的风味的确有些让人不好接受。虽然不至于像Nigel Kennedy那般颠覆,但是其中的很多地方都有些难以接受。比如那些段落的速度变化,以及音效的强弱体现,都不由让人怀念原先那稳妥而优雅的演奏风味。听到Op.3中的No.3、No.8和No.10这几首名曲被这样演绎的时候,我明显感到浑身颤栗——即使是正大雨果音乐引进的Vivaldi也要比这美妙百倍。

      但在听了一两周后,不能否认这种演奏风格中也有它自己的美。就像Sergiu Celibidache演绎的贝多芬第九交响曲一样,虽然不见得忠于原作,但也可以看作是指挥者自己的风格体现,或者说是一种二次创作。这张Op.3如今可能说不上是纯正的Vivaldi了,但是作为后现代的多种表达方式之一,这种表现方式仍然会拥有自己的听众群,正如它展现出的不同一面。我只能说,这不是我的茶。但这不妨碍它继续寻找属于自己的知音。我唯一能做的,就是把我原来打的两星改成三星半。这也算是对演奏者的一点尊重了,虽然对于古典音乐来说,这个分数仍然很低。

  • 2011-03-06

    Steve Reich《Early Works》:回到本初 - [古典回眸]

    艺人:Steve Reich
    专辑:《Early Works》(1992)
    厂牌:Nonesuch
    评级:★★★☆

    全碟试听(谷歌音乐可以免费下载)

      为Steve Reich分类而贴上的标签一直很可怕,至少对于主流大众来说可以这样认为。当然这种主流大众的定义范围已经不仅仅是以流行音乐为主食的大众了——只有那些能够习惯实验音乐和现代古典的人才能被排除在这个“大众”的范围之外。实验音乐,极简音乐……这些都是Steve Reich玩的得心应手的工具,这也使他得以同Phillip Glass和Karlheinz Stockhausen一样“恶名远扬”,当然,这又是对主流大众而言。现代古典从始至终都是小众音乐,就连在古典音乐厅里也不能例外,所以音乐厅总是把这种音乐强行插在音乐会演出顺序的第一首或者第二首,使得观众即使想也无法提前退场。

      不过这二三十年里,Steve Reich似乎在某种意义上“从良”了。或许这么诠释有点不太合适,但这的确是不争的事实,他的音乐也因此受到更多人的欢迎。不知是年龄增长还是市场导向所致,如今他的音乐虽然仍然讲究极简和实验,但在可听性上多少加强了一些。管乐旋律的加入、管弦和打击乐所营造的效果、一些多普勒效应的音乐应用以及极简音乐一贯的循环效果,让音乐变得更加Ambient化起来,这在2000年的《New York Counterpoint Eight Lines/Four Organs》中尤为明显,听上去会让人想起一些电影配乐和后摇滚的效果,而当时他已经64岁了。

      不过实验归实验,后期的Steve Reich的音乐却显得有些寡淡,虽然音效更加饱满更加易于聆听,但是那种从单调里来到单调里去的感觉却始终挥之不去。更糟糕的是向旋律的妥协,由于旋律化而导致人们不可避免的将其和相似的一些电影配乐之类的作品相比较,但是这种比拼的结果几乎是意料之中。即使退一步,同奋战在第一线的实验音乐比,Steve Reich的音乐又不够彻底,反而缺少了先锋性和刺激性。两个原因中,后者恰恰是致命的。因为大多数人都将这音乐归类于实验音乐中,但是Steve Reich如今的作品却透不出那种才气,反而掉落到匠才的圈子中。像《Full Orchestra》这样的曲子,其实只需要一首就够了,而不用把它一而再再而三的以另一种面貌重新鼓捣出来,然后冠上一个新的名字,将其作为一首新曲发行。

      不断的制造千篇一律但又毫无新意的作品,这就是Steve Reich晚年面临的尴尬境地。不同于Karlheinz Stockhausen的丰富,Steve Reich会更贴近Phillip Glass,因为这两人都是以极简著称,更重要的是他们的作品大多千篇一律。20世纪意大利作曲家Luigi Dallapiccola曾批评Vivaldi把一首协奏曲写了五百遍,但是Steve Reich和Phillip Glass等人又何尝不是如此。更糟的是,Vivaldi尚且能让人们对自己的音乐上瘾,以至于重复也不再是一件可耻的事情,那么Steve Reich呢?如果说Karlheinz Stockhausen还能在那些恐怖的现代实验音乐中制造出一些多变的可以称之为“旋律”的东西的话,Steve Reich则同Phillip Glass一样,是在不断的重复之中制造一种单纯的听觉震撼,可是他们也仅限于此,并不能在旋律上带来更多有趣的东西。就算是Himdemith那犹如机械般规整的复调音乐,虽然可听性不如巴托克,但是比起这些缺乏旋律灵感的极简派来说,仍然是绰绰有余。

      其实我倒是更欣赏Steve Reich早期的作品,虽然《Early Works》中的五首六七十年代的曲子在音色和旋律上都不及他的晚期作品来的丰满,但是这种实验带来的听觉冲击倒是比后期作品更接近Karlheinz Stockhausen,虽然距离仍然是遥不可及,但至少也距离John Cage这种实验派不远了。那种粗糙而单纯的实验效果,的确像是一个年轻气盛的实验作曲家应该有的,虽然我承认那些人声采样的循环让我有点不是特别适应。但是光《Piano Phase》和《Clapping Music》两首曲子,就足以让那些晚期作品黯然失色。

  • 2011-02-15

    【视频】Rachmaninoff - Piano Sonata No.2 Op.36(霍洛维茨演奏) - [古典回眸]

    两点感触。
    一,终于又找到这首曲子了。二,霍洛维茨的鼻孔真大。

  • 2010-05-04

    【转】Autumn Tears《Love Poems For Dying Children, Act 2》:黑色诱惑 - [地下三厘米]

    http://img2.douban.com/lpic/s1465262.jpg

    艺人:Autumn Tears
    专辑:《Love Poems For Dying Children, Act 2:The Garden Of Crystalline Dreams》(1997)
    厂牌:Dark Symphonies
    评级:★★★★
    试听:虾米音乐

    感谢Kevin的指正,这篇转文歌词中的“Unless”应为“alas”。

    文:流浪的矩阵
    原文链接:http://music.douban.com/review/1128240/

      有些音乐天生就是黑色的,那是一种灵魂深处的召唤。Autumn Tears的这个以女吸血鬼为题材的三部曲音乐史诗——《Love Poems for Dying Children》可算是把黑色音乐的魅力展现得淋漓尽致了。从第一个音符想起了那一刹那,整个人似乎都被剥离出这个钢筋混凝土的喧嚣都市,来到一个充满黑暗、森林、鬼怪、恐惧的奇异之地,那一句俗点的话就是超凡脱俗了。
      
      当然不是每个人都可以享受其中的美妙的,我妈就觉得我整天听的这些音乐渗得慌像哀乐一样。国内听这种黑色音乐的人也不太多,究其原因大都是由于受不了那种黑暗绝望得气氛。
      
      相比DeathMetal那种嚎叫和噪音轰炸,我还是喜欢这种口味稍微淡一点的。古典乐器加上萦绕的女声有种让人痴迷的魔力,最重要的事它那黑暗的主题。跟朋友讨论音乐时我就认为,对于我这种不懂乐理的音乐爱好者来说能听懂音乐是个非常重要的,古典的很多作品自己确实才疏学浅无法很深地去了 解,还是这些叙事性很强的音乐和我的水平相当。在听的同时我能够又很强地带入感,能得到精神上的充分愉悦。
      
      很多人听歌认为歌词不重要,重要的是音乐本身,对这种观点我持保留意见。对于歌曲来说,歌与曲本来就是两个同等重要的要素,所以对于我来说最头疼的就是对唱的歌词只能听懂只言片语,看来学习英语任重道远啊。不过在网上下了歌词来看,最喜欢的却是ACT II里小孩与女吸血鬼的对白。
      
      小孩: Do the children ever sing?
      女:Unless they do not the song of wealth and remembering
      小孩:Do the children ever dance?
      女: Unless they can dance no more
      小孩:Do the children ever laugh?
      女: Unless their laughter can be heard no longer
      小孩:Do the children ever play?
      女: Unless their days of playing has longs since ending
      小孩:Do the children ever sleep?
      女: Unless they can not sleep, they can only dream
      小孩:Do the children ever cry?
      女: Unless I do regret they forever cry tears for sadness
      小孩:Do the children ever love?
      女: Unless they can love no more
      小孩:Do you love the children?
      女: I love all my children,yet I feel they can not love me
      小孩:Do you love me?
      女: I shall love the forever my dearest one, sleep now ,as we enter this endless memory together , and see ...... all in a moment....
      
      整个就是吸血鬼进食前与牺牲品的对话,让我想起科波拉的《惊情四百年》中 女吸血鬼抱着小孩进入墓室的情景。当然朋友说我听多了这些会变态的,我却不这么想。黑暗的感召来自心灵的深处,就如同有些人信上帝、有的拜佛,这都是一个道理。

  • 2010-04-23

    刘星《闲云孤鹤》:追忆曾经的交响之梦 - [古典回眸]

    http://img2.douban.com/lpic/s4260742.jpg

    作曲:刘星
    指挥/演奏:麦家乐/佛罗内斯交响乐团
    专辑:《闲云孤鹤》
    厂牌:雨果
    评级:★★★★
    试听:虾米音乐(试听不完整,推荐去Verycd下载完整版)

    (在此感谢若||沉稳的行板的帮助,这篇文章中的部分观点得益于和其的交流)

    说实话,自刘星在九十年代初开始“无所事事”的玩起New Age新民乐后,虽然这二十年间也陆续出了十几张专辑,但是真正能拿到台面上的,却只有两张专辑而已。一张是我之前写过的中阮独奏专辑《孤芳自赏》,而另一张则是交响专辑《闲云孤鹤》。有趣的是,这两张恰恰是刘星的十几张录音中唯一两张非New Age作品。对于他的New Age音乐,我一直抱着一种鄙夷的态度,甚至于怀疑他做这些所谓的新民乐是否只是为了糊口?毕竟在他的自我介绍中就说过,自毕业后一直处在无业状态,宛如闲云野鹤。

    但刘星也是要吃饭要生存的,估计这也是他推出这些New Age音乐的原因。或许这也解释了这位民乐专业人士为何直到20世纪的最后一个年头才得以出版自己的第一张交响专辑。得益于先前那些新民乐堆砌的名气,这张专辑才能借着其光彩顺利上位。说实话,其实这里面的几首作品,尤其是交响作品,基本都是他在八十年代写出来的。旋律上其实刘星的这些作品倒也不差,但和当下红火的那些中国交响相比,刘星的音乐或许不够“伟大”。他如今走上新民乐道路,恐怕也是在此竞争下做出的无奈选择。

    难得的是,在1999年《孤芳自赏》中回归本色了一回后,2000的《闲云孤鹤》重新将刘星抬回曾经的专业高度——交响。不过专辑还是暴露出刘星在交响曲上的一些软肋,正如之前所说,音乐不够“伟大”,不够“深刻”。当然,命题作文《闲云孤鹤》应该是一个例外,这首曲子更像是为了安抚一下刘星的新民乐听众而塞进去做过渡的,所以在音乐中,多少可以感受到先前专辑的一些韵味,虽然有了乐队的支持,但是中阮的旋律仍然有些单薄空洞。

    接下来,就是他以前的那些正儿八经的交响作品了。虽然起了《云南回忆》这么一个名字,但是这首中阮协奏曲却一点都没有云南的味儿。和《孤芳自赏》中的状态相似,刘星的中阮仍旧是被当做琵琶和吉他来把玩。集民乐、北美民谣、古典和爵士旋律于一身,刘星这回玩的确实够尽兴,而且还是在一个交响乐团面前出尽风头。虽然音乐算不上深邃,但是其恢弘的气势着实让人大呼过瘾,让人不由想起巴托克的第三钢琴协奏曲中的那种畅快而直接的力量爆发。只是可惜,标题中的“云南”早就不知被撇到哪儿去了。

    如果说中阮协奏曲还能够刺激一下听众的肾上腺素的话,那么后面的交响乐曲就愈发暴露出刘星的音乐内涵的不足。当然这不是说刘星的音乐不好,但他的水准只能冲到四星水准,之后就再没有爬升的空间了。《动物组曲》多少借鉴了圣桑的《动物狂欢节》的概念,旋律上仍然十分浅显易懂,让人十分的舒服,但是听到最后一曲便会发现,这音乐确实只能算是良的水平。《第三民族交响乐》也是如此,和那些大师级的民族交响比起来,乐曲稍微浅显了一些。不过曲子比起先前噪杂混乱的第二民族交响乐要好上许多,结构条理都清晰不少,脉络也不至于那么混乱。而改用西方管弦而非中国管弦演绎,也让音乐驱除了民乐的嬉闹气味后,显得更加的肃穆庄重,将音乐的那份厚重得以提炼突出。

    总的来说,刘星的音乐是一个夹在中间的产物。比起那些挥洒着平淡的民乐旋律的专辑,西方风味的引进要使音乐更加讨巧。而相对于在现代派中陷入极深的大牌,刘星又要世俗浅显的多。对于那些喜欢西方浪漫主义古典的听众来说,刘星的音乐通俗易懂而且能够产生共鸣。只可惜市场的需求决定了刘星的音乐方向:在这张交响专辑中短暂辉煌过后,刘星又继续开始他的新民乐之旅。但即便如此,他的两张Fusion和交响作品仍然记录了他音乐生涯中的最好状态。